New documentary by Péter Forgacs celebrates UNESCO world day for the preservation of the audiovisual

Video Active provides access to European television heritage through an online, multilingual portal. The project reached its final stage in August after three years of development and now contains over 10.000 videos, photographs and articles. This collection will continue to grow. The renowned media artist and independent filmmaker Péter Forgács has used the material from Video Active to create a short documentary. By using footage from the different archives, Forgács gives a beautiful insight in the rich material available on Video Active. The documentary enables viewers to discover various aspects of European television history in a compelling form. This new work had its online premiere on October 27th, to celebrate the UNESCO World Day for the Preservation of the Audiovisual Heritage and can be viewed from this day on http://tinyurl.com/videoactive.
Video Active
Television material is a vital component of Europe’s heritage, collective memory and identity. However, audiovisual material can only reveal cultural commonalities and differences when its origins are known and understood. By presenting a large collection of European television heritage and by contextualizing this collection with extended descriptions of the sources and comparative articles the Video Active portal offers an enormous resource for exploring both the representation of cultural and historical events within and across nations and the development of the medium itself at a cross-cultural level. As such, it is a highly valuable source for the educational field at large, notably academic research. Also Video Active is a valuable repository for primary and secondary education where Video Active material can be used as (an addition to existing) learning material. On top of that media and cultural heritage professionals benefit from the unique possibility to search different collections through one access point.
The Video Active consortium is comprised of 15 audiovisual archives, 3 universities and 1 software company. The web site provides multiple search modes, like free text search and timeline browsing, making it easy to search the collection. Various themes of the history of European television and European history can be explored through 33 showcases which contextualise different parts of the collection.
Video Active has been established within a three-year project funded by the eContentplus programme of the European Commission. The consortium, coordinated by Utrecht University, currently jointly supports the portal in its operational stage. Video Active has been acknowledged by a worldwide community of professionals working in the field of cultural heritage, which resulted in the Best of the Web People’s Choice Award 2009 and a nomination for the FIAT-IFTA Archive Achievement award.
Péter Forgács
Since 1976, Péter Forgács is present in the Hungarian art scene as filmmaker and media artist. In the 1970s and '80s he collaborated with the contemporary music ensemble Group 180, and worked in the Balázs Béla Film Studio. In 1983, Forgács established the Private Photo & Film Archives Foundation (PPFA) in Budapest, a unique collection of amateur film footage, and has used this material as raw data for his unique re-orchestrations of history. His international debut came with the Bartos Family (1988), which was awarded the Grand Prix at the World Wide Video Festival in The Hague (1990) and in 2002 the Getty Research Institute exhibited his installation The Danube Exodus: Rippling Currents of the River. Forgács has received several international festival awards in Budapest, Lisbon, Marseilles, San Francisco, New York and Berlin. Forgács won the 2007 Erasmus Prize, which is "awarded to a person or institution which has made an exceptionally important contribution to culture in Europe."

Website : Video Active

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Bron/Source : Artdaily

Rome to become international capital of architecture for one week

For one week, Rome will be the international capital of architecture. Two events – promoted by MAXXI Foundation, chaired by Pio Baldi, as part of the MAXXI SEES THE LIGHT – of the rich programme that will accompany the final rush towards the Grand Opening of the National Museum of 21st Century Art, in the spring of 2010.

The first event to take place is the Exhibiting Architecture The 21st Century Museum International Symposium, by Margherita Guccione, Director of MAXXI architecture, coordinated by Maristella Casciato and Pippo Ciorra. The international symposium, organized together with Musica per Roma Foundation, will be held on Monday 9 and Tuesday 10 November at the Auditorium Parco della Musica. The Directors of some of the world’s most important museums and architecture institutions, as well as a number of reputable curators, critics and scholars will meet for the first time in Rome to take part in an intense debate.
Rome will thus be the capital of architecture for two days of debates between directors of various institutions and curators, as well as architects, town-planners and historians, who will make an unprecedented contribution to the multitude of meanings of the Museum of the 21st Century, understood as a space for building a “discourse” on the constantly evolving contemporary culture. The following issues will be dealt with during the conference:

• defining the tasks of the Italian Museum of Architecture;
• defining the nature and peculiar aspects of the curating activity in the realm of international projects;
• identifying privileged interlocutors and the public of reference; • reconciling the activity of keeping documentary memory with the promotion and call for a topical debate on architecture.

Website : MAXXI Foundation

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Bron/Source : Artdaily

An exhibition of more than 120 works by Aristide Maillol in Barcelona

La Pedrera inaugurated an exhibition of more than 120 works of art by French artist Aristide Maillol.
Maillol was born in Banyuls-sur-Mer, Roussillon. He decided at an early age to become a painter, and moved to Paris in 1881 to study art. After several applications, his enrollment in the École des Beaux-Arts was accepted in 1885, and he studied there under Jean-Léon Gérôme and Alexandre Cabanel. His early paintings show the influence of his contemporaries Pierre Puvis de Chavannes and Paul Gauguin.
Gauguin encouraged his growing interest in decorative art, an interest that led Maillol to take up tapestry design. In 1893 Maillol opened a tapestry workshop in Banyuls, producing works whose high technical and aesthetic quality gained him recognition for renewing this art form in France. He began making small terracotta sculptures in 1895, and within a few years his concentration on sculpture led to the abandonment of his work in tapestry.
The subject of nearly all of Maillol's mature work is the female body, treated with a classical emphasis on stable forms. The figurative style of his large bronzes is perceived as an important precursor to the greater simplifications of Henry Moore and Alberto Giacometti, and his serene classicism set a standard for European (and American) figure sculpture until the end of World War II.
His important public commissions include a 1912 commission for a monument to Cézanne, as well as numerous war memorials commissioned after World War I.
He died in Banyuls at the age of eighty-three, in an automobile accident. While driving home during a thunderstorm, the car in which he was a passenger skidded off the road and rolled over. A large collection of Maillol's work is maintained at the Musée Maillol in Paris, which was established by Dina Vierny, Maillol's model and platonic companion during the last 10 years of his life. His home a few kilometers outside Banyuls, also the site of his final resting place, has been turned into a museum where a number of his works and sketches are displayed.
Three of his bronzes grace the grand staircase of the Metropolitan Opera House in New York City: "Summer" (1910-11), "Venus Without Arms" (1920), and "Kneeling Woman: Monument to Debussy" (1950-55). The third is the artist's only reference to music, created for a monument at Saint-Germain-en-Laye, Claude Debussy's birthplace.
Maillol “spoke Catalan, wore traditional espadrilles, a sash and a barretina (the traditional Catalan cap), he danced sardanes” and he openly proclaimed his Catalan identity: “I consider Catalonia my true homeland”.

Website : La Pedrera

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Bron/Source : Artdaily

Un Musée Rodin à Salvador de Bahia

Palacete das Artes

Un Musée Rodin a ouvert ses portes à Salvador de Bahia
62 sculptures d'Auguste Rodin (1840-1917) sont déposées pour trois ans par le musée Rodin de Paris au Palacete das Artes, un palais du vieux quartier de la ville aux innombrables églises, et dans le parc qui l'entoure.
Le projet s'inscrit dans le cadre de l'Année de la France organisée cette année au Brésil, mais devrait se poursuivre bien au-delà.
Parmi les plâtres qui ont traversé l'Atlantique figurent un Penseur et un Baiser, deux oeuvres majeures du sculpteur français.
L'Etat de Bahia a financé la restauration du Palacete das Artes et du parc pour qu'ils puissent accueillir ces oeuvres de Rodin.

L'exposition permanente Auguste Rodin, homme et génie entre dans le cadre de l'Année de la France au Brésil.

Première capitale du Brésil, aujourd'hui troisième ville du pays avec près de trois millions d'habitants, Salvador de Bahia est surtout connue pour ses très nombreuses églises baroques, ses demeures coloniales et son héritage africain encore très vivant dans la culture populaire et la musique.

"Avoir ces oeuvres ici permettra à nos artistes de dialoguer avec le monde, ce sera une nouvelle attraction pour le tourisme à Bahia, pour le nord-est et le Brésil", s'est félicité le secrétaire à la Culture de l'Etat, Marcio Meirelles.

Dans trois ans, les sculptures retourneront en France, mais d'autres oeuvres de Rodin pourraient alors prendre leur suite et être exposées à Bahia. L'idée d'ouvrir cette antenne bahianaise pour y exposer une partie des très nombreuses collections du musée Rodin remonte à 2002.

La détermination de l'Etat de Bahia et la programmation prévue ont convaincu les responsables du musée parisien. "Le vaste programme d'activités inclut des expositions de courte durée d'artistes modernes et un important travail éducatif", a affirmé Heloisa Helena, la conservatrice du musée.

Ainsi, un représentant du musée se rendra dans les écoles pour faire venir les élèves et les initier à l'oeuvre de Rodin et aux arts plastiques.En ce moment, le Musée d'art moderne de Bahia, une ancienne usine de canne à sucre située au bord de la baie, accueille l'exposition Prenez soin de vous de l'artiste française Sophie Calle, qui avait marqué la Biennale de Venise en 2007.

Et le musée Rodin présente aussi, dans le cadre de l'année de la France, une exposition Rodin, de l'atelier au musée, Photographies et sculptures: l'été dernier à Belo Horizonte, elle est au Musée d'art de São Paulo à partir du 27 octobre.

L'Année de la France au Brésil est organisée après l'Année du Brésil qui avait eu lieu en France en 2005.

Website : Blog Palacete das Artes Rodin Bahia

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Bron/Source : France 2 Culture

Espace Dali in Paris become a showcase for gold pieces that the artist designed

In tribute to the 20th anniversary of Salvador Dalí’s disappearance, from the 16th of October 2009 until the 20th of January 2010, Espace Dalí in Paris will become a showcase for gold pieces that the artist designed during the 1960s. The exhibition is curated by Mr. Alex Doppia and Mr. Beniamino Levi, major art collector and Dali’ world expert.
Dalí d'Or-Objets Montés (Dalí Gold-Mounted Objects) were created by Dalí in order to emulate royalty in all its excess and splendor. Each gold coin is inlaid with the effigy of the great Catalan artist together with his wife and lifetime muse, Gala. He was inspired to style his coins after the most extravagant of kings, Louis XIV, the "Sun King", who created his Louis d'Or collection of coins adorned with his own image. In a typically eccentric flourish Dalí went on to design twelve objects to be assembled from his Dalí d'Or coins. Using the coins which come in four different sizes and values, Dalí created fantasmagoric golden objects inspired by a mixture of sacred emblems, legendary animals and objects of every day use.
For the first time in France, the Espace Dalí also presents a unique collection of jeweled gold sculptures embedded with precious stones, diamonds, rubies, emeralds and sapphires, created in tribute to the artist. These exquisite jeweled sculptures are amongst the most famous iconographic images created by Dali’ during his lifetime. Dalinian Pendants, the Tortoise Porte-Dali-Bonheur, the Soft Watch, the Triumphant Elephant, and the Space Venus are just some of the Dalinian gold creations that you will be able to admire during the "Dalí d’Or & Bijoux de Gala Exhibition".

Website : Espace Dali

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Bron/Source : Artdaily

A new expanded MAM will open in 2013

photo Herzog & De Meuron

Miami Art Museum announced the completion of design development for its new 120,000-square-foot home in downtown Miami, scheduled to open in 2013. Designed by Herzog & de Meuron, MAM’s new home will work in concert with its natural surroundings to enhance the museum experience, and has been designed to achieve silver LEED [Leadership in Energy] certification. The new building will allow MAM to better serve its diverse, rapidly growing community, reinforcing the Museum’s role as a bridge between continents and cultures.
The new MAM will be a cultural resource commensurate with Miami’s position as a hemispheric hub and creative capital, with an impact extending internationally. Miami-Dade is the only major metropolitan area in the United States without an art museum serving the full spectrum of the community. MAM’s current building, originally designed to serve solely as an exhibition hall, lacks educational space and the facilities to maintain a collection. Since the current building opened in 1984, Miami-Dade’s population has grown to 2.4 million and Miami has been transformed from vacation destination to a world capital with a vibrant arts scene.
The completed design was unveiled in Miami yesterday, October 21, at a lecture titled "Work in Progress: A Talk with Herzog & de Meuron". Pierre de Meuron, founding partner and Christine Binswanger, partner-in-charge of the project, discussed the design in a public forum with Terence Riley, Director of Miami Art Museum. “Jacques Herzog and Pierre de Meuron understand MAM’s educational and civic role, and have designed a building that is extraordinarily accessible and welcoming. The design works with—not against—Miami’s climate to ensure that the building is environmentally responsible,” said Riley. “Miami’ s thriving community of artists, designers and collectors, as well as its avid and growing art-viewing public, have built a strong creative economy and driven the demand for a public museum of global stature.”
MAM will continue to work with the architects to further refine the design, with an anticipated completion date of 2012 and opening in 2013. The people of Miami Dade have approved $100 million in bonds towards the $220 million projected budget and the Museum is in the midst of a capital campaign to raise the balance.
A New MAM
he new MAM will be more than three times the size of its current facility, with 32,000 square feet of galleries, providing space for larger and more varied displays of the Museum’s rapidly growing permanent collection and special exhibitions. The museum will be an anchor of the new, 29-acre Museum Park overlooking Biscayne Bay, which will include public gardens and sculpture installations. The building will also feature an educational complex with a library, auditorium, classrooms, and workshop space, and a cafe and store. The new design will stimulate and support collection growth and enable MAM to better fulfill its role as an educational resource for the city and beyond.
Herzog & de Meuron’s design responds to Miami’s climate and the needs of a young, rising art museum. The three-story building will sit upon an elevated platform and below a canopy, both of which will extend far beyond the Museum’s walls, creating a shaded veranda and plazas. Working with local horticulturists and landscape designers, the architects will use this space to “bring the park into the museum” in new and innovative ways.
The interior of the Museum will feature a series of distinct galleries and other public rooms connected by spaces displaying the permanent collection, creating a fluid visitor experience. A flexible system of galleries will allow the visitor to step in and out of very different encounters with art. Transparency on the first and third levels of the galleries will reveal the activities within: the entry halls, auditorium, shop and café on the first level and the education center and staff offices on the third. An open-air parking garage will be located beneath the Museum on grade and surrounded by landscaping and terraces.
The permanent collection galleries will be located on the first and second level, which will also house extensive temporary exhibition galleries. While mainly oriented inward toward the exhibition space, the second floor galleries will also feature carefully placed windows to allow for natural light and views of the surrounding park and bay. The main gallery level of the new museum will appear to hover between more transparent levels, all of which will be shaded by the canopy above. A unique feature of the design, the building will include several “anchor” galleries, approximately 20 feet by 20 feet, for which the Museum will commission long-term site-specific installations.
The canopy’s overhang will create a series of outdoor spaces that bridge the museum, park, and city. The canopy will be strategically perforated to allow in light at appropriate areas, and lush vegetation cascading from the openings will transform the veranda into a garden. The microclimate under this canopy will be regulated through geothermal cooling of the exterior surfaces and by the canopy itself, one of the many “green” strategies being undertaken for the new museum. The design allows for multiple transitions, as visitors gradually move from the outside to the inside, hot to cool, humid to dry, and from the street or park to the art. A set of stairs the width of the Museum will link the building to the bay walk in Museum Park.
In recognition of MAM’s ongoing growth, the architects have designed a building which can expand organically from within without major disruptions. As MAM’s collection continues to grow, additional walls and rooms can be added. In addition, future gallery expansions can be made without interruption of the Museum’s daily activities.
Programming and Collections at MAM
MAM will remain in full operation in its current location on Flagler Street until the new building is complete. The museum will continue its focused initiative to build the collection in coordination with the expansion. Among the artists represented in MAM’s growing collection are Doug Aitken, Carlos Alfonzo, José Bedia, Christo, Chuck Close, Joseph Cornell, Marcel Duchamp, Guillermo Kuitca, Wifredo Lam, Sol LeWitt, Robert Rauschenberg, Tomas Saraceno, Lorna Simpson and Rachel Whiteread. In 2008, MAM was chosen as the museum in Florida to receive 50 works from the Herbert and Dorothy Vogel Collection, including several works by Richard Tuttle. MAM's far-ranging vision is expressed in the breadth and depth of its exhibition program, from major solo exhibitions of artists such as Guillermo Kuitca, Sol LeWitt, Ana Mendieta, Vik Muniz, Shirin Neshat, Yinka Shonibare and Lorna Simpson, to Miami in Transition, in which Miami-based artists responded to the city’s development, and "NeoHooDoo: Art for a Forgotten Faith", exploring spirituality in artistic practices. MAM's broad curatorial mandate accommodates wide-ranging artistic approaches. A highlight of this vibrant program, "Guillermo Kuitca: Everything, Paintings and Works on Paper", 1980-2008 and a satellite exhibition "Guillermo Kuitca: Everything" (else), Large Scale Works at Freedom Tower, will be on view during Art Basel Miami Beach and will remain in the galleries through January 17, 2010.

Website : Miami Art Museum

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Première biennale internationale du verre

La première Biennale internationale du verre a pris ses quartiers à Strasbourg jusqu'au 30 novembre
35 artistes internationaux travaillant cette matière y exposent dans des galeries, au Musée zoologique ou à l'église Saint-Maurice. A découvrir des installations d'Yves Chaudouet et Rachel Maisonneuve ou de Bernard Dejonghe, Matei Negreanu, Jörg Zimmermann.
La Biennale remplace Strasbourg, Capitale du verre: 50.000 visiteurs en 2007 et 2008.
Au total, 90 candidats d'Europe, d'Afrique, des Etats-Unis et d'Asie concourraient à l'International Strasbourg Glass Prize, dont le premier lauréat est l'artiste français Nicolas Morin, récompensé pour un lecteur de disque gravé dans le verre dont les qualités artistiques et techniques ont été retenues par le jury. Neuf autres oeuvres marquantes distinguées par le jury seront présentées à Strasbourg .
Président de l'Esgaa (European studio glass art association), co-organisateur de l'événement, Laurent Schmoll souligne le "plein développement" de l'art contemporain du verre, "un marché primaire, peu spéculatif et qui regroupe peu de galeries".
"Dans les prochaines années, les créations utilisant le verre vont littéralement exploser", affirme-t-il en faisant observer qu'à Art Basel, il y a de plus en plus de propositions de plasticiens verriers chaque année.

Website : http://biennaleduverre.wordpress.com/2009/07/23/246/

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Bron/Source : France 2 Culture

ArtTube van het Museum Boijmans Van Beuningen

ArtTube is een website met video’s over kunst en design.

ArtTube wordt gemaakt door Museum Boijmans Van Beuningen.

Op ArtTube staan video’s die te maken hebben met het museum en zijn collectie. Die video’s maken we zelf en laten we maken door getalenteerde filmers. Dit is de eerste versie van ArtTube; er komen regelmatig nieuwe video’s op ArtTube. En vanaf het voorjaar 2010 kan je via de video’s doorlinken naar een andere website met gedetailleerde informatie over kunstwerken uit de collectie.

ArtTube wordt mogelijk gemaakt door een genereuze bijdrage van het VSBfonds. Dit fonds is partner in educatie van het museum en ondersteunt ook twee andere platforms: de Kunst Studio (de educatieve ruimte in het museum) en het televisieprogramma Boijmans Journaal (uitzending vanaf 2010).

Website :http://www.boijmans.nl/nl/ - ArtTube

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Bron/Source : Museum Boijmans Van Beuningen

Mayer van den Bergh

Musée Mayer van den Bergh

Né en 1858 à Anvers d'un père enrichi par le commerce d'épices et de produits pharmaceutiques, qui devint l'un des plus puissants hommes d'affaires de la ville, Fritz Mayer van den Bergh hérita à 21 ans des avoirs paternels. Arrêtant immédiatement ses études de droit, il se consacra à sa passion pour l'art.
Mayer van den Bergh développa un réseau de contacts internationaux qui lui permit de bénéficier d'informations de première main hors des circuits habituels. Initialement, sa collection ne différait guère de celles de ses contemporains fortunés : panneaux de maîtres italiens et peintures de genre hollandaises, ainsi que céramiques, textiles, meubles, miniatures.
Numismate reconnu
Il affectionnait particulièrement la numismatique, et devint un tel spécialiste que la ville d'Anvers lui demanda de classer la collection de pièces du musée archéologique du Steen. Son intérêt se dirigeait aussi vers la recherche, et il mena de véritables enquêtes à propos de tableaux anonymes qu'il achetait.
Après une dizaine d'années de collection, Fritz Mayer van den Bergh se défit de la quasi-totalité de ses pièces : en 1891 et 1892, sous des noms tels que Sanchez de Aguilar ou comte de Nedonchel, il vendit aux enchères près de 300 peintures, sculptures, gravures et objets. Quittant les goûts traditionnels de ses contemporains, il se consacra ensuite à la peinture flamande. Il fréquenta les ventes internationales, acquérant sculptures et peintures directement auprès du clergé.
Musée posthume
Cette quête n'allait pas sans difficultés, même si les besoins financiers de certaines paroisses facilitèrent les choses. C'est ainsi que le collectionneur acheta le triptyque « Christ en croix avec couple de fondateurs » de Quentin Metsys après autorisation épiscopale.
D'autres œuvres s'échangèrent plus facilement, comme un « Paysage peuplé de figures fantomatiques » attribué à Pieter Brueghel le Jeune : proposé aux enchères sous ce titre, il était exposé si haut que les acheteurs potentiels devaient demander une échelle pour le regarder, ce que bien peu firent Finalement, Mayer van den Bergh identifia l'œuvre comme étant « Dulle Griet », un panneau perdu de Pieter Brueghel l'Ancien.
En 1901, Fritz Mayer van den Bergh meurt subitement, à 42 ans. Cela fait à peine dix ans qu'il s'est lancé dans sa nouvelle collection, mais celle-ci est déjà très riche. Le nombre et les dimensions des pièces acquises au cours des dernières années tendent à prouver qu'il ambitionnait de créer un musée. Ainsi, en 1897, quatre célèbres portraits de la famille Vekemans par Cornelis de Vos furent réunis. Récemment, le portrait retrouvé d'une troisième enfant de la famille est venu compléter la série. L'année suivante, Mayer van den Bergh acheta l'ensemble de la collection Micheli, consacrée par un mouleur du Louvre à la sculpture. L'Anversois en acquit les 451 pièces, et revendit la plupart pour rentrer dans ses frais. Fidèle à ses goûts, il ne garda que les pièces du Moyen Âge flamand.
En hommage à son fils décédé, la mère de Fritz Mayer van den Bergh décide de prolonger son travail. Ainsi, durant les premières années du XXe siècle, elle fait bâtir une demeure néogothique en résonance avec les œuvres collectées. Aujourd'hui, le Musée Mayer van den Bergh existe depuis un siècle et est l'un des plus remarquables d'Anvers. Hélas, son initiateur ne l'a jamais connu .

Website : Musée Mayer van den Bergh

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Bron/Source : Le Soir

Biennale des images du monde

Marcher le long du quai Branly pour découvrir cette 2e «Biennale des images du monde», c'est arpenter un marché bigarré et foisonnant qui va du Mexique à la Malaisie, de la Mongolie intérieure à l'Inde joyeusement entassée (Atul Loke), du Japon des jeunes amoureux (Masato Seto) à l'île de la Réunion des anciens combattants (formidables portraits de Raymond Barthes). C'est découvrir, en plein air et au bord de la Seine, le produit en images d'une vaste cueillette aux quatre coins du monde. En moins d'une heure, on fait le tour des continents, on empile les voyages comme des albums digestes et aimables, on découvre en quelques tirages et un agrandissement géant le travail d'un photographe inconnu, méconnu, géographiquement hors d'atteinte, et donc à suivre.
Rien d'étonnant à ce que l'idée de ce nouvel événement photographique parisien appartienne à Stéphane Martin, président du Musée du quai Branly, son voisin au succès tonitruant (4,52 millions de visiteurs en trois ans depuis son ouverture). Il y a dans ce parcours design, à la scénographie rouge et subtile signée Patrick Jouin, un foisonnement kaléidoscopique qui rappelle la formule si populaire du Musée des arts premiers. La photographie du «monde non occidental» (32 pays), triée et récoltée par neuf commissaires, est présentée pêle-mêle, comme les arts dits jadis primitifs, tous mis en scène comme des sorciers dans la pénombre de la jungle.
Positive, fraîche, multicolore
Ce choc voulu des cultures souligne la vitalité des 50 photographes retenus cette année (contre 70 pour l'édition 2007), l'enthousiasme palpable de certains «à venir en France pour la première fois», leur vision positive, fraîche, multicolore, même des pires fléaux (la pollution extrême de la Chine vue tel un peintre par Lu Guang, l'Eden mexicain dévasté vu par Pablo Lopez Luz, le jeune couple invité à la fête de la guerre par l'Iranien Gohar Dashti). On est aux antipodes de «Visa pour l'image» avec son accrochage linéaire bien janséniste. Au festival du photojournalisme à Perpignan, on entre de plain-pied dans l'actualité, avec la série incroyable d'Eugene Richards sur les militaires américains blessés en Irak (War is Personal), ou celle, gonflée, fine et ultrasensible, de Brenda Ann Kenneally sur l'envers du rêve américain (Upstate Girls).
Ici, on musarde. À quoi ressemble le Mexique, emblème du pays émergent et latino ? À une jolie brune qui court dans les champs en Doc Martens rose pour échapper à un gros nuage rose (La Mort par barbe à papa, Daniela Edburg, 2006). Le frigo cannibale imaginé par cette jeune photographe pour dénoncer la société de consommation est tout simplement irrésistible (La Mort par Tupperware, 2005). À quoi ressemble aujourd'hui la Mongolie intérieure dans une Chine qui dénature tant son environnement ? Aux yourtes d'antan qui côtoient la laideur moderne, cocktail au charme fou comme le Chinois A Ying, découvert au dernier Festival de Lianzhou (province de Canton). Sur les routes de l'Arménie, on croise Karen Mirzoyan. Dans le printemps marocain, Khalil Nemmaoui chante le vide comme un poète.
Jusqu'au 22 novembre. Plus de renseignements sur quaibranly.fr

Website : Photoquai 2009

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Bron/Source : Le Figaro

Museum celebrates its twenty-fifth anniversary with an exhibition of Arnaldo Roche Rabell's work

This year the Museum of Contemporary Art of Puerto Rico commemorates its Twenty-fifth Anniversary. The year-long celebration begins with an exhibition of Arnaldo Roche Rabell’s (1955) recent work, entitled "Azul" (Blue). The opening is scheduled for Saturday, October 24.
Roche Rabell is a distinguished Puerto Rican artist, renowned both locally and internationally for his striking and challenging work. His paintings are characterized by their exploration of the limits of figuration and the representation of the human body, their expansion of the use of color, and their employment of a narrative art that ranges from an emblematic and direct political questioning to construction of a subjectivity centered on Roche’s personal myths. The public and private have often coincided in this work, which is known for its brilliant palette, its formal daring, and its focus on the human body and an inventory of ordinary objects.
“Blue” represents a substantial shift in Roche’s characteristic practices. By using, almost exclusively, a monochromatic blue palette and a pure white line, an almost sculptural “carving” of the paint on the paper or canvas, and an extremely large format, Roche has redefined his ideas about figure, ground, and story, as well as the ways he attacks and works the pictorial surface. The iconography characteristic of Roche is still here in these new images, but austerely reconfigured, to charge them anew with meaning.
The new sobriety displayed by Roche in his paintings, distancing itself from the explosion of texture and color in his earlier works, may be unexpected by the many viewers familiar with his work, but this new style was latent in paintings done as early as the 1970s and 1980s. To illustrate this development, along with the recent works “Blue” will contain some of the earlier paintings that foreshadowed this new direction.
"Azul" (Blue) was curated by Lilliana Ramos-Collado, Ivette Fred-Rivera, and Marianne Ramírez-Aponte, MAC’s Executive Director. Educational programming for this exhibition includes activities for children and adults led by MAC’s Education staff and guest lecturers from the University of Puerto Rico and the Polytechnic University of Puerto Rico. The exhibition will be open through December 20, 2009.

Website : Museum of Contemporary Art of Puerto Rico

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Bron/Source : Artdaily

Loterie nationale dévoile ' L'art du jeu '

La Loterie nationale possède une étonnante collection d'oeuvres d'art et d'objets précieux liés au jeu. Elle en expose une petite partie à partir de jeudi aux Musées royaux des Beaux-Arts. Une toile de David Teniers le Jeune, acquise récemment, y sera la principale attraction.
Au bureau d'accueil de la Loterie nationale, un couple chuchote en s'adressant à l'hôtesse. D'heureux gagnants, peut-être. On a à peine le temps de se poser la question qu'une jeune femme nous emmène dans le bâtiment voisin. C'est là que nous attend Annemie Buffels, conservatrice du patrimoine culturel de la Loterie. Un joli titre pour une fonction dont nous ignorions tout jusqu'il y a peu. Mais voilà, à partir de jeudi, la Loterie nationale expose ses trésors aux Musées royaux des Beaux-Arts. Et parmi ceux-ci trône une toile de David Teniers le Jeune, acquise tout récemment chez Sotheby's et montrant un groupe de joueurs de cartes en action.
Une œuvre qu'Annemie Buffels nous fait admirer avec fierté dans son petit sanctuaire de la rue Belliard. Le siège de la Loterie nationale se situe ici, dans un de ces immeubles ternes devant lesquels on passe sans jamais s'arrêter. Personne ne pourrait se douter que, parmi tous ces bureaux, un vaste espace soigneusement protégé abrite une collection d'œuvres d'arts et d'objets précieux. « Dans d'autres pays, les loteries possèdent souvent une petite collection liée à leur histoire, souligne la conservatrice. Notre collection dépasse largement ce cadre. »
Employée au service marketing de la loterie depuis 1978, Annemie Buffels s'occupe longtemps des événements culturels de la maison. Parallèlement, elle se lance dans une licence en histoire de l'art en cours du soir à la VUB. Celle-ci lui viendra à point en 1992 lorsque la loterie se met en quête d'un conservateur pour sa collection patrimoniale. Depuis, elle occupe le poste et enrichit année après année une étonnante collection.
Parmi celle-ci, stockée dans une réserve austère mais fort encombrée, on découvre une belle amphore grecque représentant Achille et Ajax plongés dans une partie de jeu de hasard. Une pièce en céramique datant de 535 à 530 av. J.-.C. Dans une vitrine, voici des jeux de dés appartenant à diverses époques et diverses cultures : dés incas, égyptiens, indiens et même un dé en argent, en forme de femme aux jambes écartées. Son équivalent masculin n'a pas été retrouvé.
Le jeu à travers les siècles
Au centre de la réserve, une sorte d'ancêtre du flipper, venu de Venise et baptisé « Gioco delle biglie ». En parfait état de marche. Un objet en bois, superbe, comme beaucoup de jeux anciens conservés ici : cartes et jetons de lotto de multiples provenances, pions pour jeu de hasard en mosaïque de pâte de verre égyptiens, amulette chinoise du XVIIIe siècle, jeu de loterie-roulette en ébène, ivoire et os du XVIIe siècle, tambours de loterie du XVIIIe, roulettes de comptoir, jeux de dominos de toute provenance, étonnant compteur japonais pour jeux de cartes, coffret vénitien avec jeu de tric-trac et de dames en ivoire et ébène, datant de 1500…
Au-delà des objets, la collection s'intéresse aux œuvres d'art illustrant divers aspects du jeu. On découvre ainsi un beau lavis de Rik Wouters montrant des militaires qui tuent le temps en jouant aux cartes. Une eau-forte de James Ensor met en scène un joueur stressé face à un croupier blasé sous le regard d'un gendarme prêt à intervenir. Rops, Rassenfosse, De Braekeleer, Moerman, Di Rosa, Nikki de Saint-Phalle ou Guy Peelaert sont aussi de la partie.
Dans une autre pièce, les archives de la Loterie font également figure de trésor. Billets somptueusement décorés des débuts, affiches exotiques, tambours et boules de diverses époques… Jusqu'aux affiches actuelles pour lesquelles il a fallu acheter de nouveaux rangements en raison de leur taille.
A travers tout cela, on peut retracer toute l'histoire de la Belgique. De l'époque coloniale, où la loterie est mise en place pour réduire le déficit budgétaire dans une période de crise, jusqu'à l'époque actuelle… où la crise est de retour tandis que la Loterie multiplie les jeux pour attirer le chaland.
Pour fêter ses 75 ans, celle-ci donne au public l'occasion de découvrir une petite partie de ses trésors. Ceux-ci valent le détour et racontent énormément sur notre société. D'hier et d'aujourd'hui.
L'art du jeu » aux Musées royaux des Beaux-Arts, du 16 octobre au 31 janvier. Entrée gratuite, audio-guide gratuit.

Website : http://www.lotto.be/

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Bron/Source : Le Soir

Taubman Museum of Art awarded 2009 International Architecture Award

The Taubman Museum of Art announced that the institution’s building, designed by Los Angeles architect Randall Stout, has been awarded a 2009 International Architect Award, co-presented by The Chicago Athenaeum: Museum of Architecture and Design and Metropolitan Arts Press Ltd. and The European Centre for Architecture Art Design and Urban Studies. The new facility will celebrate its one year anniversary in November.
As the only global awards program of its kind, the International Architecture Awards program recognizes the best built and unbuilt architecture from around the world and has become the most important barometer for the future direction of new architectural design and thinking today. The awards celebrate, recognize and highlight the world’s foremost architectural solutions for the designs of new skyscrapers, corporate buildings, institutions, arts facilities, airports, private homes, industrial structures, and urban planning projects from London to Singapore. The selected projects challenge new approaches to design that are beyond the envelope of the everyday, while providing cities with key civic buildings that celebrate and harmonize architecture as a high art while finding answers to the complicated problems of environment, social context, improving quality of life, and sustainability.
“We are thrilled that the museum has once again been recognized as an example of cutting-edge design and has been awarded this incredibly prestigious international award,” said Dr. Paul T. Frantz, president of the museum’s Board of Trustees. “During our first year of operations we have experienced firsthand the expertise and innovation that Randall incorporated into the design to make our building as functional as it is architecturally and aesthetically intriguing.
” For the 2009 International Architecture Awards, hundreds of submissions were received from design firms in Europe, Asia, Africa, Australia, and the Americas. The submissions ranged from the latest new corporate high-tech headquarters to smaller planning projects, bridges, memorials, sacred spaces, and private residences. All submitted projects were designed by architects in their respective countries of origin or abroad for both built and unbuilt projects alike, designed as of January 1, 2006. The jurying took place in Helsinki, Finland under the auspices of the Finnish Association of Architects (SAFA).
The museum and Randall Stout Architects were included among thirteen new distinguished projects and urban schemes in the U.S., and ninety-seven projects worldwide, that were selected in this year’s International Architecture Awards program. Other notable firms whose projects were recognized with awards include Alsop Architects, Kieran Timberlake, LOT-EK, Skidmore, Owings & Merrill, and Zaha Hadid Architects. Projects in China, Japan, Great Britain, Germany, the Netherlands, Brazil, Italy, Canada, Australia, Vietnam, Portugal, South Africa, Taiwan, Austria, Ireland, France, Slovenia, Korea, United Arab Emirates, Latvia, Denmark, Iran, Luxembourg, Uganda, Burkino Faso, and Indonesia also received awards.
In 2007, the Taubman Museum of Art received one of the American Architecture Awards awarded by The Chicago Athenaeum: Museum of Architecture and Design and Metropolitan Arts Press Ltd. The American Architecture Awards honor and celebrate the most outstanding new accomplishments for architecture designed and built in the U.S. by leading American firms and international architecture firms practicing in the U.S. The American Architecture Awards identify the new cutting-edge design direction, urban philosophy, design approach, style, and intellectual substance in American architecture today.

Website : Taubman Museum of Art

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Bron/Source : Artdaily

Le legs Anna Boch

Anna Boch

Boch, c'est avant tout un nom de famille. Victor et ses frères fondèrent la faïencerie Royal Boch en 1841. Mais Anna (1848-1936), sa fille, parvint néanmoins à se faire un prénom. Nièce d'Octave Maus (figure de proue du groupe artistique Les XX), elle baigna dans le milieu culturel. Elève d'Isidore Verheyden et influencée par Théo Van Rysselberghe, elle s'adonna brièvement au pointillisme belge, avant de formuler son interprétation personnelle de l'impressionnisme dans des paysages et des compositions florales.

Peintre et mécène
Membre du groupe des XX puis de La Libre Esthétique, elle évolua aux côtés des grands noms de la scène artistique de l'époque, sans jamais cependant les égaler.
L'œil d'Anna Boch et sa fortune lui permirent de développer une importante collection. Elle acquit ainsi des toiles impressionnistes et l'on cite souvent le fait qu'elle fut l'une des très rares personnes à acquérir deux toiles de Vincent Van Gogh du vivant du peintre ; elle les revendra ensuite, paralysée par la force du maître qui la bloquait dans son propre travail. La collection d'Anna Boch s'articule autour de ses propres recherches : prédilection pour les paysages et les fleurs, compositions impressionnistes et néo-impressionnistes. L'on note même un intérêt particulier pour les œuvres de femmes peintres. Sa vie durant, elle continua à s'intéresser aux nouvelles recherches artistiques, et acquit même quelques toiles cubistes.
Don
En 1927, Anna Boch fit don aux Musées Royaux des Beaux-Arts de Bruxelles de La musique russe, une importante toile de James Ensor représentant, dans l'intérieur ostendais du peintre, l'artiste Willy Finch écoutant une pianiste, vraisemblablement Mitche, la sœur du maître des lieux. En achetant cette œuvre au jeune Ensor lors du salon des XX de 1886, auquel elle participait pour la première fois, elle faisait œuvre de mécénat par rapport à un jeune artiste au talent parfois injustement méconnu. Ce don n'est qu'un premier pas, puisque par dispositions testamentaires, Anna Boch légua au musée certaines toiles majeures
Trois toiles de choix
Grâce à l'artiste, le musée s'enrichit d'œuvres néo-impressionnistes de Georges Seurat et Paul Signac. La Seine à la Grande-Jatte, de 1888, fut acquise lors d'une exposition des XX. Seurat la réalisa dans la lignée de son chef-d'œuvre, Un dimanche d'été à la Grande-Jatte. Le tableau conservé à Bruxelles est cependant plus calme : seul un canotier et un voilier ponctuent le paysage ensoleillé. La calanque est plus tardive : Signac la peignit en 1906 à Saint Tropez. Les tons chauds qu'il utilise pour traduire les arbres évoquent la palette du fauvisme naissant.
Conversation dans les prés. Pont-Aven (ou : Le Pouldu) est l'une des trois toiles de Paul Gauguin conservées au musée. La touche n'est pas strictement divisionniste, mais elle fonctionne cependant par petits traits successifs qui font vibrer l'atmosphère. Les deux personnages en conversation au centre de la composition paraissent petits, presque noyés dans une végétation abondante traitée de manière très décorative.
Aux enchères
Outre quelques autres dons, notamment son orgue personnel à l'église d'Ecaussinnes et une toile au Musée d'Ixelles, Anna Boch veilla à ce que les autres tableaux de sa collection soient dispersés en vente publique, notamment ceux qu'elle avait peints. L'argent récolté devait revenir aux pauvres. C'est donc aux enchères que les Musées Royaux des Beaux-Arts de Bruxelles acquirent deux autres pièces de la collection, signées Isidore Verheyden : une toile, et un portrait en plâtre de son ancienne élève et désormais mécène du musée.

Website : Anna Boch via Wikipedia

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Bron/Source : Le Soir

La France restitue les cinq fresques égyptiennes

Vallée des Rois - Tombe KV63

Paris va restituer au Caire cinq fragments de fresques, a annoncé le ministère de la Culture
"La restitution est désormais une question de semaines", a indiqué le ministère.
Le chef du service des antiquités égyptiennes, Zahi Hawass, a affirmé que la coopération entre l'Egypte et le musée du Louvre ne serait rétablie qu'à la restitution des pièces pharaoniques "volées".
L'Egypte avait annoncé mercredi qu'elle suspendait sa coopération archéologique avec l'établissement français tant que ces fragments de fresques ne lui seraient pas restitués.
Le Louvre était averti de ces intentions depuis l'été.
Devant l'avertissement égyptien, le ministre de la Culture, Frédéric Mitterrand, avait "convoqué la commission scientifique nationale des musées de France pour avoir son avis sur la provenance des fresques et leur sortie des collections du musée du Louvre". Cette commission a émis un avis favorable au déclassement des oeuvres.
A l'unanimité (33 voix sur 33), la Commission scientifique nationale des musées de France a conseillé au ministre de déclasser ces fresques en vue de les restituer à l'Egypte, a indiqué la rue de Valois. "Frédéric Mitterrand a aussitôt décidé de suivre cet avis et de signer l'arrêté qui permettra à ces fragments de réintégrer leur lieu d'origine", précise le ministère dans un communiqué.
Les cinq fragments de peinture murale du tombeau d'un dignitaire de la XVIIIe dynastie égyptienne (1550-1290 avant J.C.), situé dans la vallée des Rois, près de Louxor, avaient été "acquis de bonne foi" par la France en 2000 et 2003, selon le ministère de la Culture. Ce n'est qu'en novembre 2008, à la suite de la redécouverte par les archéologues de la tombe dont ces fresques semblent provenir, que "des doutes sérieux sont nés sur la légalité de leur sortie du territoire égyptien", affirment les services de Frédéric Mitterrand.

Website : XVIII e dynastie égyptienne via Wikipedia

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Bron/Source : France 2 - Culture

First major exhibition of works by Edward Hopper opens at Palazzo Reale in Milan

For the first time in Italy, Milan and Rome, are set to pay tribute to the entire career of Edward Hopper (1882-1967), the 20th century’s most popular and best known American artist, with a major anthological exhibition that is the first of its kind in this country.
The exhibition presents more than 160 works, including famous masterpieces such as "Summer Interior" (1909), "Pennsylvania Coal Town" (1947), "Morning Sun" (1952), "Second Story Sunlight" (1960), "A Woman in the Sun" (1961) and various paintings that have never been exhibited, like the stunning "Girlie Show" (1941). It explores the whole of Hopper’s oeuvre, and all the techniques used by an artist now viewed as one of the classic painters of the twentieth century.
The exhibition will be staged in Palazzo Reale in Milan from October 14, 2009 to January 31. Immediately after that it will be held in Rome, at the Fondazione Roma Museum, from February 16 to June 13, 2010, and then at the Fondation de l’Hermitage in Lausanne, from June 25 to October 17, 2010.
The Hopper event also exceptionally heralds the beginning of a cultural partnership between Comune di Milano and Fondazione Roma, set to give rise to the first in a series of joint projects involving the City Council of Mayor Letizia Moratti and the Fondazione Roma, chaired by Prof. Emmanuele Francesco Maria Emanuele.
“It is with immense pleasure and great satisfaction that today we launch this important collaboration between Comune di Milano and the Fondazione Roma, presenting the first major anthological exhibition dedicated to Edward Hopper”, explain Letizia Moratti and Emmanuele Francesco Maria Emanuele. “This is an extremely high level cultural project that involves a public body and one of the main protagonists on the Italian and international cultural scene, united by their devotion to and love of art and culture”.
The Artist
Hopper was born and grew up in Nyack, a small town in New York State. He studied illustration for a short period, then painting at New York School of Art under legendary masters William Mer­ritt Chase and Robert Henri. He visited Europe three times (from 1906 to 1907, in 1909 and 1910) and his experiences in Paris, above all, made a lasting mark on him: he remained a lifelong Francophile, even after settling permanently in New York in 1913.
Despite his imposing physical presence – he was six foot two – he was famous for his reserve, and very rarely wrote or spoke about his work. He died at the age of 84 and his work enjoyed the esteem of critics and the public throughout his career, despite the success of the up-and-coming avant-garde movements, Surrealism, Abstract Expressionism and Pop Art.
In 1948 the magazine “Look” named him one of America’s greatest artists; in 1950 the Whitney Museum dedicated an important retrospective to him, and in 1956 he appeared on the cover of“Time”. In 1967, the year of his death, he represented the United States at the prestigious Bienal di São Paulo. Since then Hopper’s work has been celebrated in numerous exhibitions and has inspired countless painters, poets and filmmakers. In a 1995 essay the great novelist John Updike paid an eloquent tribute to his “calm, silent, stoic, luminous, classic” works.
The exhibition
Edward Hopper’s career is closely linked to the Whitney Museum of American Art, which hosted various exhibitions of his works from the first in 1920 at the Whitney Studio Club, to the memorable shows held in the museum in 1960, 1964 and 1980. Since 1968, thanks to the bequest of the artist’s widow Josephine, the Whitney has been home to his entire legacy: more than 3,000 works which include paintings, drawings and etchings.
Curated by Carter Foster, the Whitney Museum curator who granted the loan of the largest nucleus of works, the exhibition, realized with the technical coordination of Carol Troyen, also boasts other important loans from the Brooklyn Museum of Art in New York, the Terra Foundation for American Art in Chicago and the Columbus Museum of Art.
Structured in seven sections according to chronological order and theme, the Italian exhibition covers Hopper’s entire oeuvre, from his education, to his years as a student in Paris, up to his “classic” and best-known period of the 1930s, 40s and 50s, closing with the large, intense images of his later years. The show explores all of the artist’s favorite techniques: oil, watercolor and etching, and devotes special attention to the fascinating relationship between his preparatory drawings and his paintings: a vital aspect of his work that up till now has not been greatly explored in the exhibitions dedicated to him.
The first three sections: “Self Portraits”, “Education and Early Works. Hopper the Illustrator” and “Hopper in Paris”, present a group of promising self portraits, the works from his academic period and the light-filled sketches and works of his Paris period, such as the well-known painting "Soir Bleu" (1914). The room dedicated to “Defining the Image: Hopper the Etcher”, with masterpieces such as "Night Shadows" (1921) and "Evening Wind" (1921), highlights his elegant technique and that “sense of the incredible potential of everyday life” that brought him great success and marked the start of a distinguished career.
The section entitled “Hopper’s Method: from Sketch to Canvas”, which celebrates the artist’s extraordinary talent for drawing, and explores his modus operandi, presents a significant set of preparatory drawings for paintings such as "Morning Sun" (1952) and the earlier work "New York Movie" (1939), the sketches for which clearly reveal how his female figure takes shape: starting out almost as a portrait of his wife Jo (his only model), the figure gradually evolves into the pensive usherette with film star looks standing in the movie theatre – one of the artist’s favorite subjects. This section shows how Hopper’s realism is often the result of an amalgamation of several images and situations captured at different times and places, not a simple reproduction from life. The exhibition also exceptionally includes one of his Artist’s Ledger Book, the famous ledgers he and his wife compiled, and which contain sketches of many of his oil paintings.
In the rooms dedicated to “Hopper’s Eroticism” the exhibition gathers some of his most significant images of women absorbed in contemplation, for the most part nude or partially undressed, alone in interiors. Together with the works in the section “Artist’s Essence: Time, Space, Memory” these works are a consummate representation of the artist’s aesthetic, his understated form of realism and above all his ability to reveal beauty in the most common subjects, often with a cinematographic slant that was much appreciated by the critics.
Hopper has long been associated with atmospheric images of urban buildings and the people who inhabit them, but rather than skyscrapers – emblems of the aspirations of the jazz age – he preferred the dilapidated red facades of anonymous shops, and lesser-known bridges. Some of his favorite subjects are images of life in tranquil middle class apartments, often glimpsed through a window from a passing train, and settings like diners and movie theatres; images that have acquired iconic status, as in some of the famous masterpieces presented here: "Cape Cod Sunset" (1934), "Second Story Sun­light" (1960) and "A Woman in the Sun" (1961). Hopper also painted some stunning watercolors during summers spent in Gloucester (Massachusetts), in Maine, and in Truro (Cape Cod) as of 1930. The sea rarely features in these paintings, which show sun-baked sand dunes, lighthouses and humble cottages, enlivened by sensuous contrasts of light and shade; paintings which always hint at a story yet leave the motivations of the protagonists unclear. The exhibition also features an important photographic, biographical and historical component, tracing American history from the 1920s to the 1960s: the Depression, the Kennedys, the boom years. An opportunity for greater insight into today’s global recession and Barack Obama’s America.

Website :Palazzo Reale

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Bron/Source : Artdaily

Peindre sur le Mur était un acte politique

Peintures du mur de Berlin, photographiées par Jean-Luc Faby

Dans une exposition à Paris et un ouvrage publié chez Hachette, le photographe Jean-Luc Faby livre quelques uns de ses plus beaux clichés. Des bouts du mur de Berlin peints avant ou après la chute. Des actes politiques hier. Des souvenirs aujourd'hui.

Professeur de lettres, Jean-Luc Faby a deux passions : le voyage et la photographie. Il était à Berlin quand les Allemands, et avec eux le monde entier, ont soudainement compris que le Mur allait tomber. Fasciné par ce lieu, qu'il aime comparer à un «aimant», il l'a arpenté sur des kilomètres. Et l'a photographié sans relâche, par centaines de clichés, s'intéressant surtout aux peintures et aux graffitis qui l'ont rapidement recouvert. D'abord dans les plans larges, puis en se rapprochant de plus en plus du Mur, ou de ce qu'il en restait. Dans une exposition qui se tient à la Maison Heinrich Heine, à Paris - et dans un ouvrage de 56 pages publié chez Hachette -, il partage quelques uns de ses «tableaux» immortalisés, aux techniques picturales variées.
Thierry Noir, lui, est l'un des premiers artistes qui a défié les gardes-frontières pour aller peindre sur le Mur. Quelques unes des photographies de Jean-Luc Faby représentent ses œuvres. Le 1er octobre dernier, tous deux étaient présents au vernissage de l'exposition «art/Mur de Berlin» pour expliquer leur démarche artistique.

Website : Maison Heinrich Heine, Paris

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Bron/Source : Le Figaro

Tate Modern opens most extensive John Baldessari rertrospective in the U.K.

John Baldessari (b1931) is widely regarded as one of contemporary art’s foremost conceptual artists. Tate Modern presents the most extensive retrospective of his work to date in the UK op from October 13, 2009.
"John Baldessari: Pure Beauty" will bring together more than 130 works and examine the principal concerns of this legendary Californian artist. With humor and irony, Baldessari’s work dissects the ideas underlying artistic practice and questions the historically accepted rules of how to make art. Fascinated by language and meaning, he has always been interested in the connection between working in the visual field and working with words.
The combination of film, photography and painting has become one of the key elements in Baldessari’s art. Beginning with his early photo-and-text works from the late 1960s, the exhibition includes his extensive use of found film imagery in the combined photographs of the 1980s, the irregular-shaped and over-painted works of the 1990s, as well as video, and concludes with his most recent works to date.
In the 1960s he notably painted statements derived from contemporary art theory and instructional manuals onto canvas. These early major works from "Everything Is Purged" to "Tips for Artists Who Want to Sell," 1966-68, will be included in the show. From the 1970s he marries his humorous pursuit of a new visual language to film. "I Will Not Make Anymore Boring Art," 1971, sees Baldessari record himself on videotape repeatedly writing the lines over and over again in a notebook for the duration of the tape. This period also begins his experimentation with collage using film stills and his own photos to conceive a series of aligned images. In the Blasted Allegories series from 1978, Baldessari explores the language of associated images by assembling a literal dictionary of photographs randomly sampled from commercial television.

The exhibition will examine the increasingly elaborate formal structures which Baldessari introduced into his work in later years and which have become a key component to his art. Abandoning the standard rectangular canvas or photographic format, he has produced a series of works combining numerous images to create various unconventional formats. "Bloody Sundae," 1987, for instance, forms an inverted T shape on the wall. On top, two men attack a third beside a stack of paintings; on the bottom, a couple lounges on a bed, a breakfast tray between them, all five faces obliterated by Baldessari’s signature circles of colour, increasing the unease. Baldessari’s production of books and prints will feature in the exhibition as well as lesser-known works and installations.

There will also be new installation made specifically for the Tate Modern exhibition. "John Baldessari: Pure Beauty" has been organized by Tate Modern in association with Los Angeles County Museum of Art. The show is curated by Jessica Morgan, Curator of Contemporary Art at Tate Modern; Leslie Jones, Associate Curator, Prints and Drawings at LACMA; and assisted by Kerryn Greenberg, Assistant Curator, Tate Modern.
The exhibition will travel to Museu d'Art Contemporani de Barcelona, February 5 through April 25, 2010; Los Angeles County Museum of Art, June 20 through September 12, 2010; and Metropolitan Museum of Art, New York, October 17, 2010 through January 9, 2011. The exhibition will be accompanied by a richly illustrated catalogue with essays by major writers, curators, art historians and former students of John Baldessari.
John Baldessari was born in 1931 in National City, California and studied art at San Diego State College (1949-57). He taught at the California Institute of the Arts in Valencia, CA from 1970-1988 and the University of California at Los Angeles from 1996-2007.
His artwork has been featured in more than 200 solo exhibitions and in over 900 group exhibitions in the U.S. and Europe. His projects include artist books, videos, films, billboards and public works. His awards and honors include memberships in the American Academy of Arts and Letters and in the American Academy of Arts and Sciences, the Americans for the Arts Lifetime Achievement Award, the Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative, the California Governor's Award for Lifetime Achievement in the Visual Arts, the Oscar Kokoschka Prize, the “Spectrum” Internationaler Preis für Fotografie, and the BACA International 2008. He has received honorary degrees from the National University of Ireland, San Diego State University, and Otis Art Institute of Parsons School of Design. He lives and works in Santa Monica.

Website : John Baldessari

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Bron/Source : Artdaily

L'arpenteur de l'entre-temps

L'architecte du Wiels, le Centre des arts contemporains de Forest, et du musée de la Médecine d'Anderlecht ose la peinture. Dans ses carnets moleskine et ses tableaux de tôle galvanisée, le réel a le goût de l'inconnu.Membre fondateur du bureau d'architecture Art & Build, Pierre Lallemand rêve de cités sans murs et sans ciel. Il trace ses plans de villes sur un mouvement de pensée, invente ses propres règles géométriques pour trouver l'équilibre dans la poésie, en état d'apesanteur esthétique.

Equilibriste des formes, auteur tranché, c'est un explorateur du vide, un aventurier du temps qui passe, un chasseur de lumière.
Le jaillissement de ses œuvres se produit dans l'instant où les dés sont lancés mais pas encore retombés, à la fin d'un repas entre amis. Ces coins de nappe de restaurant, ces bouteilles ivres de l'imaginaire, ces verres pleins de la création sont partout dans les carnets de Pierre Lallemand exposés à l'Association du patrimoine artistique, un lieu initiatique entre pavés des Marolles et du Sablon.
Au fil des rencontres et des amitiés, l'architecte plasticien a signé plus de 450 instantanés de vie, des polaroïds fugaces où le réel goûte soudain aux saveurs de l'inconnu.
« Je les dessinais pour moi et puis ils ont séduit beaucoup de monde, confie l'auteur. J'ai été poussé à les exposer. Ce sont des carnets de création très intenses que je remplis sur des bouts de tables avec les bics et les crayons que j'ai toujours en poche ». Mais ces carnets ne sont qu'amuse-bouche.
Dans la pièce voisine, Pierre Lallemand expose à nos cerveaux imparfaits ses premiers tableaux. Depuis un an, il peint pour témoigner des paradoxes de l'homme trompé par ses propres perceptions.
« Là, nous sommes en train de parler ensemble, dit-il. Nous allons ensuite nous quitter et témoigner de ce que nous avons vu. Mais personne n'aura vu la même chose parce que nous déformons, en fonction de nos émotions, ce que nous avons vécu. »
Nous avons tort de nous fier à nos sens. L'art spontané de Pierre Lallemand valse avec le temps et la mémoire. Sa peinture est en mouvement sur des bouts de tôle galvanisée qui donnent de la matière à la toile. Les tableaux, à l'image de ses carnets, fonctionnent sans retouches, à l'envers ou à l'endroit. Ombre d'un carré noir ou, quelques instants plus tard, Ombre d'un carré galvanisé qui n'a pas d'ombre… Le réel se fragmente et plonge dans une destinée incertaine.
L'exposition de Pierre Lallemand lui ressemble. Ce n'est pas une démarche d'art contemporain, plutôt un jeu de l'esprit.
« Le vrai risque, c'était de ne pas le faire, sourit l'artiste architecte. Le plus difficile, c'était de monter le premier cadre. »
Derrière lui, les masses se télescopent, les matériaux s'entrechoquent, pour donner du sens à la vie. Ces tableaux ne sont pas à vendre : « Un artiste qui œuvre pour vendre a priori se trompe, même si la valeur d'une œuvre participe aujourd'hui de sa reconnaissance. »
La richesse de ces toiles laboratoires est ailleurs, dans l'insatiable curiosité pour les mystères de la condition humaine.
Exposition Entre-temps à l'Association du patrimoine artistique, 7, rue Charles Hanssens, 1000 Bruxelles, jusqu'au 18 octobre, du mercredi au samedi de 17 à 19 h 30, dimanche de 11 à 18 heures.

Website : Association du patrimoine artistique

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Bron/Source : Le Soir

Le legs Florent van Ertborn

Rogier van der Weyden - Tripiek van de Zeven Sacramenten - KMSKA

Florent van Ertborn (1784-1840) fut bourgmestre d'Anvers de 1817 à 1828. En dix ans, il modifia nettement le plan de la ville portuaire, recouvrant les canaux, créant le jardin botanique, restaurant la cathédrale, et développant l'enseignement municipal. Ses qualités lui valurent d'être nommé en 1828 gouverneur de la province d'Utrecht.

Par ailleurs, la biographie nationale indique que : « Cet homme remarquable, vrai philosophe, voua toute sa vie à la culture des lettres et des beaux-arts. Il fut à la fois le protecteur et le conseiller des artistes, et sut faire le plus noble usage de sa fortune. »
La famille van Ertborn avait développé un intérêt certain pour l'art. Le grand-père de Florent, le chevalier François Emmanuel van Ertborn, collectionnait l'art du XVIIe siècle. Le goût de Florent le dirigea vers les périodes plus anciennes : les XIVe, XVe et XVIe siècles, alors peu en vogue à l'époque.
Pour lui, la renommée de maîtres tels que Rubens portait de l'ombre à leurs prédécesseurs, et il décida de leur consacrer son temps et son argent. Sa collection réunirait des noms tels que Hans Memling, Rogier van der Weyden et Jan Van Eyck. En 1828, Johanna Schopenhauer, la mère du philosophe, elle-même écrivain (auteur notamment d'une biographie de Van Eyck) rendit visite au bourgmestre d'Anvers pour découvrir sa collection : elle ressortit impressionnée par la qualité des œuvres réunies.
Une collection unique en son temps
En 1840, Florent van Ertborn décède. Son testament rédigé en 1832 stipule que l'ensemble de sa collection revient au Musée d'Anvers : 115 tableaux rejoignent donc les collections en 1841. Ils jettent les bases de la collection d'art primitif flamand.
Le Messager des sciences historiques témoigne l'année suivante : « Nous croyons pouvoir avancer, sans crainte d'être démenti, que le Musée d'Anvers possède seul autant de chefs-d'œuvre de l'Ecole flamande primitive, que tous les Musées réunis de l'Europe. » Le Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers existe alors depuis peu, mais sa collection remonte au XVe siècle, lorsque la guilde de Saint-Luc, qui réunissait les artistes de la ville, commença à conserver des œuvres d'art.
Chefs-d'œuvre flamands
Parmi les chefs-d'œuvre de la collection, Sainte Barbe, de Jan Van Eyck, retient l'attention : cette œuvre énigmatique présente la sainte devant une tour gothique en construction. L'œuvre possède peu de couleurs, puisqu'il s'agit en grande partie d'un dessin.
La question est de savoir si celui-ci est préparatoire, auquel cas l'œuvre est inachevée comme l'édifice représenté à l'arrière-plan, ou bien si Sainte Barbe constitue un dessin à part entière.
Autre pièce de choix de l'artiste : la Vierge à la fontaine, une Maternité emplie de tendresse qui détache les figures sacrées devant un magnifique brocart rouge. La fontaine, ainsi que les motifs floraux, renvoient au Jardin d'Eden et à la Vierge.
De Rogier van der Weyden, le Triptyque des sept Sacrements est un chef-d'œuvre : les scènes bibliques sont représentées à l'intérieur d'une église très lumineuse, créant une majestueuse présentification des personnages. A l'arrière-plan, l'on aperçoit même un retable qui renvoie à celui que l'on regarde
Un Memling étonnant
Un célèbre Portrait d'homme par Memling appartient aussi au legs : il s'agit d'un des très rares portraits du peintre dans lequel le personnage regarde directement le spectateur. L'Ecole flamande ne constitue cependant pas la totalité de l'ensemble légué, et l'on relève aussi d'autres œuvres importantes telles qu'une Charité de Lucas Cranach ou la Vierge du diptyque d'Etienne Chevalier de Jean Fouquet.

Website : KMSKA - Legaat ridder Florent van Ertborn

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Bron/Source : Le Soir

Rogues' gallery: the 'hottest' online gallery in the world

The Paul Cezanne painting 'Boy in a red vest' was stoelen in 2008 from a museum in Zürich

Welcome to the "hottest" online art gallery in the world. The collection, kept in a glass and concrete building beside the Rhône in Lyons has more exhibits than the Louvre.

It has been forbidden to the public for years, but has now has thrown itself open online to anyone who passes a simple security check. Rembrandt, Vermeer, Caravaggio, Picasso, Cézanne and Manet are all here. So are Brueghel, Tintoretto, Degas, Murillo, Salvador Dali, Henry Moore and – shortly, no doubt – René Magritte. Paintings and sculptures are only two of the 26 categories of art and objets d'art which are on virtual display. The gallery also contains furniture, carpets and Babylonian antiquities from up to 1,000 years before the birth of Christ.
The new online art gallery, one of the largest and the most eclectic in the world, belongs to the international police organisation, Interpol. It consists of an illustrated database of 34,100 works of art whose only common theme is that they have been stolen some time in the last 62 years and never recovered.
The Interpol catalogue, which has achieved an almost mythical status among art-lovers, was previously accessible only on CD-Roms, or, more recently, through DVDs. The organisation has now taken the decision to make its database available online to all comers. Or almost all comers. The only restriction is that you have to fill in an online application form which "may be vetted" (in other words, you can be sure you will be vetted) by the authorities in your home country. Art thieves or traffickers should not apply, at least not under their real names. Access codes take a few days to be issued while this vetting process takes place.
Once you are approved as a visitor, you can check whether the cut-price Picasso you have been offered by a man in a white van is one of the 16 different "hot" Picassos which have been declared to Interpol by national police forces. Or you can merely browse and marvel at the richness and quality of the art which has been stolen from museums and private collections all over the world since 1947.
The works illustrated here are a selection of some of the "Most Wanted" recently-stolen items in the Interpol virtual gallery. They were chosen for The Independent by Karl-Heinz Kind, the German senior detective who is the co-ordinator of Interpol's Works of Art Unit.
They include a painting by Paul Cézanne, Boy in a Red Vest, stolen in broad daylight by three men in ski-masks from the E G Bührle Collection in Zurich last year. Two of the four paintings stolen that day have been recovered, but not the Cézanne, which is said to be worth €40m (£37m).
The selection also includes a two-tonne Henry Moore bronze statue, Reclining Nude, stolen from the sculptor's foundation at Much Hadham, Hertfordshire, in 2005. British police suspect the £3m sculpture may have been melted down by scrap metal thieves but it is still in the catalogue. Mr Kind's gallery will shortly have a new exhibit, the René Magritte painting Olympia stolen in broad daylight from a small museum in Brussels last month. Its richest – and most depressing – single category consists of 2,600 works of Babylonian and other forms of ancient art pillaged from the Baghdad museum after the toppling of Saddam Hussein in 2003.
"As a matter of principle, we wanted the database to be open to as many people as possible," said Mr Kind. "The new site is intended partly, of course, for museums or art dealers who may be doubtful about a work of art that they have been offered. But it is also Interpol's intention that it should be used by the widest possible public.
"An art collector cannot be too careful. If he spends a lot of money on a piece of art which turns out to have been stolen, he may not just end up with a work to which he has no legal title. He might also face prosecution."
The Interpol catalogue does not include all the stolen art in the world – far from it. The Italian police's list of hot art contains a staggering 300,000 items, 10 times as many as the Interpol site. A French site, which uses the latest image identification technology but which is open only to the police, has 80,000 entries.
It is up to the 187 member states to decide which stolen works should be reported to the international police agency. Generally, it is the high quality works – those which are likely to be smuggled across frontiers – which are notified to the Interpol General Secretariat in Lyons. But Interpol does not make artistic or value judgements.
"Value is, in any case, very difficult to define," Mr Kind said. "We would never refuse something on the grounds of value alone."
Interpol refuses to list an item if no illustration is available. It refuses works which are parts of a series which are indistinguishable from one another. "We also only include items which have clearly been stolen, not just mislaid," Mr Kind said. "We are not a lost and found office."
The stolen art website, accessible through the general Interpol site (www.interpol.int) is not the first effort by the international police organisation to make its artistic treasures known to a wider public. In 1995, it began to issue CD-Roms containing its whole catalogue of stolen art. More recently, it went over to publishing DVDs. Interpol also issues posters of recently stolen works.
"The problem was that the CD-Roms and DVDs could not be constantly updated," Mr Kind said. "Art traders would complain to us that they could not be sure what was stolen and what was not. Now they can use this site. More than that, they have a responsibility to use this site."
The decision to throw the catalogue open was controversial. Fears were expressed by some police forces that the site might actually help art thieves and smugglers. Mr Kind rejects this criticism. "On the site, we have removed all information which might conceivably help criminals," he said. "All that is left is the illustration and description of the work and the place and date of its theft."
It is reported that art theft, and art smuggling, is a $5bn (£3.1bn) industry and the third most lucrative form of international crime after drugs and arms-trafficking. Mr Kind refuses to comment on such figures.
"Like all global trade in the modern world, art smuggling is certainly on the increase," he said. "But all figures are, frankly, guesswork. In any case, they fail to address the real issue. The damage done by the theft of art is not just financial. The cultural damage is much greater, and no one can put a figure on that."

Website : Rogues Gallery
Website : Interpol - Stolen works of art

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : The Independent