La Force de l'Art 02 opens at the Grand Palais in Paris

A triennial event organized at initiative of the Ministry of Culture and Communication, LA FORCE DE L’ART aims to put on stage contemporary French creation and the artists who bring it about, with all the diversity of their origins and aesthetic choices. This second FORCE DE L’ART 02 will be presented in the Nave of the Grand Palais in Paris, from April 24th to June 1st 2009.
Three renowned figures are responsible for curating LA FORCE DE L’ART 02: Jean-Louis Froment, Jean-Yves Jouannais and Didier Ottinger. They associated architect Philippe Rahm with their project, choosing him for the original and creative rapport he maintains with the space; he would construct an installation equal to the project's ambitions.
LA FORCE DE L’ART 02 splits into four Space-Times. A multiplicity of places, scenes and circuits, offering visitors original, varied and intense artistic experiences. So many events and singular worlds, responding to and encountering each other. So many works, selected for their expressive force, each bearing witness to the itinerary in view for a given contemporary artist, his commitments and his aesthetic choices.
In the spectacular Nave of the Grand Palais, the White Geology creates the first Space-Time, which receives the works of the Residents. A world of tectonic plates, surmounted with volumes springing from the ground, unfurling and dividing itself in accordance with the singular expression of each exhibited work or group of works. It is a world of substance, an abundant and a rich space, the movements and figures of which are shaped as an architectural environment, halfway between village and landscape. This world of artistic situations, close and intimate, or widely opened outward, create the conditions for a dynamic relationship between the works, the public and the space preceding them, transforming the visit into an intensely poetic experience. Another time, other scenes: LA FORCE DE L’ART 02 will also spread outside the Grand Palais, unexpectedly taking place in other "mythic" places symbolic of the Capital. Through a series of events, sometimes surprising, always unexpected, the Visitors, renowned French artists, will reinvent the living performance that is art.
Throughout the entire period of the exhibition, the Guest artists will succeed each other in the Nave of the Grand Palais, creating a continual festival of events and performances: musical initiatives, live performance, speaking, borrowing and exchanging. Through about a dozen evenings, built on the principle of encounter, difference and the intermingling of disciplines, will weave multiple exchanges and dialogues between artists, occasions for strange blendings, where each art work and each gesture will reveal the unexpected.
Finally, LA FORCE DE L’ART 02 will take place entirely on the national scene, thanks to private and public initiatives, including Art Centres, the FRACs (Regional Contemporary Art Funds), museums and foundations which will enrich this second triennial with their offerings.
The goal of LA FORCE DE L’ART 02 is to permit all, including the youngest publics, to perceive the challenges of contemporary art, by offering a chance to approach the most varied subjects and debates of current society, through an intense artistic experience, deeply rooted in the richness of its originality and its diversity. To contribute to this, a policy of innovative and committed mediated learning will be carried out. This approach means the most varied publics can be welcomed and accompanied, through coordination with the Centre National des Arts Plastiques.
Specialized mediators will welcome and orient individual visitors; themed guided visits will be offered. A well documented website will make it possible to go into greater depth to prepare the visit; video interviews can be found there, together with themed texts, photo galleries and numerous other documents.
Special learning initiatives will be undertaken to reach school groups. Numerous visit and workshop formats will be proposed for school groups ranging from age 3 to age 17, in partnership with the Ministry of National Education and French local education authorities. The proposed approaches will match school programmes which today are making a place for art education and the history of the art.

Website : La Force de l'Art 02

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Bron/Source : Artdaily.org

Guggenheim exhibition catalogue wins prestigious award

The Guggenheim exhibition catalogue Cai Guo-Qiang: I Want to Believe has won the 2008 George Wittenborn Memorial Book Award, which recognizes outstanding publications in visual arts and architecture.
Established by the Art Libraries Society of North America (ARLIS/NA) in 1980, the annual award honors the memory of George Wittenborn (1905–1974), a New York art book dealer and publisher who was a strong supporter of ARLIS/NA. Eligible titles are evaluated in the categories of content, documentation, layout, format, and overall aesthetic quality.
Published on the occasion of a comprehensive exhibition of work by the Chinese-born artist Cai Guo-Qiang, organized by Thomas Krens and Alexandra Munroe, Senior Curator of Asian Art at the Guggenheim Museum, the book includes essays by Wang Hui, David Joselit, Miwon Kwon, and Sandhini Poddar. Designed by Miko McGinty and Rita Jules, the catalogue features over 230 illustrations and offers a comprehensive history and interpretation of Cai’s art, as well as an extensive chronology, exhibition history, and bibliography.
The award was presented during the annual ARLIS/NA national conference in Indianapolis on Friday, April 17. On naming the Guggenheim publication, the award committee said, "Cai Guo-Qiang: I Want to Believe excels in all of the required categories of content, documentation, layout, and format. . . . It provides an outstanding example of the scholarship and design that the award was created to recognize."

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Bron/Source : Artdaily.org

Louis XIV à cheval retrouve Versailles

Retour après deux ans de restauration de la statue équestre de Louis XIV en bronze à l'entrée du château de Versailles

Erigée sous Louis-Philippe en 1836, la sculpture constituée de deux pièces n'avait jamais été déplacée depuis son installation par l'architecte Frédéric Nepveu.La restauration à la Fonderie de Coubertin, spécialisée dans les bronzes monumentaux, d'un coût de 500.000 euros, a été possible grâce à un mécénat de 350.000 euros de la Française des Jeux.
Placée à plus de quatre mètres du sol sur un piédestal en pierre dure, entourée de quatre bornes de granit marquant les angles, la statue mesure environ 5,5 mètres de hauteur pour une longueur de 4,5 mètres. Autrefois implantée au niveau de la grille Royale, la statue a été replacée à l'aide d'une grue au tiers inférieur de l'axe central de la place d'Armes.La restauration a porté sur la reprise des armatures internes et externes mais aussi sur le nettoyage des épidermes altérés, la réparation et le remplacement de certaines pièces, la patine générale des bronzes et le traitement final avec une cire de protection. Le piédestal a également été restauré."Dans quelques jours nous graverons le nom du Roi et ses dates de règne sur le socle", a déclaré Jean-Jacques Aillagon. "On rétablit un grand symbole de Versailles, un symbole d'accueil", a ajouté le président de l'établissement public du musée et du domaine national de Versailles.

Website : Château de Versailles

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Bron/Source : France 2 - Culture

The Helen Levitt Memorial Fund

Helen Levitt - New York 1940 - Metropolitan Museum of Art - Stewart S. MacDermott Fund

The Metropolitan Museum of Art announced a new endowment fund and promised gift of artwork in memory of the great American street photographer Helen Levitt, who died on March 29, 2009, at the age of 95. The Helen Levitt Memorial Fund has been established through a generous planned gift of the artist’s sister-in-law, Mrs. Robert O. Levitt, and will support the Museum’s acquisition of photographs by Helen Levitt and other mid-20th-century American photographers working in her tradition. Mrs. Robert O. Levitt has also made a promised gift to the Metropolitan Museum of 12 of the artist’s photographs.
“Helen Levitt was singular in her lyrical style of photography and her ability to capture the hidden poetry of everyday street life in New York City,” noted Thomas P. Campbell, Director of the Metropolitan Museum. “The endowment fund and promised gift from Mrs. Robert O. Levitt are wonderful tributes to Helen Levitt’s achievements as an artist and her important place in the history of 20th-century photography.”
“It is a great pleasure to honor my sister-in-law with the establishment of the Helen Levitt Memorial Fund at The Metropolitan Museum of Art,” commented Mrs. Robert O. Levitt. “It is my hope that others will join me in ensuring that Helen’s photographs and those of her fellow artists will be well represented in the Museum’s collection.”
Born in Brooklyn in 1913, Helen Levitt lived her entire life in New York City and photographed her city with a hand-held 35mm camera from the mid 1930s to the late 1980s. The quintessential urban street photographer, she was influenced by Henri Cartier-Bresson and Walker Evans.
With her dedication to the creative visual language of the urban experience—especially the rich street life found on stoops and street corners in upper Manhattan—Levitt broke new ground. Best remembered for her photographs of children at play in the city, Levitt’s body of work exhibits a remarkable blend of grace, humanity, levity, and intelligence.
A major retrospective of Helen Levitt’s work was presented at the Metropolitan Museum in 1992. The Museum currently has in its collection 43 of the artist’s photographs. To celebrate Levitt’s life and work, a selection of a dozen of her photographs from the Metropolitan’s collection will be on view in the Museum’s Robert Wood Johnson, Jr. Gallery from May 11 through August 30, 2009.

Website : Helen Levitt via Wikipedia

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Bron/Source : Artdaily.org

Volledig oeuvre van Rembrandt digitaal tentoongesteld

De Nachtwacht

Voor het eerst wordt het volledige oeuvre van Rembrandt getoond. Het gaat om foto's van de hoogst mogelijke kwaliteit van 317 schilderijen, 285 etsen en relevante schetsen en tekeningen.
De expositie, The Complete Rembrandt, Life Size is samengesteld door Rembrandt-specialisten onder leiding van Ernst van de Wetering, hoofd van het Rembrandt Research Project.
The Complete Rembrandt, Life Size wordt gehouden van 5 juli tot 7 september 2009 in de Beurs van Berlage in Amsterdam.
Een tentoonstelling van de originele werken van Rembrandt is onmogelijk te realiseren aangezien de schilderijen slechts bij hoge uitzondering in bruikleen worden gegeven. Voor deze expositie zijn de werken getografeerd en worden in een hoge kwaliteit tentoongesteld met een speciale belichting. Ook zijn er werken, zoals De Nachtwacht, bewerkt en in originele staat teruggebracht voor de print.

Website : Rembrandt via Wikipedia

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Bron/Source : EdeStad - Cultuur

The first Museum for James Turrell in Argentina

The new James Turrell Museum of the Hess Art Collection celebrated its opening in April 2009 in Colomé (Salta Province), Argentina. The museum is the only one worldwide dedicated specifically to the work of James Turrell, who is regarded as one of the most important contemporary light and space artists.
For the first time ever, nine light installations representing five decades of Turrell's career are showcased together over 18,084 square feet (1.680 m2) of exhibition space. Among the works on display are "Spread 2003", a 4,000-square-foot walk-in environment of blue light, as well as "Unseen Blue 2002", the world's largest Skyspace.The permanent exhibition is further supplemented by numerous works on paper, drawings and prints.
All of the exhibited artworks belong to the Hess Art Collection. The Swiss businessman and wine-producer, Donald M. Hess, is one of the world's major collectors of contemporary art. His impressive collection spans five decades of recent art history from Abstract Expressionism through current positions. It contains over 1,000 pieces by 65 international artists including Magdalena Abakanowicz, Francis Bacon, Georg Baselitz, Gilbert & George, Franz Gertsch, Andy Goldsworthy, Robert Motherwell, Yue Minjun, Shigeo Toya, Gerhard Richter, Frank Stella, James Turrell and Ouattara Watts, among others.
At a height of 7,546 feet (2.300 m) above sea level, the Bodega & Estancia Colomé offers visitors breathtaking views of the wide Andean highlands and the vineyards of the Hess Family Estates. Argentina's insider tip for art and wine lovers, the resort commands nine comfortable suites, all individually furnished, a fragrant landscaped garden, a swimming pool and a wellness program that offers various massages. Terraces, courtyards and lounges guarantee relaxation and savoir-vivre.

Website : James Turrell via Wikipedia

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Bron/Source : Artdaily.org

Huis en atelier van Otto Dix gered

Het huis en atelier van kunstenaar Otto Dix (1891-1969) aan het Bodenmeer zijn gered van de ondergang. Het Kunstmuseum van Stuttgart ontfermt zich erover. Onder meer de gemeente Stuttgart en sponsors hebben een bedrag van 1,5 miljoen euro bijeengebracht, aldus burgemeester Wolfgang Schuster dinsdag. Daarvan kunnen het huis en het atelier worden opgeknapt.
Het Kunstmuseum van Stuttgart heeft volgens de burgemeester ook de belangrijkste Dix-collectie ter wereld. Otto Dix experimenteerde met kubisme, expressionisme en dada, maar kwam uiteindelijk uit bij de uitgangspunten van de Duitse Renaissance. Hij wordt ook nog altijd gezien als een zeer belangrijke vertegenwoordiger van de Duitse nieuwe zakelijkheid.
Otto Dix was in 1919 mede-oprichter van de kunstenaarsgroep Dresdener Secession - Gruppe 1919. Een jaar later nam hij deel aan de eerste internationale dada-beurs in Berlijn. In de jaren twintig schokte hij, beïnvloed door de Eerste Wereldoorlog, de burgers met zijn niets verhullende schilderijen van oorlogsslachtoffers, een stokoud liefdespaar en hoeren. De nazi's beschouwden zijn kunst medio jaren dertig als ontaard (entartet).

Website : Otto Dix via Wikipedia

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Bron/Source : Parool.nl

Madame Bovary en ligne, dans tous ses états

Les 4600 feuillets manuscrits qui ont donné naissance à Madame Bovary sont désormais accessibles sur la Toile
Il a fallu six ans à 130 bénévoles d'une quinzaine de pays (sans compter l'aide de classes de lycées) pour mener à bien ce travail de bénédictin, consultable depuis le 15 avril sur Bovary.fr.
Le projet a été piloté par Yvan Leclerc, professeur de lettres modernes à l'Université de Rouen, avec la Bibliothèque municipale qui détient les manuscrits.
Comment a-t-il trouvé des volontaires pour déchiffrer et retranscrire ces milliers de documents ? En lançant un appel sur Internet, auquel ont répondu plus d'une centaine d'internautes des cinq continents, d'Argentine au Japon, du Ghana à la Grande-Bretagne, des Etats-Unis à la Suisse.
Plus de 600 personnes mobilisées
Si l'on compte les 17 classes de seconde qui ont travaillé sous la direction de leur professeur, jusqu'aux Iles-sous-le-Vent, en Polynésie française, ce sont plus de 600 personnes qui ont participé à ce projet, pour lequel une vie n'aurait pas suffi. En suivant un protocole précis, ils ont travaillé sur les reproductions des documents déposés en 1914 à la Bibliothèque municipale de Rouen par la nièce de Gustave Flaubert. Documents qui comprennent les manuscrits de l'auteur : plans, scénarios, brouillons, et la version soigneusement calligraphiée du copiste, avant sa remise à l'éditeur.
La genèse d'une oeuvre offerte au grand public
"Flaubert a gardé tous ses brouillons, jusqu'au dernier, celui qui était destiné à être recopié avant impression. Sur Bovary.fr, vous pouvez tous les voir, chapitre par chapitre, paragraphe par paragraphe, jusqu'au texte définitif.", nous a expliqué Danielle Girard, professeur de lettres qui a coordonné, de Normandie, la transcription de l'oeuvre.
"Le romancier", continue-t-elle, "a travaillé tout son roman comme un sonnet, du début à la fin, déclamant à voix haute, traquant et éliminant les sonorités qui revenaient trop souvent. Il n'y a pas un moment où il se relâche, pendant toutes ces années d'écriture." Et l'ermite de Croisset revient inlassablement sur son ouvrage, dont il conserve toutes ses versions, désormais consultables dans l'ordre. Le travail de transcription n'a pas été simple : "dans un premier temps, Flaubert n'écrivait que sur le recto des feuilles. Puis plus tard, éventuellement quelques chapitres plus loin, sur le verso". Il a fallu trier, retranscrire, classer : un travail de fourmi, extrêmement minutieux.
Sur les traces d'Emma
S'il offre la reproduction et la retranscription totale des manuscrits et du roman, le site propose aussi un moteur de recherche, qui permet de retrouver toutes les occurences d'un mot dans l'oeuvre ("amour", "langueur" ...) et une cartographie des lieux du roman. "Google earth" flaubertien, cette cartographie normande permet de suivre Emma pas à pas : libre à l'internaute, par exemple, de la suivre (virtuellement) dans le fiacre qui parcourut Rouen pendant cinq heures pour abriter ses amour adultères.
Si Gustave Flaubert mit cinq ans à écrire la plus célèbre de ses oeuvres, qui lui valut en 1857 un retentissant procès pour "outrage à la morale publique et religieuse", des dizaines de volontaires ont mis une année de plus pour rendre justice à la genèse du roman, et au travail acharné qu'il a nécessité.
"J'y ai passé six à sept heures de travail par jour", conclut Danielle Girard. Pour moi qui suis à la retraite, c'était facile. Mais beaucoup d'autres bénévoles ont accompli ce travail de retranscription le soir, le week-end, sur leur temps libre." Ce qui lui restera ? "Le souvenir d'un bonheur fou. On se téléphonait au Japon, au Portugal, en Polynésie . On a tissé des liens incroyables à travers le monde".

Website : Bovary.fr

Website : Atelier de Bovery

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Bron : France 2 - Culture

Le 17e Festival Jules Verne à Paris

Le 17e Festival Jules Verne, dédié aux films d'aventures, prend ses quartiers du 24 au 26 avril au Grand Rex, à Paris
Il est dédié cette année à l’exploration spatiale, à l’occasion du 40e anniversaire de l’alunissage d’Apollo 11, et bénéficiera de la présence exceptionnelle de Buzz Aldrin, l’un des trois héros de la mission.Le festival allie projections de films de fiction et documentaires, ainsi qu'une sélection de séries télévisées américaines.
De nombreuses exclusivités et avant-premières, en présence d’invités prestigieux, sont également les points forts d'un festival qui s'avère chaque année un rendez-vous original et un lieu de découvertes.
Autre événement : le concert exceptionnel – Moonlight -, donné par le compositeur de musiques de films John Scott qui conduira 90 musiciens et choristes sur scène, pour accompagner des images tournées par Georges Méliès et de la mission Apollo 11.
Parmi les avant-premières : la première européenne du documentaire Ils ont décroché la Lune, de Star Trek, l’avenir est en marche et de Coraline, film d’animation de Henry Selick, réalisateur de L’Etrange Noêl de Mr. Jack.
Une soirée sera également consacré à la série Lost et une matinée à Battlestar Galactica.
Le festival se clôturera par la remise des Jules Verne Awards décernés par un jury composé de Nicole Croisille, Bruno Potzulu, Stéphane Rideau, Sophie Guillemin et Charlotte Valandrey. Gérard Depardieu se verra remettre un Award d’honneur.

Website : Festival Jules Verne

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Bron/Source : France 2 - Culture

Art deco van Charles Catteau wordt geveild in Brussel

Liefhebbers van Art Deco kunnen op 6 en 7 juni hun hart ophalen. Dan wordt in Brussel een historische Art Deco verzameling met werken van Charles Catteau geveild, volgens sommigen de meest veelzijdige keramisch kunstenaar van zijn generatie. De verkoop van 555 uitzonderlijke stuks vindt plaats bij veilinghuis Pierre Bergé & associés op de Zavel.
Tijdens het interbellum ontwikkelde de Franse Charles Catteau (1880-1966) bij Boch Frères Keramis in La Louvière een op het eerste gezicht buitensporig oeuvre. Hij werkte daar onder meer als ontwerper, decorateur, leraar en chemicus en was er nauw betrokken bij het ontwerp van ruim 2300 verschillende, genummerde decors en zowat 550 verschillende stukken. Het observeren van de natuur gaf hem inspiratie: planten, gestileerde dieren en geometrische motieven zijn terugkerende elementen in werk. Door invloeden uit kunststromingen zoals het Japanisme en het Afrikanisme te integreren gaf hij de Art Deco een persoonlijke toets. Binnen de keramische kunsten creëerde hij ook nieuwe vormen en glazuur- en decoratietechnieken. Al van in het begin konden zijn creaties op veel bijval rekenen. Zo kregen zijn ontwerpen in 1925 tijdens "L'exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes" in Parijs de eerste internationale prijs voor keramische vormgeving.
Ondanks vele publicaties bestond er tot voor kort geen duidelijke chronologische inventaris van Catteau's werk. Omdat hij een voorliefde heeft voor keramische kunsten aanvaardde dichter Marc Pairon een tiental jaren geleden de opdracht een naslagwerk samen te stellen. De Catalogue raisonné: "Art Deco Ceramics - Made in Belgium- Charles Catteau" kwam eind 2006 tot stand met de samenwerking van talrijke Art Deco verzamelaars en een wetenschappelijk team. Hierin staan alle objecten nauwkeurig beschreven.
De collectie die hier is samengebracht bevat uitzonderlijke kwalitatieve stukken, zowel op het vlak van zeldzaamheid van versiering en vorm als op het vlak van de perfectie van de uitvoering. Pairon selecteerde de voorwerpen voor de veiling en verklaarde: "Voor wat betreft het Europese Art Deco-keramiek is dit een absoluut unicum. De verzameling omvat alle disciplines, onderwerpen en periodes van Charles Catteau bij Boch Frères Keramis." Elk object van deze kunstcollectie is vergezeld van een authenticiteitcertificaat ondertekend door Marc Pairon, Evrard Bernard van de Stichting Charles Catteau en Sylvain Berkowitsch, expertconsultant van de veiling.
De tentoonstelling loopt van 2 tot 5 juni, 10u-18u30, bij Pierre Bergé & associés.
De veiling heeft plaats op zaterdag 6 en zondag 7 juni om 15u30.
Pierre Bergé & associés, Grote Zavel 40, 1000 Brussel.

Website : Charles Catteau

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Bron/Source : Knack Weekend.be

Daiwa Foundation Art Prize 2009

After receiving over 800 applications, The Daiwa Anglo Japanese Foundation announced the short list for the Daiwa Foundation Art Prize:
Marcus Coates: His film, installation and performance art focuses on the relationship between humans and other species. Coates is currently exhibiting in the ‘Altermodern’ Tate Triennial at Tate Britain.
Adam Dant: Dant’s art practice involves pamphleteering, map making and large, narrative sepia-ink drawings. Already inspiring interest in Japan, Fuji TV International has made a documentary about Dant and his work.
Bedwyr Williams: Working in a variety of media, including performance and photography, Williams’ work communicates the misunderstandings and misreadings relating to cultural identity. Williams has exhibited extensively all over the world and is the winner of the 2005 Arts Council Creative Wales Award.
The prize offers artists a unique opportunity to gain an insight into Japan’s visual art sector. Works by all three artists will be exhibited at the Daiwa Foundation Japan House Gallery in London this June, where the winner will be announced on 16th June. As well as being awarded a £5,000 participation fee, the winning artist will be given the opportunity for a solo exhibition at the Tomio Koyama Gallery in Tokyo.
The diversity in the work chosen, as well as the artists originating from different areas of the UK, means the Daiwa Foundation Art Prize shortlist is truly representational of contemporary British art practice.
Professor Marie Conte-Helm (Director General of the Daiwa Anglo-Japanese Foundation): ‘We are gratified by the tremendous response to this new initiative. Our expert judging panel has selected artists of high calibre from all corners of the visual arts. As an entrée to the Japanese art world, the Daiwa Foundation Art Prize has been recognized as a unique opportunity and one which underlines the Foundation\'s commitment to supporting links between Britain and Japan.’ Jonathan Watkins (Panel chair and Director of the Ikon Gallery in Birmingham): ‘The artists chosen represent the diverse cross disciplinary and cross generational practice that is representative of the current state of British art. The work has a universal appeal touching upon areas that transcend cultural boundaries, exposing issues of language, identity and fantasy.’
The short listed artists will exhibit their work at the Daiwa Anglo-Japanese Foundation in London from 15 June – 17 July 2009.

Website : The Daiwa Anglo-Japanese Foundation

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Bron/Source : Artdaily.org

Festival International de Mode et Photographie à Hyères

Ce festival, du 24 au 27 avril 2009, est un observatoire de tendances et une plate-forme de lancement internationale

Ce Festival International de Mode et de Photographie, dirigé par Jean-Pierre Blanc depuis sa création il y a 24 ans, rassemble et fait découvrir chaque année une dizaine de créateurs de mode et autant de photographes, sous le parrainage d'un jury représentatif des filières mode et photographie.
Hyères a présenté plus de 300 premières collections de jeunes créateurs venus du monde entier et exposé les travaux de plus de 80 photographes. A chaque édition, le festival présente à la villa Noailles, construite dans les années 20 par Robert Mallet-Stevens, plusieurs expositions explorant la perméabilité entre art, photographie, mode et design.Le festival d'Hyères, cru 2008Matthew Cunnington a remporté le Festival international de mode & de photographie, qui s'est tenu du 25 au 28 avril 2008. Le Britannique a remporté le Grand Prix. Le Belge Jean-Paul Lespagnard a reçu trois prix annexes: le prix du public et de la ville de Hyères ainsi que le prix 1.2.3. Le Grand prix du jury pour la photographie a été attribué à la Française Audrey Corregan, qui vit à Amsterdam (Pays-Bas) et une mention spéciale à Amira Fritz (Allemagne).

Les stylistes 2009 en lice
Les stylistes sélectionnés:- Steffie Christiaens, Pays-Bas, collection Femme,- Melody Deldjou Fard, Pays-Bas, collection Femme,- Anaïs Dougnac, France, collection Femme,- Alice Knackfuss, Allemagne, collection Homme,- Harald Lunde Helgesen, Norvège, collection Homme,- Marite Mastina et Rolands Peterkops, Lettonie, collection Mixte,- Maxime Simoens, France, collection Femme,- Anemone Skjoldager, Danemark, collection Femme,- Simon-Pierre Toussaint, Belgique, collection Homme,- Thomas Trautwein, France, collection Homme.

Les photographes 2009 en lice
Les photographes sélectionnés:
- Amy Adams, États-Unis,- Linus Bill, Suisse,- Melanie Bonajo & Emmeline de Mooij, Pays-Bas,- Anita Cruz-Eberhard, États-Unis,- Chris Engman, États-Unis,- Alejandra Laviada, Mexique,- Ovidiu Pavel, Roumanie,- Ahndraya Parlato, États-Unis,- Louise Te Poele, Pays-Bas,- Daniel Traub, États-Unis.

Les 9èmes rencontres internationales 2009
Ces rencontres sont organisées par la Fédération française de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode, avec la participation de la Camera Nazionale della Moda Italiana, le Conseil National des Succursalistes de l'Habillement, DEFI et la collaboration de l'Institut Français de la Mode. Elles se déroulent les 25 et 26 avril 2009:- Les moyens de financement des marques émergentes,- Hémisphère Nord - Hémisphère Sud,- Photographie et commande, les coulisses,- La création face à la crise,- La logique des calendriers internationaux de la mode.

Website : Hyères 2009

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Bron/Source : France 2 - Culture

American photographer David Zimmerman wins top prize at Sony World Photography Awards

David Zimmerman has been announced as the winner of the coveted L’Iris D’Or Award, the 2009 Sony World Photography Awards Photographer of the Year. Zimmerman received the award at this year’s Sony World Photography Awards Gala ceremony in Cannes last night.
The American photographer’s entry in the Landscape category beat off stiff competition from some of the world’s finest photographers to win the esteemed title, accompanied by a $25, 000 cash prize along with Sony camera equipment. His winning landscape series "Desert" hauntingly depicts the American southwest desert environment as a fragile ecosystem.
"My documentation of these remarkable deserts throughout Arizona, New Mexico, California and Nevada continues in an effort to influence preservation through public awareness, opinion and action," Zimmerman said.
The Honorary Judging Committee comprised 12 specially selected World Photography Awards Academy members.
Speaking on behalf of the Honorary Judging Committee, Bruce Davidson commented: "We live in an era of environmental awareness. It is also an era of the image. Both can coexist to give us a sharper picture of the use and abuse of our deep oceans and beloved terra firma, which is far more at risk than we admit or know. Both image and meaning coincide in the imagery of photographer David Zimmerman. In his sensuous sharp focus, we become more aware of where we are as humans in the drifting sands of time."
Fellow Judge, Zelda Cheatle, added: "I am very happy that these desert landscapes won overall as they represent skill in photography, an awareness of the environment and reach beyond mere pictures of land and sky."
Zimmerman received his award from Fujio Nishida, President of Sony Europe at the glittering awards ceremony in Palais des Festivals in front of an audience of VIPs and industry leaders. The eleven other professional category 2009 winners also collected their awards at the ceremony. Vincent Foong, from Singapore, was announced as the Sony World Photography Awards Amateur Photographer of the Year for his image in the Natural History category.
Another major announcement on the night was the winner of the new Prince’s Rainforest Project (PRP) Award. Spanish professional photographer Daniel Beltrá received the prize which includes a fully-funded project to document the rainforests of the world. In a video message at the awards night, HRH The Prince of Wales, said: “Photographic imagery can tell a compelling story about the truth of the situation and, the truth is, if we lose the fight against tropical deforestation, then we lose the fight against climate change."
The final presentation of the evening went to the acclaimed French photographer and former President of Magnum Photos, Marc Riboud, winner of the 2009 Lifetime Achievement Award. Riboud was presented his award by acclaimed photographer Elliot Arwitt.

Website : Sony World Photography Awards - Cannes 2009

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Bron/Source : The Independent - Art

Un manuscrit inédit de St-Exupéry aux enchères

Un des 58 feuillets manuscrits de Saint-Exépéry (ici devant l'épave de son Caudron Simoun, dans le désert de Libye) datant de 1936.

Sotheby's Paris met en vente un texte sur le fameux «accident de Libye» qui sera exposé le 14 mai.

L'ASSOCIATION Espace Saint-Exupéry et la succession Saint­Exupéry mettent en vente, le 17 juin, chez Sotheby's, le premier jet du manuscrit de l'aviateur racontant le fameux « accident de Libye », au cours de son raid Paris-Saïgon tenté à la fin de l'année 1935.
Le 29 décembre à 7 h 01, le pilote s'envole sur son F-ANRY. Le manuscrit de 58 feuillets autographes - le plus complet des états du texte - regroupe la série de six articles promis par Saint-Exupéry pour L'Intransigeant, parus du 30 janvier au 4 février 1936, sous le titre Le Vol brisé - Prison de sable. Le texte sera remanié pour le chapitre VII de Terre des hommes intitulé « Au centre du désert » et publié début 1939. Estimé 200 000 à 300 000 €, ce manuscrit sera exposé, le 14 mai, avec d'autres souvenirs comme la fameuse gourmette trouvée en Méditerranée.

Website : Site officiel Saint Exupéry

Website : Sotheby's

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Bron/Source : Le Figaro - Culture

Nagoya/Boston Museum of Fine Arts celebrates 10th anniversary

The Nagoya/Boston Museum of Fine Arts (N/BMFA), America‘s first and only sister museum in Asia, will mark its 10th anniversary during a ribbon cutting ceremony on April 17, 2009, in Nagoya, Japan. Since opening in April 1999, 3.3 million people have visited the N/BMFA. During the past decade, the N/BMFA has presented numerous exhibitions drawn from the encyclopedic collection of the Museum of Fine Arts, Boston (MFA). In honor of the N/BMFA‘s anniversary, the MFA has organized a special exhibition, Gauguin, which will be on view from April 18–June 21 at the N/BMFA. A highlight of the exhibition, Paul Gauguin‘s monumental masterpiece D’où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous? (Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?) (1897–98, MFA), will travel to Asia for the first time. The painting, considered by Gauguin to be his artistic and spiritual testament, was purchased by the MFA in 1936, and since then has rarely left the Museum. After Nagoya, Gauguin will travel to the National Museum of Modern Art in Tokyo (MOMAT/Tokyo), where it will be on view from July 3–September 23.
Founded by its parent organization, The Foundation for the Arts, Nagoya (FAN), the Nagoya/Boston Museum of Fine Arts (N/BMFA) was established as the sister museum of the Museum of Fine Arts, Boston, to share with Japan a comprehensive view of world art from across all cultures and time periods. Since its opening in 1999, when the 20-year partnership (1999–2019) was launched, the museum has presented more than 20 major exhibitions organized by the MFA with the N/BMFA, sharing more than 2,700 works from the MFA‘s encyclopedic collection. The N/BMFA also has served as an important model for artistic and cultural exchange between the United States and Japan, and has become an integral part of the vibrant community life in Nagoya, a flourishing center of commerce and industry in the heart of Japan. In honor of the 10th anniversary of the N/BMFA, the MFA has produced a Japanese version of its book, The MFA Handbook: A Guide to the Collections of the Museum of Fine Arts, Boston (2009, MFA Publications), which represents its first foreign-language edition.
"The MFA has a special relationship with Japan dating back to the late 19th century, when we became the first museum in the United States to collect Japanese works and to appoint a curator of Japanese art. With the founding of the N/BMFA 10 years ago, our intent was to strengthen this important connection by sharing with Japan some of the finest art from the MFA‘s encyclopedic collection," said Malcolm Rogers, Ann and Graham Gund Director of the MFA. "It is fitting that we send one of our greatest masterpieces to Nagoya on this occasion, which reflects in its title the evolving relationship between our two museums: ¨Where do we come from, what are we, and where are we going?¨ We look forward to continuing this important cultural partnership between Nagoya and Boston."
Rogers will attend the anniversary celebration and opening of Gauguin in Nagoya this April with Katherine Getchell, the MFA‘s Deputy Director, and George Shackelford, the MFA‘s Chair of the Art of Europe and Arthur K. Solomon Curator of Modern Art, who curated Gauguin. They will join N/BMFA Chairman Hideo Ogasawara, Director Dr. Shunkichi Baba, Secretary General Takeshi Nagura, and curator Satoko Inokuchi for opening festivities:
Friday, April 17: The private ribbon-cutting ceremony will include speeches by museum directors Dr. Shunkichi Baba and Malcolm Rogers; a concert by 17-year-old Tomoki Kitamura, a piano prodigy local to Nagoya; and a lecture by famous author, lyricist, and television celebrity Rei Nakanishi. Also, in celebration of the Gauguin exhibition, local university students will be creating their interpretation of Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going? in three different media, which will all be displayed in the front lobby of the museum.
Saturday, April 18: Gauguin will open to the public at 10 a.m., and the first 100 visitors to the exhibition will receive a gift. At 2 p.m., George Shackelford will give a lecture on the artist‘s voyages to Tahiti and the Marquesas—the South Sea islands where Gauguin produced his most brilliant works of art, including his masterpiece, Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going? (1897–98, MFA, Boston). Using Gauguin's letters and journals of the period, Shackelford will show how the artist‘s sojourns to the other side of the globe changed his art and the course of modern art in the 20th century.
"It has been a pleasure to collaborate with the MFA to bring a wide range of artworks to the N/BMFA. During the past decade, more than three million visitors have had the opportunity to view important works from the MFA‘s renowned collection," said Dr. Baba, N/BMFA Director. "We are especially excited to welcome Gauguin‘s masterpiece, D’où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous?, to our museum for its historic first visit to Japan."
Gauguin spans two decades of Paul Gauguin‘s (1848–1903) extensive career, beginning with an early landscape when he was still a ―Sunday painter‖ in France, Entrance to the Village of Osny (1882–83, MFA), and ending with one of the artist‘s final works created just months before his death in the Marquesas Islands in 1903, Women and a White Horse (1903, MFA). The exhibition features approximately 20 works from the MFA‘s collection, including paintings, woodcut prints, and sculptural reliefs, and about 20 loans from museums in Japan.
In addition to the Gauguin exhibition, the creation of a new installation, the ―Boston Corner,‖ will debut on April 18. Through rare archival photographs, documents, and architectural renderings, it chronicles the history of the MFA—from its founding in 1870 to today‘s Museum, its partnership with Nagoya, and future expansion plans that include a new American Wing expected to be complete in late 2010. Independently, the N/BMFA is organizing an exhibition of Noritake China, the flourishing corporation with headquarters in Nagoya, showcasing some 200 examples of the delicate porcelain produced in its studios from the end of the Meiji era to the beginning of the Shōwa era in the early 20th century. The One Hundred Years of Noritake Design will be on view from April 18–August 30 at the N/BMFA.
Exhibitions in Nagoya are developed through the collaborative efforts of representatives from the MFA and the N/BMFA. Staff members from both museums travel between the two cities to study, share research, and discuss themes and content of exhibitions drawn from the MFA‘s rich and varied collection. The inaugural exhibition in 1999, Monet, Renoir, and the Impressionist Landscape, attracted nearly 450,000 visitors. Other popular exhibitions over the years have included Okakura Tenshin and the Museum of Fine Arts, Boston (123,000 visitors) in 1999, Millet (155,000 visitors) in 2002, and The World of Claude Monet (144,000 visitors) in 2008. Serving as complement to the exhibitions are educational programs, from lectures and symposia to gallery talks and tours that focus on works of art in the MFA‘s collection, as well as more general art history topics. In addition, the museum organizes programs for children and families. The N/BMFA also has a Library Corner where research materials are available, and the museum collaborates with the MFA in the publication of catalogues for major exhibitions in Nagoya.

Website : Nagoya/Boston Museum of Fine Arts

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Bron/Source : Artdaily.org

La collection Gérard Oury aux anchères

Gérard Oury 1919-2006

La collection d'art moderne du cinéaste sera dispersée les 20 et 21 avril par Artcurial
Elle compte des chefs-d'oeuvres jamais mis sur le marché dont une soixantaine de toiles et dessins de Raoul Dufy estimée entre 4,7 et 6,5 millions d'euros.Exposées du 14 au 19 avril, les 320 pièces (pièces d'artistes signés Dufy, Chagall, Cocteau, Dubuffet, Maillol, Arman, Villon, Gromaire, Vlaminck) décoraient sa maison à Montmartre.
Le cinéaste, lui-même collectionneur entre les années 1940 et 1960, avait hérité de la collection commencée par sa mère, Marcelle Oury, journaliste et critique d'art, longtemps collaboratrice du couturier Paul Poiret, et amie de Dufy, protagoniste du fauvisme et peintre majeur du cubisme."La plupart des oeuvres n'ont jamais été mises sur le marché. Les tableaux de première main sont très recherchés. Tout est réuni pour faire de cette vente un événement formidable, d'autant que les oeuvres sont de très bonne facture avec d'excellents sujets dont des séries sur les paddocks et les bateaux", a indiqué Francis Briest, co-président de la maison d'enchères. Parmi les oeuvres les plus remarquables, une gouache et fusain de Raoul Dufy, "La Baigneuse", est estimée entre 300.000 et 400.000 euros.La collection est mise en vente par la fille unique de Gérard Oury, la réalisatrice Danièle Thompson, réalisant le souhait de son père décédé en 2006."Cette collection, c'était son cadre de vie. Elle est particulière car il n'y a pas un seul artiste qui n'était pas un ami. La plupart des oeuvres sont allées directement de l'atelier à chez nous, et n'en étaient jamais sorties", a raconté Mme Thompson. "Cette vente, c'est dans l'ordre des choses. Vivre dans le cadre de vie de parents, cela m'angoisse. Le plus important, ce sont les oeuvres de mon père: ses films", a justifié la réalisatrice, révélant au passage une romance passagère entre sa grand-mère Marcelle Oury et Dufy. "Mon père n'était pas réellement un collectionneur mais ces tableaux, qui ont tous été des coups de coeur, étaient pour lui une source d'immense plaisir esthétique. Quand il a perdu la vue, ça a été un grand chagrin de ne plus les voir", a confié Danièle Thompson.Selon Serge Lemoine, ancien directeur du Musée d'Orsay et conseiller culturel d'Artcurial, "cette collection est un pan de l'histoire de la société française dans ce qu'elle a représenté de plus brillant et un moment de l'histoire du goût illustré par trois générations". Le mobilier de l'appartement montmartrois de Gérard Oury sera également dispersé, dont une table basse de Willy Rizzo et une commode Louis XVI.

Website : Gérard Oury via Wikipedia

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Bron/Source : France 2 - Culture

Peter Zumthor wint de Pritzker Architecture Price

De Zwitserse architect Peter Zumthor heeft zondag de Pritzker Architecture Prize gewonnen. De prijs geldt als de belangrijkste onderscheiding in het vakgebied.
Thomas J. Pritzker, de voorzitter van de Hyatt Foundation, die de prijs uitreikt, loofde Zumthor (65) als een architect die geen compromissen sluit.
'Alle gebouwen van Peter Zumthor hebben een sterke, tijdloze aanwezigheid', aldus Pritzker. 'Hij heeft een zeldzaam talent waardoor hij een helder en streng denkkader weet te combineren met een poëtische dimensie. Zijn werk blijft zichzelf vernieuwen.'
De meeste gebouwen van Zumthor staan in Zwitserland, maar hij ontwierp ook een aantal werken in Duitsland, Oostenrijk, Nederland, Engeland, Noorwegen, Spanje, Finland en de Verenigde Staten. Bekende ontwerpen zijn de Therme Vals in Zwitserland, het Kolumbamuseum in Keulen en een veldkapel in Mechernich-Wachendorf.
Zumthor noemt de prijs een 'schitterende erkenning van mijn architecturale werk in de afgelopen twintig jaar.' Hij zal de prijs, op 29 mei in Buenos Aires in ontvangst nemen.

Website : Peter Zumthor via architectenweb

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Bron/Source : De Standaard - Cultuur

La première enceinte médiévale mise à jour à Paris

Les encientes de Paris, à travers les siècles

Une équipe d'archéologues a dégagé en plein centre de la Paris les vestiges de la première enceinte médiévale, construite vers le Xe-XIe siècle. La moins connue des enceintes qui ont jadis enserré la capitale.

Paris retrouve une de ses anciennes «frontières». Une équipe d'archéologues de l'Institut national de recherches archéologiques préventives (INRAP) a mis au jour lors d'une fouille sur une parcelle enclavée dans un îlot d'immeubles, les vestiges de la première enceinte médiévale de Paris. Un îlot situé en plein cœur de la capitale, rue de Rivoli.
Avant la construction d'un ensemble immobilier, un diagnostic réalisé en décembre 2008 avait mis les archéologues sur la piste de cette enceinte, la seule de la capitale à n'avoir conservé aucun vestige, mais aussi la moins bien documentée. Les fouilles entamées à la demande de l'État le 23 mars, et qui doivent s'achever le 22 avril, selon l'archéologue Xavier Peixoto, interrogé par lefigaro.fr, ont confirmé les prévisions initiales.
Le site qui ne sera pas visible par la presse (en dehors des photos que le figaro.fr vous propose), «en raison d'un accès dangereux», présente un profond fossé (3 mètres) creusé en forme de «V» sur environ 20 mètres de long et douze de large. Selon le communiqué de l'INRAP, ce fossé était «doublé par un talus supportant probablement une palissade en bois». «La levée de terre et les pieux ont été arasés dès l'abandon de l'enceinte, le sous-sol parisien n'en livrant aucune trace», ajoute le texte. Sur place, «seule la différence des sédiments (les couches constituant le sol, ndlr) permet d'identifier les bords du fossé et de suivre son profil», précise l'archéologue, décrivant un chantier pas forcément spectaculaire mais historiquement très riche.
«Oubliée des historiens»
En 1995, une autre fouille avait permis de toucher une autre portion du même fossé, plus à l'est (rue du Temple, quatrième arrondissement). Cette nouvelle découverte constitue selon l'INRAP une confirmation du tracé de cette enceinte «longtemps restée imprécise». «Elle fut tantôt dénommée ‘enceinte carolingienne', tantôt ‘enceinte du XIe siècle'. Seconde enceinte de Paris, elle se situe entre celle de la fin de l'Antiquité (début du IVe siècle, sur l'île de la Cité) et celle de Philippe Auguste (vers 1200, sur les deux rives) », explique l'INRAP. La première enceinte médiévale a été «oubliée des historiens jusqu'au 18e siècle», explique Xavier Peixoto. «Aucun document n'en parle de façon précise».
Pour les historiens, la confrontation des données collectées en 1995 aux données obtenues aujourd'hui pourraient permettre de confirmer le tracé de cette enceinte : un arc de cercle situé sur la rive droite de la Seine, en face de l'île de la Cité. Autre défi, la datation de cette enceinte (probablement le Xe ou le XIe siècle) et le contexte politique de son édification. «Dans un Paris en plein essor économique et urbain », explique le communiqué de l'INRAP, «le Xe siècle est une période charnière qui voit l'affaiblissement des souverains Carolingiens et l'essor des Robertiens, ancêtres des Capétiens». Les Capétiens allaient notamment régner de manière continue sur la France jusqu'en 1792 .
Une fois les fouilles terminées, le projet de construction pourra débuter. À la différence d'un vestige bâti pouvant être restauré et présenté au public, celui-ci est un simple creusement, nu, pas conservable en tant que tel.

Website : INRAP

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Bron/Source : Le Figaro - Culture

Revised plans for new Tate Modern building recieve planning permission

Transforming Tate Modern - photo Hayes Davidson and Herzorg & Meuron

The revised plans for the new development of Tate Modern by leading international architects Herzog & de Meuron have been granted planning permission by Southwark Council.
Southwark Council commended the revised plans in their report: "The proposed new building will be an extraordinary and unique addition to London's townscape. There have already been great regeneration benefits for the area following the opening of Tate Modern at Bankside. It is anticipated that Tate Modern 2 will further contribute to, and form the focus for the future regeneration of this area. The application can be strongly recommended for approval."
Nicholas Serota, Director, Tate said: "We are delighted that Herzog & de Meuron's revised plans have been granted approval by Southwark Council. We look forward to creating one of the most exciting cultural buildings in Europe which will bring direct benefits to Southwark and London as a whole."
In response to a revised brief, and in consultation with artists and curators, the architects have refined designs to create a dramatic new museum for the 21st century. At the heart of the new plans are the unique oil tanks of the former power station, which will be retained as raw spaces for art and from which the new building will rise.
These revisions have been shaped by a desire to integrate the new structure with the existing building and to contribute to the local environment by opening up a new North/South route from the Millennium Bridge through the building to Southwark. The integration is expressed in a façade, which echoes that of the original power station but uses brick in a radical new way by creating a perforated brick lattice through which the building will glow in the evening. The building is more compact than in the previous scheme and the configuration is more flexible to allow for future changes in the programme.
The revised building also sets new benchmarks for museums and galleries in the UK for both sustainability and energy use. By exploiting waste heat emitted from EDFE's relocated transformers and employing passive design principles wherever practicable the scheme will use 54% less energy, and emit 44% less carbon than building regulations demand.
Overall the project will also address some of the strains on the current building. The gallery was originally designed for 2 million visitors. With current visitor numbers reaching up to 5 million, there is serious overcrowding particularly at weekends. Changes in contemporary art practice mean that different kinds of spaces are desirable and additional space is needed so works can be brought out of storage and shown on a more permanent basis. Since 2000, there have been more than 2 million participants in Tate Modern's learning programmes and existing spaces cannot satisfy demand.
The project is due to be completed in 2012 at an estimated cost of £215 million at 2012 prices. To date Tate has raised £74 million, which represents a third of the overall costs

Website : Tate Modern

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Bron/Source : Artdaily.org

Les Grandes Eaux musicales à Versailles

Les Grandes Eaux musicales jailliront dans les bosquets et fontaines du château jusqu'au 25 octobre.
Chaque année réinventées, Les Grandes Eaux musicales des jardins de Versailles ont séduit l'an passé 773 854 visiteurs, soit 100 000 de plus qu'en 2007. On ne change pas une équipe qui gagne et cette année encore, la partie musicale incombe à l'organiste Christophe Rousset, féru de musique baroque. Ainsi Lully, Desmarest, Rameau, illustres occupants des lieux, sont-ils les compositeurs de prédilection pour les ouvertures, chaconnes, danses et passacailles qui jaillissent des colonnes et des bosquets, redonnent vie aux statues de marbre et d'or. En outre, à partir du 30 juin et jusqu'au 23 septembre, de 9 heures à 17 h 30, les traditionnelles promenades musicales vont être organisées au cœur des jardins à la française.
La bande-son des Grandes Eaux
Plusieurs parcours sont proposés aux flâneurs comme aux esthètes. Les jardins captèrent toute l'attention de Louis XIV au cours des deux premières décennies de son règne, le château étant en construction. Les plus grands maîtres d'œuvre de l'époque, dont les meilleurs fontainiers italiens, intervinrent sur plus de mille hectares afin de réaliser «le plus somptueux domaine de l'eau façonné par les arts».
Pour la première fois, un beau livre/CD va reprendre la bande-son des Grandes Eaux et le récit de cette balade à nulle autre pareille, écrit par Gérard Mabille, conservateur en chef du château (sortie prévue le 10 juin).

Programme complet (01 30 83 78 89 et http://www.chateauversailles-spectacles.fr/).

Website : Château de Versailles

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Bron/Source : Le Figaro - Culture

Architect named for Center for Civil & Human Rights in Atlanta

The winning design by Freelon Group of Durham, N.C and HOK of Atlanta was inspired by the powerful image of linked arms andconcieved sustainability as a primary consideration.

The Freelon Group, a Research Triangle, N.C.-based architecture and design firm, has been selected as the winner of a design competition for the new Center for Civil & Human Rights (CCHR) in Atlanta. Under the leadership of Philip Freelon, FAIA, The Freelon Group will partner with HOK, an Atlanta-based architecture and design firm, as the Center’s Architect of Record. The announcement comes on the heels of a multi-month competitive design process in which dozens of firms worldwide competed for the contract. The Freelon Group and HOK will work with Center leadership, exhibit designer Gallagher & Associates and project manager Cousins Properties/Gude Management Group to finalize the facility’s design prior to breaking ground on the $125 million, 100,000 square foot Center this winter. The final five teams presented their designs to more than 700 members of the public on March 5 and 6 with feedback collected on the CCHR web site http://www.cchrpartnership.org/. Taking into account building functionality, aesthetics, cost, and public feedback, a jury of design experts and community leaders made a recommendation to the CCHR board of directors, who made the final selection. The jury of 12 included: civil rights activist Andrea Young, community leader Mtamanika Youngblood, theater and film director George Wolfe, Executive Director of the U.S. Holocaust Memorial Museum Sara Bloomfield, architect and Yale University professor Deborah Berke, and Atlanta Architect Craig VanDevere. THE SELECTED DESIGN The winning design is inspired by “the simple yet powerful image of interlocking arms that signifies the linkages that empower individuals and groups of seemingly divergent interests to find common ground,” said Philip Freelon, president of The Freelon Group. The design, conceived with sustainability as a primary consideration, features a terracotta-clad building surrounding an exterior courtyard, which serves as an amphitheater and exhibit space. The King Papers exhibit, which extends towards Auburn Avenue, is a reminder that non-violence triumphs over bigotry and brutality, and a special events space overlooks the Ellipse at Pemberton Place. The Freelon Group is noted for their work on the Reginald F. Lewis Museum of Maryland African American History and Culture in Baltimore (opened 2005), the Museum of the African Diaspora (MoAD) in San Francisco (opened 2005), and the Harvey B. Gantt Center for African American Arts and Culture in Charlotte (opening Fall 2009). “We were incredibly impressed with the level of thought and emotion put into all five designs, which made it very difficult to choose just one design. However, The Freelon Group and HOK exceeded the criteria we set forth for the project’s design and truly captured the spirit of exploration and collaboration that is central to the Center’s mission,” said Doug Shipman, executive director for the Center. NEXT STEPS Since March 2008, when the Center confirmed its 501(c)3 nonprofit status, the Center has progressed along an aggressive development timeline. This timeline is driven by many factors, including the desire to capture first-person stories from the unsung heroes of the Civil and Human Rights movement while they are still living. To meet a 2012 open date, the Center continues its public engagement efforts to further awareness of its mission and increase community involvement. A recent donation from Atlanta’s corporate community will also help the Center reach its goal. Early this year, The Home Depot gave customers the chance to contribute to the Build the Dream campaign, commemorating the legacy of Dr. Martin Luther King Jr. The company offered a campaign gift card in its stores and matched 5% of the total that customers put on their gift cards. The Home Depot Foundation today announced a donation of $430,000 to the Center as a result of more than 65,000 gift card purchases as part of the Build the Dream campaign. Shipman added, “We are thankful for the support Atlanta’s corporate community has put behind this project. Today’s donation announcement gives us a lot of momentum toward reaching our fundraising goal, and we hope this announcement will encourage other corporations and individuals to support our efforts through similar contributions.”

Website : Center for Civil & Human Rights

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Bron/Source : Artdaily.org

Peggy Guggenheim, l'extravagante visionnaire

Peggy Guggenheim 1898-1979

Trente ans après sa disparition, une biographie retrace la vie de la grande dame aux petits chiens, mécène de génie.
Telle qu'on la voit sur les photographies dans les années 1960 avec ses lunettes à la Elton John, Peggy Guggenheim fut sa vie durant une infatigable excentrique. C'est de famille. Son oncle stockait des glaçons dans la poche isotherme de son veston, son cousin était un maniaque de la propreté, son frère un avare redoutable et son père Benjamin, un coureur frénétique. C'est d'ailleurs avec une de ses maîtresses que ce richissime homme d'affaires disparut par une belle nuit bleu pétrole en parfait gentleman, verre de cognac à la main, sur le Titanic, le 14 avril 1912.
La petite Marguerite, que feu son père avait surnommée amoureusement Peggy, n'avait alors que 14 ans. Autant dire qu'elle hérita de bonne heure, pauvre petite fille riche. De sa mère hystérique, peu de choses à part qu'elle mène sa fille à la baguette. L'adolescente Peggy déteste son visage. Laide, elle aimera le beau. Ah, ce nez affreux qu'elle se fera malencontreusement refaire ! Quel profil ingrat ! Qui voudrait d'elle ?
Un drôle de personnage, le noceur Laurence Vail, né d'une mère américaine et d'un père américano-breton, fait irruption dans sa vie. C'est un bel alcoolique écrivain, peintre dépressif du dimanche. Il passe son temps entre les deux continents.
Orgies à répétition
À cette époque, Paris est une fête non-stop, la capitale intellectuelle du monde. Les modes, comme les couples, s'y font et se défont. Elle se marie, part en guise de voyage de noces pour Capri où elle fait la connaissance de la Divine Marquise, Luisa Casati, fille d'un industriel milanais, femme d'un grand nom de la noblesse italienne et maîtresse de l'écrivain Gabriele D'Annunzio.
Luisa Casati est la propriétaire du palais Venier dei Leoni à Venise, inachevé depuis 1749, et qui deviendra, trente ans après, la propriété de Peggy et abritera son célèbre musée. Peggy tombe enceinte comme on tombe de sa chaise : toute étonnée. Accouche en mai 1923 à Londres (c'est un garçon, Sindbad), revient à Paris. Elle s'achète des robes de Paul ­Poiret, Man Ray la prend en photo, elle croise Marcel Duchamp, fréquente dadaïstes et surréalistes, se fatigue des orgies à répétition. Retombe enceinte d'une fille qui naît le 17 août 1925, Pegeen Jezebel, et tombe sous le charme érotique de la sage-femme. Son mari Laurence s'enfonce inexorablement dans les ténèbres de l'alcool et la petite famille s'installe à Pramousquier, dans le sud de la France.
Les célébrités et les animaux traversent la propriété, et l'écrivain Samuel Beckett, « cet intellectuel desséché » comme elle le qualifiera, furtivement sa vie. Nous sommes en 1937, à Paris. Lors d'un dîner avec les Joyce, elle ne cesse de l'observer. Elle fut amoureuse treize mois et lui « dix minutes », avouera-t-elle. Soumise sentimentalement et sexuellement à l'Irlandais taiseux, elle s'en lasse lorsqu'elle rencontre le peintre Yves Tanguy qui veut l'épouser mais c'est à Max Ernst qu'elle dira « oui », en 1942, après l'avoir aidé à fuir l'Europe en guerre pour New York. Une relation éclair autant que chaotique.
Extravagante jusqu'au bout de ses ongles, on lui reconnaît un goût visionnaire très sûr. Rien de ce qui se fait à son époque ne lui échappe : elle se glorifie d'avoir découvert le peintre Pollock. Après guerre, elle n'a plus que deux idées en tête : satisfaire sa libido bisexuelle et s'occuper de son musée à Venise, au bord du Grand Canal. La bonne société de la sérénissime voit d'un mauvais œil l'arrivée de Peggy que l'on considère comme une nymphomane décadente.
Trois ans après avoir pris soin de faire don de son palais et de ses collections à la fondation Salomon R. Guggenheim, NY, Peggy Guggenheim décède à Venise âgée de 81 ans, en cette ville qui s'enfonce, tel le Titanic dans la mer, comme un dernier clin d'œil à Ben, son père. Ses cendres sont enterrées parmi ses « beloved babies », ses chiens-chiens, qui furent ses vrais amants. C'est touchant, en fait.

Website : Peggy Guggenheim via Wikipedia

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Bron/Source : Le Figaro - Livres

One of the most spectacular mosaic floors ever discovered in Israel was restored and renovated

The mosaic, which is decorated with a seven-branched candelabrum and images of different animals, was conserved and returned to its original location. The site is now open to the general public and admission to it is free.
The site of the mosaic floor, which is part of a synagogue from the Byzantine period (fifth and sixth centuries CE), is located in the settlement of Ma‘on-Nirim, in the western Negev, and will be open to the public this week. This mosaic originally measured 3.70 x 7.80 m but was damaged when the road to Kibbutz Nir Oz was paved in 1957. The mosaic floor and the remains of the synagogue were discovered during salvage excavations that were undertaken on behalf of the Department of Antiquities in 1957. The mosaic’s state of preservation has deteriorated in recent years as a result of the unsuitable conditions in which the mosaic was kept and a lack of maintenance. Therefore, in 2006, it was removed from the site and transferred for treatment to the Conservation Laboratories in the Rockefeller Museum in Jerusalem.
The Jewish National Fund, Israel Antiquities Authority and Eshkol Regional Council cooperated in implementing the rehabilitation project. The JNF assisted in the renovation of the synagogue and a generous contribution by Sandy Galet was used to fund the tourism development work which included: signage, access roads, walking paths with access for the handicapped and a new entrance to the site via Highway 232. Future development plans for the site include a picnic area and walking paths in the nearby forest. The conservation work on the mosaic and the archaeological remains of the ancient synagogue was carried out by a team of mosaic conservators from the Conservation Department of the Israel Antiquities Authority.
The site is open to the general public and admission is free.
The Conservation Method
The process of detaching the mosaic from its foundation included documentation, cleaning, and gluing the surface of the mosaic to cloth. Part of the mosaic was separated and rolled onto a wooden drum that was prepared for this purpose and the rest was removed in pieces c. 1.5 meters in size. The team of conservators from the Israel Antiquities Authority cleaned the remains of the old bedding from back of the mosaic and returned the mosaic to its original location atop the new foundation (consisting of lime-based plaster) that was prepared for it.
On the Mosaic Floor
According to the archaeological findings the northern wall of the synagogue’s sanctuary was breached in the middle of the sixth century CE and an apse, which is a circular niche that protrudes outward, was installed in the opening. The level of the earlier floor was raised and a breathtakingly beautiful mosaic floor surrounded by marble columns was constructed on top of it in the northern part of the sanctuary. The synagogue had a basilica plan in which there was a nave with a mosaic floor that was flanked by two aisles paved with stone tiles. The ceiling was built of wooden beams and clay. The decoration on the mosaic floor consists of a vine tendril that stems from an amphora to form a trellis of medallions that are adorned with scenes of everyday life from the vineyard and from wine production and with different animals. The images portrayed in the upper rows include a seven-branched candelabrum that stands on three legs shaped like lion’s feet, and near them etrogim, a shofar and a lulav, and alongside the candelabrum – palm trees and lions, which are symbols of Judah. An Aramaic inscription is incorporated in the mosaic. The upper part of the inscription blesses all of the community followed by a dedication to three individuals who donated generous contributions.
Tiny objects were found on the floor facing the Holy Ark: coins, bone and metal artifacts that probably belonged to the Holy Ark and the ornamental curtain in front of the Ark, as well as fragments of glass and ceramic lamps. Also found were dozens of amulets, some of which were of women who were asking for good health.
The Ma‘on synagogue is located in the Hellenistic site of Menois, which appears on the Madaba Map. It is one of the three synagogues in the western Negev and its floor is identical to the one in the synagogue in Gaza. The site, which was one of the most important tourism sites in the western Negev, had been allowed to deteriorate over time.

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Bron/Source : Artdaily.org

La pyramide du Louvre: quelle histoire !

Le Louvre est passé de 3 millions de visiteurs annuels avant l'aménagement de la pyramide à 8,5 millions en 2008 - Photo Le Figaro

Cette audace architecturale signée Pei a été très critiquée lors de sa construction. Aujourd'hui appréciée, elle est menacée d'asphyxie.
Aujourd'hui, on l'aime. Elle est le symbole de Paris. Avec la Vénus de Milo et La Joconde, elle arrive à la troisième place parmi les œuvres les plus prisées des visiteurs du Louvre. Hier, on la détestait. Elle a suscité les critiques les plus folles, les polémiques les plus vives. Inaugurée le 30 mars 1989, la pyramide construite par le Sino-Américain Ieoh Ming Pei, au milieu de la cour Napoléon, déclenchait une minirévolution sur fond d'opposition politique.
Vingt ans plus tard, l'architecte âgé de 91 ans vient d'ouvrir son musée à Doha (capitale du Qatar). Et à Paris, sa création est devenue un des lieux les plus fréquentés. Le Louvre est passé de 3 millions de visiteurs annuels avant l'aménagement à 8,5 millions en 2008. Comme tout le monde doit passer par cette entrée unique, le flux est à nouveau difficile à gérer.
Moderniser l'espace central.
Plusieurs problèmes se posent. Hormis le traitement du bruit sous la pyramide, il faut songer à délocaliser la billetterie, à multiplier les stations d'accueil et à diversifier les entrées en fonction des catégories de visiteurs. Un vaste programme est donc lancé pour moderniser l'espace central en sous-sol, d'une surface de 125 000 m².
«Le plus important est en dessous, la pyramide toute seule n'existe pas», déclarait Pei en 1983. C'est pourtant ce volume s'élevant comme un diamant à plus de 20 mètres de hauteur qui a ravivé, lors de l'annonce du projet, la bataille entre anciens et modernes. Entre défenseurs du patrimoine et audacieux de l'architecture, entre droite et gauche. Les premiers considéraient que la magnifique perspective du Louvre vers l'Arc de triomphe serait défigurée. Que marier des styles architecturaux si différents dénaturerait ce lieu historique. Sept associations de défense du patrimoine interpellèrent le ministre de la Culture, Jack Lang. Les seconds trouvaient au contraire une telle juxtaposition des plus originales ; le projet d'une pyramide ayant déjà été évoqué sous l'ère napoléonienne.
Ainsi, que n'a-t-on pas lu et entendu ! «Fait du prince» de la part de François Mitterrand qui, à peine élu président de la République, en 1981, avait lancé ce projet sans concours. «Gadget pyramidal», selon Pierre Mazars dans les colonnes du Figaro, ou «maison des morts», selon André Fermigier dans une chronique au vitriol du Monde, ce qui lui coûtera son poste. L'historien rejoindra alors l'Association pour le renouveau du Louvre sous la bannière de Michel Guy, ancien secrétaire d'État aux Affaires culturelles de 1974 à 1976.
Une prouesse technologique.
La presse se partageait en deux camps, et les lecteurs s'en mêlaient. Ces derniers voyaient dans la pyramide «une démarche politique» ou «un luna park en sous-sol». Ils s'interrogaient sur le coût de l'opération (2 milliards de francs) et celui de l'entretien des surfaces vitrées, difficiles à escalader. Il fut question de faire venir une tribu d'agiles Iroquois pour les nettoyer !
Le 28 avril 1985, François ­Mitterrand sermonnait les insurgés sur TF1. Nommé par lui, Émile Biasini, ancien collaborateur d'André Malraux à la réputation de «bulldozer» et secrétaire d'État aux Grands Travaux, avait déjà redoublé d'efforts de persuasion. Demandée par Jacques Chirac, alors maire de Paris, une maquette grandeur nature vient à bout du gros des résistants. À quelques semaines de la fin de son premier septennat, François Mitterrand inaugura donc cette prouesse technologique érigée en un temps record, après des fouilles archéologiques homériques et une guerre des tranchées avec le ministère des Finances, qui refusait de quitter l'aile Richelieu du Palais du Louvre.

Website : Musée du Louvre

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Bron/Source : Le Figaro - Culture

A Byzantine bathhouse was uncovered close to kibbutz Gevim

A bathhouse that dates to the Byzantine period was exposed in an archaeological excavation undertaken by the Israel Antiquities Authority near Kibbut Gevim (at the site of Horvat Lasan) and underwritten by the Israel Railways, prior to laying a railroad track from Ashkelon to Netivot.
According to archaeologist Gregory Serai, director of the excavation on behalf of the Israel Antiquities Authority, “The bathhouse, which covers an area of 20 x 20 m, was apparently destroyed in a cave-in and was later used as a rubbish dump that was filled with household refuse. It was ascertained in the excavation that the furnace (hypocaust) was dug into the natural soil and its ceiling was built of a cement-like material that was lined with ceramic tiles. The ceiling was supported by means of one meter high colonnades built of mudbricks. The bathers entered the changing room (apodyterium) and passed from there into a room with cold water (frigidarium) where there were probably stepped tubs. From there they continued into the room with warm water (tepidarium) and on to the room with hot water (caldarium – comparable to today’s sauna). The floor of the caldarium was paved with marble flagstones, some of which were as big 1 x 1 m. Evidence of the ceiling’s destruction is attested to by the manner in which the hypocaust columns were toppled in different directions”.
Following its destruction, the structure served as a source of building material as evidenced by the stone walls that were robbed. Secondary use of the stones was noted in the center area of the excavation. A number of residential buildings were discovered in this part of the site and they contained storage jars that were still in situ.
The village’s buildings and bathhouse join the finds that were revealed in a previous excavation that was conducted on the other side of the road. In the opinion of Gregory Serai, “We are dealing with a village whose economy was based on the production of wine and the manufacture of pottery vessels. The site was situated on a road that linked Beer Sheva with Gaza and probably began as a road station in the Roman period.

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Bron/Source :Artdaily.org