RUBENS, POUSSIN AND 17TH CENTURY ARTISTS TO BE FEATURED IN EXHIBITION

This exhibition assembles around sixty paintings from some of the best private and public collections in Europe (Art museums in Lille, Nantes, Rennes, Oxford, Liège, and more). It offers a unique view of two great artistic movements of the 17th century: Flemish Baroque painting, of which Rubens is the chief protagonist, and the French Classical school led by Poussin and the influence they had on each other. The Jacquemart-André Museum has set out to write a new page in the history of art.
An exhibition of discovery
The exhibition’s primary aim is to highlight the importance of the Flemish movement in France at the beginning of the 17th century by showing the works of the great artists who were present on the French artistic scene at the time (Rubens, Pourbus, van Thulden, etc.). A comparison of their paintings with those of the Le Nain brothers or Lubin Baugin reveals the strong influence of the Flemish Baroque school on French artists.
The rest of the exhibition is devoted to the rise of French Classical art during the second half of the 17th century. It presents some new pictorial models, developed in France by Nicolas Poussin, Laurent de La Hyre, Eustache Le Sueur and Charles Le Brun, before being adopted by Flemish artists such as Bertholet Flemalle and Gérard de Lairesse. This is the note on which the exhibition finishes, thereby highlighting the reversal of influence which operated between these two schools during the 17th century.
The imprint of Rubens in Paris and the spread of Flemish painting in France
The grand master of the Baroque, Pierre-Paul Rubens, arrived in Paris in 1625 with his series of canvases depicting the life of Mary of Medicis, Queen of France and widow of Henri IV. Commissioned four years earlier by the Queen, this imposing series of 24 pieces was destined to decorate the west wing of the Luxembourg palace in Paris. Today it hangs in the Louvre.
At the start of the 17th century, 70% of Antwerp’s artistic production was exported, a large portion of it to France. In Paris, Saint-Germain des Prés village fair, hosted by Nordic merchants, sold a great many Flemish works of art. As a result, French artists and their sponsors came into contact with the Flemish style and acquired a taste for it.
Flemish dominance on the French artistic scene
Under the reign of Henri IV, and then the regency of Mary of Medicis, Flemish painters, with Pierre-Paul Rubens foremost among them, obtained the lion’s share of royal commissions, including Philippe de Champaigne for portraits and Frans Snyders for animal art.
This strong presence in France motivated French artists like the Le Nain brothers to adopt Flemish subjects and models in the field of genre painting.
The rise of French Classicism
The heyday of an artistic style from Flanders was succeeded by an “ideal” style of art started by Nicolas Poussin which exerted a poetic power that extended well beyond France’s borders.
In fact, during the reign of Louis XIII, a truly French pictorial identity was forged, appearing simultaneously in the work of artists like Nicolas Poussin, who remained profoundly marked by his time in Rome, and other artists who never left Paris, such as Eustache Le Sueur and Laurent de La Hyre. They all developed a new pictorial language: French Classicism.
French painting, a new point of reference for Flemish artists
Little by little, France built its own cultural identity which would influence many artists, in particular the Flemish. Attracted by the enormous potential of the French market and the magnificence of the court of Louis XIII and his successor Louis XIV, artists from the principality of Liège including Bertholet Flemalle and Gérard de Lairesse came to Paris to perfect and learn French pictorial techniques.

Website : Musée Jacquemart-André

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Bron/Source : Artdaily

L'ESTAMPE IMPRESSIONNISTE, UN JOYAU NOIR MECONNU

Festival incontournable de cet été, l’événement Normandie impressionniste révèle aussi une facette méconnue du mouvement. A Caen.

Les échos de l’impressionnisme sont multiples, aussi faut-il prendre le temps de découvrir les perles noires de ce courant.
C’est un événement rarissime. La Bibliothèque nationale de France confie quelques-uns de ses trésors au Musée des beaux-arts de Caen : quelque 120 pièces dont plusieurs matrices sont réunies grâce aux dons des artistes, de leurs familles ou de leurs proches. « C’est un événement à plus d’un titre, confie Caroline Joubert, conservatrice du musée, car à l’inverse d’Honfleur, du Havre ou de Rouen, Caen ne possède pas vraiment de tradition impressionniste. Comme les artistes ne sont pas attachés à peindre la ville, nous avons essayé de trouver une autre approche, plus originale. »
Mais pourquoi l’estampe à Caen ? Tout simplement parce que le musée possède une collection qui titre à 53.000 estampes, un legs important, dont la collection Mancel qui couvre les périodes du XVe au XIXe siècle ! « Nous avons puisé les œuvres les plus rares et les plus intéressantes dans la collection de la BNF, reprend la conservatrice, pour constituer un parcours divisé en dix sections, avec des clés de lecture pour le grand public. Ce sont des œuvres que la BNF ne montre jamais ! »
Manet, Pissarro, Degas, les thèmes du paysage et du portrait, les spécificités techniques, le groupe d’Auvers font superbe figure dans cette rarissime évocation de l’estampe impressionniste. Beaucoup moins destinée à une large diffusion qu’à des collectionneurs qui s’intéressent à l’estampe en tant qu’objet d’art, celle-ci n’a guère bénéficié d’une large commercialisation. Ces pures créations sont restées confidentielles, chaque artiste s’ingéniant à élaborer l’œuvre rare, entre 1860 et 1890.
Les premières estampes d’Edouard Manet sont liées au renouveau de l’eau-forte qui marque l’émergence d’une nouvelle catégorie d’amateurs. Manet interprète ses propres tableaux mais il grave aussi des estampes originales, des scènes de mœurs ou des caricatures. Comme au sein du groupe d’Auvers, chaque épreuve est différenciée et signée de la main de l’artiste, comme un dessin. C’est le propre de l’œuvre en soi qui différencie les impressionnistes des autres artistes quand ils abordent ce médium. Camille Pissarro sera très attiré par l’estampe, avec une curiosité marquée pour la technique comme on le voit dans le Port de Rouen avec bateau à vapeur (1883) ou les pavés mouillés de la Place de la République à Rouen.
Edgar Degas sera aussi un des grands promoteurs de l’estampe, qu’il considère comme l’égale de la peinture ou du pastel. Faisant preuve d’une curiosité sans limite, le peintre des danseuses réalisera quelque 66 estampes empreintes d’une poursuite de l’instantanéité, dans le souci de l’œuvre unique au fruit d’une succession d’états. Il réalisera une trentaine d’épreuves pour les 22 états de la Sortie de bain !
Grâce à cette technique, on est bien dans l’air du temps, la recherche des états changeants du paysage selon les heures du jour, les saisons, les variations météorologiques quand les grands noms de l’estampe japonaise inspirent les effets de pluie qui zèbrent les vues urbaines ou les campagnes, notamment chez Félix Buhot ou Bracquemond.
Un chapitre passionnant est dédié à la cuisine des graveurs, ces trucs et astuces qui rendent les valeurs de la couleur et les effets de texture. Cela, le graveur l’obtient par la multiplication des plaques dont les impressionnistes se montrent peu avares. Degas retouche au charbon, au crayon émeri quand il n’utilise pas des plaques de daguerréotype pour procéder à des effets picturaux, directement sur la plaque. La Visiteuse de Mary Cassat se révèle ainsi tellement proche de la photographie…
Avec les effets d’encre, une nouvelle manière d’aborder l’estampe naît sous l’influence des peintres impressionnistes. L’art de graver se transforme en art de peindre sur la plaque, jusqu’à l’introduction de la quadrichromie, à la fin du siècle.

Website : Musée des Beaux-Arts, Le Château, Caen, jusqu’au 5 septembre

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Bron/Source : Le Soir

LACMA PRESENTS FIRST L.A. EXHIBITION OF THOMAS EAKINS SINCE 1927

The Los Angeles County Museum of Art (LACMA) presents Manly Pursuits: The Sporting Images of Thomas Eakins, on view from July 25 to October 17, 2010. Organized exclusively for LACMA by Ilene Susan Fort, the museum’s Gail and John Liebes Curator of American Art, the exhibition celebrates the museum’s acquisition of Eakins’s last great sporting painting, Wrestlers (1899)—one of the single most important American paintings acquired in the history of LACMA. Featuring around 60 oil paintings, drawings, watercolors, photographs, and sculpture by the great American master, the exhibition serves as a rare opportunity to examine for the first time the entire range of sporting images by this iconic American artist.
“Eakins considered the body amazingly beautiful and a remarkable mechanism of movement,” said Fort. “In his images from the late nineteenth-century of the athletic figure in action, Eakins created a new modern American hero; the sportsman—who can still be admired today by athletes and sports enthusiasts, as well as connoisseurs of great art.”
Manly Pursuits is organized chronologically, from the 1870s to 1899, and thematically by type of physical endeavor.
1870s: Rowing, Sailing, Hunting and Coaching
Eakins began his career by depicting one of the activities he had missed while a student in Paris: rowing. His native Philadelphia was instrumental in developing sculling into a modern competitive sport. Although sun and fresh air pervade these river scenes, Eakins recorded the races with the precision and mathematical interest of a scientist. On view with their related paintings will be the large-scale perspective drawings in which he calculated the position of boats, oars, waves and even reflections.
Eakins also sailed and hunted and was skillful with a rifle. After he contracted malaria while hunting in one of the local marshes, he abandoned participating in the sport, and transferred his interest, instead, to painting it.
His most colorful and impressionistic scene, Fairman Rogers’ Four-in-Hand was the sole example Eakins devoted to the upper middle-class activity of coaching (the art of driving horse-drawn carriages). It also was perhaps his most controversial sporting canvas since in it he attempted to depict the movement of the horses and wheels with photographic accuracy—an impulse many critics found to be at odds with the art of painting.
1880s:
Swimming and Photography At the end of the nineteenth century, swimming was deemed one of the most democratic of sports, especially in the United States, where doctors encouraged urban dwellers to maintain a healthy body through exercise. Eakins devoted his sole sporting canvas of the 1880s to this subject. Swimming (1884-85) was also one of the major paintings in which he demonstrated his new interest in photography. On view will be photographs that helped Eakins compose the scene along with his scientific studies of human anatomy and posture and his experimental motion photographs.
1890s:
Boxing and Wrestling Eakins’s last sporting images feature boxers and wrestlers and showcase the new indoor spectator sports that attracted the attention of middle and working-class enthusiasts. These paintings, some of which rank among the artist’s largest canvases, are ironically among his least known endeavors in the sporting genre. Boxing and wrestling imagery was typically modest in scale and relegated to journalistic reports and advertising. But the substantial size of Eakins’s depictions elevated the sport to a new level of importance and its athletes to a new heroic stature. Remarkably, the three canvas versions of the Wrestlers paintings (two of which now belong to LACMA) have not been seen together since they left the artist’s studio over a century ago. The LACMA exhibition will historically reunite them. In addition, the wrestling paintings will be shown along with a group of related wrestling photographs that were recently discovered and have never before been exhibited.
Thomas Eakins (1844-1916)
Although Eakins is now considered one of the great masters of nineteenth-century American art, his work, surprisingly, has not been extensively exhibited on the West Coast. During his lifetime, the artist showed close to home, primarily in Philadelphia and nearby New York City. Not until the end of his life, in 1915, did he display on the West Coast, at the Panama- Pacific Exposition in San Francisco. After his death, Eakins’s widow, in a concerted effort to sell some of the extensive oeuvre that remained in her possession, organized traveling exhibitions of his paintings. The 1927 West Coast tour of twenty-five paintings was the first and last showing of Eakins paintings in Los Angeles—until now.
Manly Pursuits enables the West Coast community to again experience Eakins’s art in depth and demonstrates LACMA’s unique role in Eakins studies.

Website : LACMA

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Bron/Source : Artdaily

LES HISTOIRES ECLATEES DE BRUXELLOIS

C'est comme une double exposition au Musée BELvue, juste à côté du Palais royal de Bruxelles. D'un côté, la belle et grande Vue de Bruxelles peinte en 1665 par Jean-Baptiste Bonnecroy, analysée et intelligemment expliquée. De l'autre, Facing Brussels, le Bruxelles d'aujourd'hui. La ville encerclée d'une muraille, fermée sur elle-même du baroque, la ville ouverte à toutes les diversités d'aujourd'hui.
C'est d'ailleurs ce qu'a voulu montrer Catherine Vuylsteke, écrivain et journaliste, en rassemblant onze photographes sur ce projet Facing Brussels : elle reprend les propos d'un nouveau Bruxellois : « Bruxelles est un archipel, une grappe d'îlots communautaires entre lesquels coule beaucoup d'eau et n'existent que peu de ponts. »
Constat. Que rejoignent les onze photographes. Ils se sont intéressés chacun à un de ces îlots. Loïc Delvaux a cliché les seniors de Schaerbeek, dansant, se déguisant, faisant de l'aquagym. Jan Locus a photographié le Mohammed, l'immigré, le Belge allochtone comme on dit prudemment. Tim Dirven fait dans le tourisme, devant Manneken Pis ou au Fritland de la Bourse. Marine Dricot a suivi les bobos, Dieter Tielemans ceux qu'il appelle les héros tranquilles, les étrangers venus travailler chez nous. Wim Knapen et Jimmy Kets ont chassé le grand luxe un peu vain et Nick Hannes ces 100.000 Bruxellois qui ne trouvent pas d'emploi et sont mal logés. Philippe Herbet a traqué le Bruxelles sans Belge des Eurocrates, Eric de Mildt a coursé les voyageurs du quotidien et Alain Schroeder les festivités sacrées des religions que Bruxelles abrite.
Résultat ? Une expo qui agit comme un miroir pour les Bruxellois. Mais un miroir brisé, dont les éclats réfléchissent de multiples facettes d'eux-mêmes.
Cette image éclatée est sans aucun doute réelle, mais en même temps, elle ne capte pas toute la vérité de cette ville et de ses habitants, encore plus multiple et plus inaccessible que ce Facing Brussels le dit. A ne montrer que des îlots typés de l'archipel bruxellois, on ne le voit plus en entier.
Facing Brussels , Musée BELvue, place des Palais, 7 à 1000 Bruxelles

Website : Belvue

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Bron/Source : Le Soir

VAN GOGH MUSEUM ANNOUNCES NATURALISM IN ART WITH THE EXHIBITION ILLUSIONS OF REALITY

From 8 October 2010 to 16 January 2011, the Van Gogh Museum will be presenting Illusions of reality: Naturalist painting, photography and cinema, 1875-1918. The exhibition, curated by guest curator Gabriel P. Weisberg, Professor of Art History at the University of Minnesota, gives an overview of Naturalist painting in relation to photography and film, with work by artists including Léon Lhermitte and Jules Bastien-Lepage (France), Albert Edelfelt (Finland), Károly Ferenczy (Hungary), Anders Zorn (Sweden), and Thomas Anschutz (United States). In the last quarter of the 19th century, Naturalism was one of the dominant movements in painting. This photographic style transcended national borders, and fanned out throughout all of Europe and the United States. More than fifty works, many of which are extremely large, will be on display in the exhibition wing of the Van Gogh Museum. At the same time, the presentation Vincent van Gogh and Naturalism will also be on display in the museum. After Amsterdam, the exhibition Illusions of reality will be presented at the Ateneum Art Museum, Finnish National Gallery of Art in Helsinki from 17 February to 15 May 2011.
Naturalism
Naturalism in painting, which at the time was popular among artists, art lovers, and the general public, focused on subjects from the daily lives of ordinary people. Artists tried to approximate reality as closely as possible, and made frequent use of photography. These compositions, which were sometimes commissioned by the government, were exhibited at the Salon and World’s Fairs. Most, due to their large size, were sent to museums or exhibited in public spaces such as town halls or schools. The central themes within Naturalism include labour (in the country, in cities, and in industry), religion, and youth. The painters often used simple peasants as their subject material, or the hard life of workers in the cities. The style of painting was particularly detailed, and the works have the appearance of snapshots of real life. Yet the subjects of these paintings were carefully composed and were meant to tell a story, sometimes with a moralistic message. These themes were often the same ones as those already described by the writer Émile Zola in his Naturalist novels and plays. The exhibition also shows several film fragments based on the literature of Zola. These fragments illustrate the close interrelation with the Naturalist paintings, which seem to come alive as a result.

Website : Van Gogh Museum

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Bron/Source : Artdaily

LE PALAIS FESCH, RENOVE, A ROUVERT SES PORTES

Le Palais Fesch d'Ajaccio a rouvert ses portes fin juin, après deux ans de restauration

Le musée, qui abrite la plus grande collection français de peinture italienne après celle du Louvre, offre un nouveau parcours de visite et des aménagements qui lui ont rendu son caractère italien original.Il rouvre avec trois expositions, sur L'Homme au gant de Titien, sur Lucien Bonaparte et sur le dessin à Florence à l'époque de Michel-Ange.
Construit en 1828 sur la volonté du cardinal Joseph Fesch, oncle de Napoléon, le Palais Fesch est un imposant édifice de pierre claire à l'aspect austère. Ses salles en façade sont éclairées par la lumière du port d'Ajaccio.

Le musée a été modernisé avec une climatisation qui assure confort pour les visiteurs et bonne conservation pour les 450 oeuvres exposées, soit 130 de plus qu'avant, notamment des plus grands maîtres italiens.Flanqué de la chapelle impériale, au coeur de la vieille ville, il présente une des plus remarquables collections de portraits de la famille Bonaparte. Une aile est aussi désormais réservée à un ensemble de peinture corse.La visite du Palais Fesch permet de découvrir des collections présentant cinq siècles de peinture italienne (du XIVe au XVIIIe) sur quatre niveaux, par ordre chronologique, en commençant par la grande galerie des rétables au deuxième étage.Le conservateur Philippe Costamagna, historien de l'art spécialiste du XVIe siècle italien, et ses équipes ont accroché les oeuvres à la manière des palais italiens, notamment dans la galerie des natures mortes, la plus importante de France."Les tableaux y étaient présentés 'cadres contre cadres', parfois l'un au-dessus de l'autre, sans prendre en compte l'époque ou le thème", explique Catherine Cristofari, responsable de la communication.On a abandonné les murs blancs, "qui conviennent bien à l'art contemporain mais 'mangent' l'art ancien", et repeint la grande galerie et les salles réservées à la peinture italienne sur le principe de la "pietra serena" florentine, avec une teinte pierre grise assortie de gris plus pâles.Ces teintes mettent en valeur l'art italien réparti en trois fonds majeurs: Primitifs et Renaissance, XVIIe siècle et peintres de Rome au XVIIIe. Dépouillée des piliers qui entravaient la perspective, la grande galerie peut désormais être utilisée pour des concerts et des réceptions.
D'importantes campagnes de restauration des oeuvres, pour un coût de 456.000 euros, ont été effectuées depuis deux ans. Financées notamment grâce à une exposition itinérante au Japon d'une partie des collections, elles ont permis de sortir des réserves du musée des pièces majeures issues de la collection du cardinal Fesch, comme un portrait de Pétrarque par Vasari (XVIe). Plus grand collectionneur de son temps, le prélat possédait plus de 16.000 oeuvres.Le Palais présente trois expositions pour sa réouverture (jusqu'au 27 septembre). La première réunit, autour d'une oeuvre maîtresse du musée, L'homme au gant de Titien, six autres portraits du maître, dont celui dit du Jeune Anglais du Palazzo Pitti à Florence et les deux Homme au gant du Louvre. La deuxième est consacrée à Lucien Bonaparte, un homme libre, frère de Napoléon et grand collectionneur.La troisième sur le Dessin à Florence du temps de Michel-Ange rassemble des oeuvres de Michel-Ange, Andrea del Sarto, Pontormo ou Salviati, autour des représentations du corps. Elle inaugure le nouveau cabinet des arts graphiques du musée.

Website : Palais Fesch

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Bron/Source : France 2

ENTRE REALISME ET ART NOUVEAU

Une petite exposition documentée ravive l'art tombé dans l'oubli du sculpteur belge Charles Van der Stappen. A l'occasion du centenaire de sa mort.
Décidément, les expositions d'été jouent en mineur aux Musées royaux des beaux-arts de Belgique. Avant d'aborder cet automne le thème fascinant de l'orientalisme, le musée nous sert un estival et light Charles Van der Stappen, sculpteur né à Saint-Josse-ten-Noode (Bruxelles) le 19 décembre 1843 et décédé en 1910. En rien, ceci ne pourrait passer pour une rétrospective. L'intention n'est pas là. Le centenaire de la mort de l'artiste ami d'Octave Maus est l'occasion de monter une exposition documentaire qui, en deux salles, esquisse les multiples facettes d'un défenseur de l'Art nouveau qui marqua la sculpture belge et son évolution de manière décisive vers 1900. Van der Stappen méritait mieux.

À la fin du XIXe siècle, quand se dessinent de manière complexe plusieurs mouvements de renouveau fondamental, un essor extraordinaire de la sculpture est favorisé par les commandes publiques. Celles-ci vont d'ailleurs attirer Rodin qui séjourne à Bruxelles de 1871 à 1877. Van der Stappen, Vinçotte, Rousseau et Lambeaux comptent parmi les artistes belges les plus notoires. C'est en 1875 que Van der Stappen se fit connaître en alliant l'étude des antiques et du Quattrocento italien ainsi que le naturalisme qui est prédominant en son temps.

« Inspiration de l'Art » pour guide
Van der Stappen doit sa renommée à ses travaux pour des monuments et des sculptures décoratives de façade exécutées dans un style éclectique mêlant Art nouveau et naturalisme, dont on trouve encore un bel exemple à l'angle de la rue Verwée et de la place Collignon à Schaerbeek. En professeur et directeur de l'Académie des beaux-arts, il se distingue par son approche novatrice de l'enseignement artistique, laissant libre cours à l'inspiration. En 1893, il collabore avec Constantin Meunier au projet de réalisation des 52 sculptures qui ornent l'extérieur du Jardin botanique de Bruxelles. Les deux sculpteurs réalisent les esquisses et en confient l'exécution à leurs collaborateurs. L'influence du réalisme social de Constantin Meunier se fera visible dans l'œuvre Les Bâtisseurs de villes réalisée par Van der Stappen pour le parc du Cinquantenaire. Dans le domaine des arts décoratifs Art nouveau, il collabore avec Victor Horta.
Ses sculptures émaillent le territoire bruxellois. L'Inspiration de l'Art accueille le visiteur devant les Musées royaux des beaux-arts de Belgique. La Mort d'Ompdrailles est au Jardin du Roi, quartier Louise. Guillaume d'Orange-Nassau orne le Petit Sablon. Les Provinces de Liège et d'Anvers figurent au Cinquantenaire.
Sous la direction de Francesca Vandepitte, sculptures, maquettes, dessins, esquisses préparatoires montrées pour la première fois, projets et documents d'archives racontent le parcours de Charles Van der Stappen. De l'inspiration italienne saisie à Florence et à Rome aux mythes et symboles, en passant par l'atelier Portaels, le sculpteur se débarrasse de sa gangue académique, comme le montre l'ensemble Aimez-vous les uns les autres, ou le célèbre buste de Sphinx (1897) qui unit Art nouveau et symbolisme.

Musée des Beaux-Arts à Bruxelles jusqu'au 26.09.2010

Website : Charles Van der Stappen via Wikipedia

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Bron/Source : Le Soir

ROGER BALLEN'S PICTORIAL SCENES ON VIEW AT CENTRE FOR FINE ARTS IN BRUSSELS

Roger Ballen’s work can be recognised at a glance. His singular universe, from a documentary style in the early days to more pictorial scenes, navigates between dream and reality. In the course of his career, he has built up a body of work which is amusing, enigmatic and disturbing in equal measure. The Centre for Fine Arts is devoting an extensive retrospective to this special photographer within the context of the biannual Summer of Photography and the Visionary Africa festival. Roger Ballen was born in New York in 1950, but has spent his entire professional life in South Africa . He has created a masterly body of photographic work since the early 80s. From the very empathetic and, at the same time, tough photo-journalism in series such as Dorps: Small Towns of South Africa (1986) and Platteland: Images from Rural South Africa (1994), he has evolved towards a unique artistic style that has made a significant contribution to the development of present-day photography. Roger Ballen’s work is therefore also among the most important photographic collections in the world. In the Outland (2001) and Shadow Chamber (2005) series, Ballen’s photography moves away from the reporting style. The texture, composition and montage of both objects and animals become the main subjects of his images, where apparently incompatible objects are combined with each other without the whole losing any of its authenticity. Ballen displays a remarkable talent for revealing non-experienced relationships between objects, people, their shapes and appearances, as well as their metaphysical and emotional properties. The Shadow Chamber series, in particular, shows how space, volume and ambiance are manipulated in order to create a rare and surreal world. The pictures in the most recent Boarding House series (2009) are situated at the limits of photography – they have become almost entirely pictorial or sculptural. The human and animal characters are extras or alien sculptures in the composition; texture, abstraction and compositional force are the new components of these almost archetypical introspections.

Website : BOZAR

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Bron/Source : Artdaily

LA CATHEDRALE BELGE DE ROUAN

Arne Quinze revisite l'impressionnisme sur 120 mètres de long, audessus de la Seine. L'artiste belge qui avait dessiné « Le Soir » en 2007 est devenu une star mondiale de l'art urbain.
Rouen. La ville aux cent clochers de Victor Hugo. La ville des cathédrales fantômes de Claude Monet et des ponts enfumés de Camille Pissarro. C'est là, sur le pont Boieldieu, par-dessus la Seine impressionniste, que l'artiste belge Arne Quinze a sculpté Camille, sa nouvelle cathédrale de bois fluorescent de 120 mètres de long. Samedi 3 juillet, Camille sera la star contemporaine du festival impressionniste de Normandie et le restera tout l'été, jusqu'au 29 août, avant d'être démontée. Nous avons rencontré Arne Quinze à ses pieds, quelques jours avant l'inauguration.

Camille Pissarro a peint le pont Boieldieu dans une série de tableaux impressionnistes conservés dans les plus grands musées du monde. Mais ce n'est pas à sa mémoire qu'Arne Quinze a baptisé son œuvre : « J'ai pensé à Camille Monet, la femme de Claude Monet. Son mari aussi avait été inspiré par Boieldieu. Ma Camille symbolise le flirt de Monet avec le pont. Les peintres impressionnistes jouaient beaucoup de la lumière. Dans ma sculpture, ce sont les ombres qui bougent. Je ne voulais pas m'emparer du pont entier. Je ne voulais pas être arrogant : 120 mètres me suffisaient. Il fallait garder de la légèreté comme dans les œuvres impressionnistes. »
Pas droit à l'erreur
Camille met 120 tonnes de couleur dans le panorama de Rouen, s'approprie la Seine, la colline et les flèches des cathédrales. Toute la ville n'a plus d'yeux que pour elle. « L'équilibre est important. Je ne voulais pas noyer le fleuve ni passer au-dessus de la montagne. Camille devait se glisser entre tout ça. J'ai tracé les lignes dans mon silence intérieur, chez moi, en Belgique, jusqu'à ce que je me sente bien avec le dessin, puis que je voie si ça pouvait tenir. En cas de très grosse tempête, la structure doit résister. Il ne faut pas vouloir être le plus grand, le plus haut. Il s'agit de respecter les forces de l'environnement, de les épouser. J'ai l'instinct de la physique. Je sais où il faut mettre un porte-à-faux et là où il ne faut pas. Il est important de tenir compte de la chaleur, de la pluie. A Bruxelles, le Cityscape que j'avais érigé avenue de la Toison d'Or était cloué. Ici, tout est vissé car la nature peut être violente à Rouen. Sur le pont, Camille est comme une planche de surf dans le vent ! On n'a pas droit à l'erreur. »
L'équipe d'Arne Quinze a eu deux semaines pour monter ce formidable Meccano. « Les bureaux de l'inspection du travail sont en face. Ils nous voyaient grimper presque jour et nuit, samedi et dimanche compris. Ils ont voulu arrêter le chantier, parce qu'en France on ne travaille pas plus de 35 heures par semaine. Mais comme tout était en règle, on a pu continuer. Ils ont compris qu'on était là pour faire plaisir aux Rouennais. Environ 40 % du trafic de la ville passent par ce pont. Pendant deux mois, il va rester fermé à la circulation et ça va faire du bien. Tout le monde pourra se promener dessus à pied. La vue sera fantastique. Après ? Il restera des photos, des films, des articles. J'espère que le vide laissé par Camille poussera les gens à bouger. L'art monumental met des sourires sur les visages. Il pousse les gens vers la culture. »
Des jardins de géant
A Rouen, personne n'avait jamais vu une œuvre d'art aussi monumentale depuis les bâtisseurs de cathédrales. Des passants intrigués ont voulu escalader les grilles de sécurité. D'autres ont protesté à cause des bouchons provoqués par la fermeture du pont. Arne Quinze s'amuse des réactions. « Si je suis un rebelle, alors c'est dans le bon sens du terme. Je veux apporter du bonus à la vie. Le 3 juin, Rouen va respirer. Je vais aussi accrocher dans l'abbatiale de Saint-Ouen des toiles géantes inspirées par les jardins de Monet. Il y en a 21 pour rythmer les 21 pans de murs. C'est une libre réinterprétation de Monet. Les toiles trouveront leur force à la lumière des vitraux. J'ai mis un an à les peindre, après avoir été ébloui par l'abbatiale. »

Website : Normandie Impressionniste

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Bron/Source : Le Soir

POSITIONS OF NUDE ART PHOTOGRAPHY AT CAMERA WORK GALLERY BERLIN

From July 3, 2010, until August 28, 2010 Camera Work will present a group exhibition mainly curated from its own collection, displaying more than 40 photographers and their perspectives on mostly female nude art. Selected classics are supplemented with, in some cases, never before exhibited contemporary works of Blaise Reutersward, Nadav Kander, or Ralph Mecke.
The kaleidoscopic exhibition stretches from classical, nearly sculptural studio-stagings, as in the works of Horst P. Horst, Frantisek Drtikol, or Rudolf Koppitz, to the erotic and provocative images of Helmut Newton or Bettina Rheims, and extending to the series of documentary pictures by recently-deceased Larry Sultan, which originated off-set during pornographic shootings.
The studio-photography of the Pictorialists was followed by trend-setting picture experiments in the 1920s. Artists like Man Ray, André Kértesz, or Edward Weston began to render their studies of the body unfamiliar by means of using multiple exposure, solarization, collages, extreme perspectives, and techniques of light/dark contrast. These new methods of art were picked up during the post-war period and were continuously refined and advanced. The almost abstract extreme close-ups of Ralph Gibson, the very sensual nude art of Manuel Álvarez Bravo, or the poetic perspectives of the body, drenched in blue light, by Kenro Izu serve as examples. Lucien Clergue, one of the most distinguished nude-art-photographers worldwide, captivates the viewer with his images of bare female bodies being caressed by shadow plays. Beside such photographs coming from “God’s notebook”, as Pablo Picasso once described his friend Clergue’s work, the pictures of the 1960s and 1970s predominantly have an increasingly sexual connotation, as is the case in the works of Robert Mapplethorpe or Helmut Newton.
In contemporary photo art, works of Thomas Ruff, Larry Sultan, or Nadav Kander, who each reflect on nakedness in different ways and who augment nude art photography with their innovative work exist side by side with erotic images of Guido Argentini or Russell James. While Ruff deprives the voyeuristic observer of pornographic images, the constant availability of which is guaranteed by the internet, by making them unfamiliar, Larry Sultan documents the solitude and melancholy on the fringes of the industry that tirelessly produces these images. With his pictures of baroque, haggard, and stressed female nude photographs, Kander, on the other hand, breaches the dictate of the traditional ideal of beauty. The persons portrayed are incorporated into mystic and gloomy spaces, and the unique atmosphere of these pictures immediately unfolds an eerie as well as archaic energy.

Website : Camera Work

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Bron/Source : Artdaily

LA VENUS DE MILO REEXPOSEE APRES RESTAURATION

La Vénus de Milo, toute propre, est désormais exposée dans une salle du Louvre aménagée spécialement pour elle.

La star des collections du Louvre a été restaurée pendant plusieurs mois. Les travaux ont livré quelques-uns des secrets de cette statue grecque arrivée en France il y a près de deux siècles.
L'ensemble des salles d'art grec classique (450-30 avant JC) a été réorganisée à cette occasion.
La Vénus de Milo a été découverte par un paysan grec en 1820 à Milo, dans les Cyclades. La France achète dès 1821 cette statue en marbre datée de 120 avant JC, par l'intermédiaire de l'ambassadeur de France à Constantinople, la Grèce étant alors sous domination ottomane.
La Vénus a été exposée de 1848 à 1934 dans une salle spéciale de 200 m aménagée à son attention au Louvre. C'est ce lieu, rénové, qu'elle retrouve aujourd'hui après avoir vécu depuis 1934 dans une salle trois fois plus petite.
La sculpture est très fragile dans sa partie supérieure (tête, épaule, dos) car elle a été vraisemblablement longtemps exposée en extérieur. Elle a subi une gammagraphie avant d'être déplacée, pour qu'on soit sûr qu'elle ne craignait rien.
Au fil des années, la Vénus de Milo était devenue "crasseuse et de plus en plus marron", explique Jean-Luc Martinez, directeur du département des antiquités grecques, étrusques et romaines. Elle avait gardé des traces d'huile, de savon et de plâtre qui avaient été utilisés pour faire un moulage de la statue au XIXe siècle. Ces produits avaient vieilli et la poussière des ans s'était collée dessus. Le Louvre a donc décidé de retirer tous les bouchages en plâtre (cela s'appelle "purger les joints") et de nettoyer la surface.
La restauration, confiée à Anna Martinotta, a été réalisée entre novembre 2009 et avril 2010.
Le Louvre s'est demandé s'il fallait rajouter à la statue le pied gauche en plâtre fabrique pour elle au XIXe et retiré plus tard. Finalement, il a été décidé de ne pas le faire. Le nez en plâtre a été déposé. "On s'est aperçu avec horreur" que le sculpteur Lange chargé de la restauration en 1821 avait retaillé le nez pensant faire un appendice en marbre, indique M. Martinez. Finalement le nez avait été fait en plâtre. La commission de restauration a décidé de remettre le nez en plâtre car la cassure artificielle est "affreuse", selon M. Martinez.
Lors de la première restauration de la Vénus entre 1822 et 1824, Lange voulait même rajouter des bras à la statue. Ils ont été fabriqués mais la polémique a empêché qu'ils soient montés sur la Vénus.
La Victoire de Samothrace, elle aussi bien sale, doit être restaurée à l'horizon 2012.

Website : Vénus de Milo via Wikipedia

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Bron/Source : France 2

BRITISH MUSEUM CELEBRATES SUCCESS OF PUBLIC SERVICE PARTNERSHIP AND LOOKS TO THE FUTURE

The British Museum remained the most popular cultural attraction in the UK for a third year running, receiving 5.7 million visitors in 2009/2010, almost 200,000 more than in the previous year. On one day alone the Museum welcomed over 31,500 visitors for the Day of the Dead fiesta on 1 November which was supported by BP.
Virtual visitors continue to grow with the first phase of the online database completed in the last year. Collections Online now offers the public access to 1.85 million objects with over 15 million people visiting this resource for general interest and research purposes.
Temporary exhibitions continue to draw visitors, with Moctezuma: Aztec Ruler, supported by ArcelorMittal which concluded the Great Rulers series, receiving over 210,000 visitors. The success of Kingdom of Ife: sculptures from West Africa, sponsored by Santander with additional support provided by the A.G. Leventis Foundation, which has received over 66,000 visitors so far, led to the exhibition being extended by a month to 4 July 2010. Free exhibitions are hugely popular and continue to offer visitors a chance to explore more focused subject matter and provide unique insight into the British Museum’s unrivalled collection. The Museum’s display focusing on the great age of Mexican printmaking Revolution on Paper: Mexican Prints 1910-1960 supported by the Monument Trust and the Mexico Tourism Board, was seen by over 187,798 visitors.
The start of 2010 saw the launch of A History of the World, a public service partnership between the British Museum and BBC to tell a story of humanity through manmade objects. At the project’s heart is the BBC Radio 4 series “A History of the World in 100 Objects” written and presented by Neil MacGregor, Director of the British Museum, which charts the diversity and changes in global, human history through objects in the British Museum’s unparalleled collection. “A History of the World in 100 Objects” has been one of the most popular programmes on BBC Radio 4 this year, with a weekly omnibus edition on the World Service attracting listeners from across the globe. To date over 5,456,000 people have downloaded the podcasts globally. In addition to the BBC Radio 4 programme the project has included an online resource, where other museums and members of the public can upload their own objects and associated stories to create an online museum; the CBBC television series “Relic” which broadcast 13 episodes; activities and further collaborations in the Nations and Regions between local BBC broadcast outlets and museum partners in their area. There are now over 450 partner museums involved in the project, 100 more since it launched.
A major redisplay of the gallery of Europe and the Mediterranean between AD 300 and 1100 (Gallery 41) has been made possible by a generous donation from Paul Ruddock, funder of the recently opened Paul and Jill Ruddock Medieval Gallery at the British Museum. The British Museum’s collection on this period are among the best in the world and reach from North Africa to Scandinavia and from the Atlantic to the Asian Steppes. The decant of the current displays will take place in summer 2011 and the new display will open in late 2013.
Sharing the collection continues to be a vital part of the Musuem's work. In 2009/10 the BM loaned 1973 objects nationally across the UK and through the International loans programme, the Museum lent 1160 objects to 105 venues outside the country, including da Vinci drawings to Atlanta, the Lewis Chessmen to five venues in Scotland and the Roman Discobolus statue to Istanbul to celebrate its season of European City of Culture.
In 2009/10, the touring exhibition China: Journey to the East, supported by BP, a CHINA NOW legacy project, featured the largest UK loan of Chinese material ever undertaken by the British Museum. With over 150 objects covering 3000 years, this exhibition has been seen by over 183, 000 visitors so far, enabling audiences across the UK to encounter Chinese history through real objects – from shadow puppets to picnic boxes. The exhibition has travelled to Bristol, Coventry, Basingstoke and Sunderland. Currently on display at York Art Gallery the tour will conclude at Manchester Museum later this year.
Looking ahead to 2010/11:
The Museum will commence a new series of Reading Room exhibitions exploring Spiritual Journeys starting with the BP Special Exhibition, Journey through the afterlife: ancient Egyptian Book of the Dead which opens on 4 November. The exhibition will focus on the British Museum’s unparalleled collection of Book of the Dead manuscripts on papyrus to present and explore ancient Egyptian beliefs about life after death. This exhibition will be the first opportunity to see so many examples displayed together and many never seen on public display before due to their fragile nature.
The series will continue in 2011 with Treasures of Heaven: saints, relics and devotion in medieval Europe and conclude at the start of 2012 with The Hajj: journey to the heart of Islam. Afghanistan: Crossroads of the Ancient World will be a unique opportunity to see an exceptional collection of precious objects lent from National Museum in Kabul and which show how ancient Afghanistan was at the heart of cross-cultural connections. Each object tells a story of how the inhabitants traded with or were influenced by the fashions of their ancient neighbours. This exhibition will be in Room 35.

Website : British Museum

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Bron/Source : Artdaily

MONET AND ABSTRACTION ON VIEW AT MUSEE MARMOTTAN MONET

Co-organised by the Museo Thyssen-Bornemisza in Madrid, La Caja Madrid and the Musée Marmottan Monet, the exhibition Monet and abstraction is presented at the Musée Marmottan Monet from 17 June to 26 September 2010.
Monet’s heritage continues to prompt new comparisons: in recent years, his influence on the abstract painters of the second half of the 20th century has been extensively explored. The new exhibition at the Musée Marmottan Monet examines this modernist legacy, bringing together forty-four Impressionist and abstract works, mostly from the sister collections of the Musée Marmottan Monet and the Thyssen-Bornemisza Foundation.
The Impressionists broke with the models of the past, spearheading a new, dissident movement in art. In their wake, the American Expressionists and European Informalists leapt into the breach, widening the gulf between traditional and new forms still further. Gradually, a new concept of art gained widespread acceptance – as an autonomous, self-referential, expressive medium, engendering and exploring its own formal language. Painting was no longer about the pictorial representation of the real world, but about the materiality of painting itself – the canvas or support, the brushwork, handling and colour.
Curated by Jacques Taddei, Director of the Musée Marmottan Monet, and Paloma Alarcó, Director of the Department of Paintings at the Museo Thyssen Bornemisza, the exhibition highlights Monet’s pivotal influence, and the interpretation of his legacy in the work of selected abstract – chiefly American – painters.
The exhibition itinerary explores the following main themes:
• Colour: Monet, Rothko and Hofmann.
• Effects of lights: Monet, Still.
• From brushwork to gesture: Monet, Pollock, Krasner, Tobey
• Works by Joan Mitchell, Jean-Paul Riopelle and Sam Francis are presented in relation to Monet’s garden at Giverny – a place of pilgrimage for all three artists
• Plus works by Jean Bazaine, Maria Elena Vieira da Silva, Gerhard Richter.
The Musée Marmottan Monet houses the world’s largest collection of works by Claude Monet. This year, the museum is devoting two major temporary exhibitions to his extraordinarily prolific oeuvre, including an exploration of the artist’s own private collection – Marmottan – Monet – La Collection – to be staged in autumn 2010. The present, summer exhibition, conceived in association with the Museo Thyssen Bornemisza in Madrid, examines the relationship between Monet’s work and the abstract movements of the second half of the 20th century.
Anyone who has seen Monet’s Waterlilies at the Musée de l’Orangerie – hailed by the exhibition’s curator Paloma Alarcó as the unrivalled archetype of “pure painting” – will know that of all the Impressionists, Monet took the exploration of the materiality of paint to its furthest extreme. For the viewer, it is fascinating to observe how Monet’s determination to capture the world as closely as possible – as perceived through his own eyes – leads him to a growing awareness of the very essence of creative expression in paint, and to enshrine that awareness as the central focus of his work, treating the physical matter of his paintings as a means of “re-presenting” not only the realistic apearance of nature, but its essential inner life. Ultimately, in his last works, figurative representation was supplanted by the translation of optical sensations and recollections into paint.
By asserting the importance of subjectivity in the act of painting, Monet broke new ground, opening the way to the modern movements of the 20th century. Monet’s work was rediscovered in the 1950s – chiefly by the American Abstract Expressionists, and painters of the second Ecole de Paris – since when numerous studies and exhibitions have addressed his essential “modernity”. The present exhibition continues that exploration, in particular highlighting the resonances between Monet’s work and that of leading abstract painters of the second half of the 20th century: Pollock, Rothko, Hofmann, Gottlieb, Vicente, Riopelle, Krasner, Tobey, Still, Francis, Mitchell, Zao Wou-ki, etc.
This exhibition will, we hope, shed new light on the originality and complexity of the work of one of the leading exponents of Impressionism, who went on to contribute – in the first decades of the 20th century – to the birth of a new approach to painting, increasingly divorced from the ideal of figurative representation that had underpinned the medium from its earliest beginnings.

Website : Musée Marmottan Monet

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Bron/Source : Artdaily

PAINTINGS, SCULPTURES AND DRAWINGS BY ROY LICHTENSTEIN ON VIEW AT MUSEUM LUDWIG

The halftone dots used by Pop maestro Roy Lichtenstein (1923-1997) are world famous. Taking motifs from the realms of comics and consumerism, Lichtenstein made paintings by piecing together dots and coloured surfaces. But a very different side of his work can be discovered at this exhibition in Museum Ludwig. Around 100 exhibits, chiefly large-scale paintings along with a number of sculptures and drawings, reveal his fascinating explorations of style through the history of art – from Expressionism and Futurism to Bauhaus and Art Deco. Lichtenstein even appropriated works by his artist heroes - Picasso, Matisse, Mondrian and even Dali - and interpreted them in an often ironic and cryptic manner using his own visual language.
Many of his early works are based on historic American paintings, such as by Benjamin West. But he also painted after such models as Picasso, Braque and Klee, who according to his own words he worked into an “expressionist Cubism”.
Indeed, Lichtenstein even continued his takes on Picasso later on, once he had already begun to work with the half-tone dots. In his hands, Picasso’s works became a kind of comic and received a character all of its own. Painting a work that clearly resembled Picasso was, according to Lichtenstein, a liberating act.
With his Perfect and Imperfect Paintings Lichtenstein wanted to create abstract works purely for their own sake. According to him, the idea was to let the line start at some point and then to follow it, thus allowing it to draw all of the shapes in the painting. In his “Perfect Paintings” the line ended at the edge of the canvas, while in the “Imperfect Paintings” the line went beyond the bounds of the canvas; this was in fact a humorous play on the idea of the “shaped canvases”, which were very popular in the 1960s.
Lichtenstein’s large-scale paintings from the series “Brushstrokes” show nothing more than gigantic, stylised, comic-like brushstrokes on canvas. This motif has great significance in the history of art: it is a symbol of painting or indeed art per se, and testifies to Lichtenstein’s reflections on paintings about painting.
Lichtenstein also reworked classic motifs, such as the Laokoon group using stylised brushstrokes, which he sometimes applied to the canvas with stencils and sometimes by hand using expressive gestures. The brush stoke became the dominant motif and superimposed itself on the subject. So once again, his actual theme was painting as such.
Apart from this, Lichtenstein also turned his mind to the classic genres of the still life and the landscape. His strongly simplifying style of painting allowed him to capture his subjects in a kind of cliché. Here again he continued to reference Picasso, as well as Matisse. And he also cited his fellow countrymen who specialised in marine still lifes. For his landscapes he took the background of comic drawings as his basis.
Museum Ludwig has the largest collection of American Pop Art outside of the USA, including numerous works by Lichtenstein. Prior to the exhibition, the Peter and Irene Ludwig Foundation has managed to acquire another large-scale work from Lichtenstein’s late period. The 2.80 x 1.30 m canvas from 1996 comes from a series of works inspired by Asiatic motifs. During the mid-nineties Roy Lichtenstein took a long look at Chinese and Japanese landscape painting.
After completing the Lichtenstein exhibition it is worth taking a tour round the permanent collection at Museum Ludwig, which presents fascinating cross-connections and comparisons with works by Léger and Picasso and even Kirchner and Dalí.
The exhibition was organised in close co-operation with the Roy Lichtenstein Foundation. It was shown from January till May in a different form in Milan’s “Triennale di Milano” under the title “Roy Lichtenstein: Meditations on Art”. It was curated by Gianni Mercurio, who has worked with Stephan Diederich for the exhibition at Museum Ludwig.
A documentary film on Roy Lichtenstein will also be shown at the exhibition containing hitherto unreleased material from international archives, as well as excerpts from Michael Blackwood’s film Roy Lichtenstein from 1976 and passages from interviews with Diane Waldman and Martin Friedman.

Website : Museum Ludwig

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Bron/Source : Artdaily

JEAN COCTEAU'S HOUSE AT MILLY-LA-FORET OPENS TO THE PUBLIC

Purchased in 1947 with Jean Marais, Jean Cocteau’s house in Milly-la-Forêt was the theatre of creation for his most important works. Born within these walls were the unforgettable words of Testament d’Orphée and Requiem, along with numerous paintings, drawings, and pastels. He lived the last seventeen years of his life here with his companion, Edouard Dermit. From the death of the poet in 1963 until 1995, the latter watched over the objects that had made up Cocteau’s daily surroundings.
With its ideal position near the town centre, the harmony of the buildings and gardens, and the aesthetic qualities of the property, Jean Cocteau chose to make his “refuge” a work of art in its own right, in keeping with his image, his reveries. Less than an hour from Paris, he created connections in Milly-la-Forêt between the space and his work, integrating set elements from his films – sculptures especially – into the gardens.
The Maison Jean Cocteau is an important expression of the artist’s tastes and private life, now offering the public, after five years of preparation, a perfect reconstitution of the bedroom, office, and main sitting room, which notably contains a masterly canvas by Christian Bérard. The renovations, led by architect François Magendie and the team of Dominique Païni-Nathalie Crinière (who organised the Jean Cocteau exhibit at the Centre Pompidou in 2003), also allow for the display of a selection of drawings from the Cocteau estate, which includes, in addition to the best of Cocteau, works by Picasso, Warhol, Modigliani, Buffet, Blanche, Man Ray... Photographs, manuscripts, letters, newspapers, and posters recall important moments from the life and work of Cocteau (film, theatre, music, childhood, adolescence, wars, friendships...). On the ground floor, a screening room shows films by and about the poet. Light dining is available under the pergola in the garden, and a museum shop concludes the visit.
The garden, orchard, and woodland (two hectares in all), entrusted to landscape architect Loïc Pianfetti, are also ideal places for the visitor to stroll. The main elements of this exterior are the omnipresent water, crossed by numerous footbridges, the colours of the flowerbeds (roses, peonies, lilies...), the fruit trees planted by Cocteau, and the neighbouring chateau.
Pierre Bergé, who holds the moral rights to Jean Cocteau’s work and is the president and patron of this project, acquired the property in 2002, with the support of the Ile-de-France Regional Council and the General Council of the Essonne department (both of which were also partners in the refurbishing), in order to create a place to remember and rediscover Jean Cocteau’s work. Just outside town, the Chapelle Saint-Blaise-des-Simples, with its frescoes by Jean Cocteau, houses his tomb. The opening of the Maison Jean Cocteau gives new resonance to his epitaph: “I remain with you.”

Website : Jean Cocteau

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Bron/Source : Artdaily

DUTCH MUSEUM EXPANSION PROJECT DESIGNED BY HANS VAN HEESWIJK UNVEILED

The preliminary design for the 22 million euro project 'Mauritshuis building for the future' was unveiled on June 22, 2010. The ambitious design links Plein 26, the art deco building opposite the Mauritshuis in The Hague which is part of the Nieuwe of Littéraire Sociëteit de Witte, with the museum by means of an underground foyer, thus doubling the square footage and increasing its potential. The project is expected to be completed by mid 2014.
Eminent Dutch architect Hans van Heeswijk's preliminary design, in which light and clarity are prominent, does justice to the international status of the Mauritshuis. The facilities will be expanded to include a new exhibition hall, an auditorium for lectures and conferences, and an education space. A new entrance will be created at the front of the building so visitors will fully appreciate its elegant façade. The shop and the café will also be refurbished.
'Mauritshuis building for the future' will increase public access to the best of Golden Age Dutch painting by creating more space and new opportunities. Emilie Gordenker, Director of the Mauritshuis: "The extension will prepare the museum for the requirements and demands of the twenty-first century, while retaining its characteristically intimate ambience."
The budget for the project is 22 million euros. The extension to the Mauritshuis has been made possible thanks to support from the Dutch Ministry of Education, Culture and Science, the BankGiro Lottery, touring exhibitions, private individuals, funds and institutions.
The timeline is as follows:
The preliminary design for the project 'Mauritshuis building for the future' is presented June 2010. The next step is the final design.
• autumn 2010 Final design
• early 2012 Begin construction at Plein 26
• spring 2012 Begin renovation of city palace
• mid-2014 Project completion
Mauritshuis
A city palace designed by Jacob van Campen, the Mauritshuis was built in the seventeenth century next to the Hofvijver in the heart of The Hague. Almost 400 years later, the Mauritshuis is a museum of international excellence. The renowned collection of seventeenth century Dutch and Flemish masters attracts more than 200,000 visitors annually from all over the world. Mauritshuis holds in its collection the Vermeer masterpiece “Girl with a Pearl Earring”.

Website : Mauritshuis

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Bron/Source : Artdaily

'AGAINST THE WALL' BY MARLENE DUMAS AT SERRALVES MUSEUM

Marlene Dumas is an artist whose work is widely acknowledged and highly respected for focusing the painterly practice on the bare necessities of accommodating the things to be painted – refraining from temptations to create aesthetic surplus value. At the same time she aims at some of the most crucial issues of contemporary life, namely the way human beings are identified and bound by categories such as race, gender, religion, family ties and their affiliation with a particular nation. Her work is personal and autobiographical, and at the same time comprehensive in its scope. Grown up in South Africa and living in Holland since 1976, the thinking of Marlene Dumas is deeply informed by her experience of apartheid. Many of her works take as their starting point political and social conditions of segregation, oppression and domination to explore the fragilities of existence, the difficulties of living together, feelings of fear and anxiety, desire and expectation, and the conditions of love and war.
Usually her paintings are based on photographs: Polaroids made by herself of people close to her, or press photos and imagery taken from the internet. From these photos individual figures, bodies or body parts are isolated and painted in a physical and sensuous manner designed not only to represent her subjects but to re-invest the photographs with a sense of the living body – a sort of reincarnation of the depicted bodies through the painterly touch. Dumas has written: ‘I have enormous respect for the photojournalists who risk their lives to show us what is happening in the here and now. I am not trying to improve their work. I am not a direct witness. I am a studio artist. I travel in my imagination, or should it be – I live in my imagination.’
The core of the exhibition ‘Contra o Muro’ consists of a body of work that has been shown for the first time in March 2010 at the David Zwirner gallery, New York, under the title ‘Against the Wall’. This title refers to the wall that epitomizes the Israeli/Palestinian conflict, the so-called ‘Security Wall’, but also the roadblocks in the occupied territories and the Wailing Wall. A set of seven large paintings shows people framed by walls, in one painting a Lebanese mother squatting next to an open grave with a photograph of her son in front of her, while the paintings Mind Blocks and Under Construction just show the bare constructions used to secure the Israeli domination of Palestine. Some paintings relate to each other in a grotesque way: Wall Wailing and Wall Weeping show Palestinians pushed against a wall, hands up, to be searched by the Israeli military in a raid in Jerusalem in 1967. Constructed from large stone blocks this wall resembles the Wailing Wall. The painting The Wall, on the other hand, shows orthodox Jews preparing for prayer at Rachel’s Tomb in Bethlehem before the ‘Security Wall’. Here, however, a first glance may assume the faithful to be standing next to the Wailing Wall. These paintings intimate an exchange between Palestinians and Israelis that points to their tragic interrelation and implements at the same time the power of painting to upset the reality of the obvious. Those are the first paintings of Marlene Dumas that feature the architectural environment determining people’s lives – constructions that promote the most painful separation – and they are the paintings that refer in the most unambiguous way to a specific political situation. Dumas expresses her protest against the wall between Israel and Palestine in the shape of works that not only depict walls but that are turned through painting into walls that confront the spectator. To emphasize the fact however that taking a political position is grounded in her struggle with the boundaries and possibilities of her chosen medium, Dumas has noted years ago, ‘As a couple needs a space to warm up to, / an image needs an edge to relate to, / and a painting needs a wall to object to.’ In her recent works Dumas seems to come upon ways to take her older statement literally.
Already in the New York show the paintings of walls were juxtaposed with more works of different sizes relating in a more or less straightforward way to a life under domination, e.g. the painting of a member of the military depicted as a huge silhouette watching over people crouching in front of him. As if in defiance to oppression another work depicts a boy waving in a gesture of desperation and expectation leaving undecided if he is to be considered a friend or foe. Through the title Living on your Knees, the culturally specific body language of a praying Moslem that signifies humility is self-consciously interpreted from the vantage point of the European culture as an expression of humiliation. Also there is a self-portrait of Marlene Dumas titled The Sleep of Reason. Referring to Goya’s renowned cycle of etchings titled Disasters of War, this work acknowledges the artist’s rootedness in European culture – her remoteness from the conflict she approaches through her imagination – and at the same time indicates her involvement in what she is painting to a degree where she assumes the position of the guilty part in something she cannot prevent or change. Also included are some of the rare still lives by Marlene Dumas, e.g. a bouquet of roses painted in dark colours as if to contradict the joyful connotation of flowers. The title of this work, Charity, points to concepts of sharing and caring – the reference to religious notions is obvious – and at the same time implies a reflection on the shortcomings of art itself that risks to be confined to a non-consequential if non-patronizing position. As much as the work of Marlene Dumas aims to be unequivocal in its protest against the specific construction of domination, it also includes the expression of suspicion of its own endeavour.
At Serralves the scope of the body of work that was exhibited in New York is broadened by carefully chosen paintings from the past decade that may be re-appreciated in the light of the works that form the exhibition ‘Against the Wall’. While in many cases the source material for these works relates to the Middle Eastern conflict, it has been painterly transformed into works expressing more general concerns of death, loss and sacrifice – the condition of the human being confronted with an adverse world. In the context of the present exhibition these works open up to a more specific reading: the political is revealed as a condition pervading the existential. A particular set of works is made up of the pictures of crying women, painted after the images of film stars in tears. When Dumas first painted these works she was grieving the loss of her mother: ‘So I made the (film)stars and the gods weep for her.’ In the show ‘Contra o Muro’, however, it can be felt that the stars are weeping also for all the people whose lives are destroyed in the conflict between Palestinians and Israelis.

Website : Serralves

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Bron/Source : Artdaily

LE JAPON DE L'ART BRUT

Reconnu par Lausanne, l'art brut nippon s'installe à Paris pour quelques mois. Nous offrant l'occasion d'une visite au cœur des ténèbres… souvent éblouie.

Si le monde (de l'art) est un village et si toute forme paraît devoir se résoudre dans le modèle unique du « contemporain », alors, l'art brut dit aussi outsider frappe à notre porte avec plus d'urgence encore. C'est un peu le message que délivrent soixante-trois créateurs japonais actuels réunis à la Halle Saint-Pierre sous la bannière de cet art plus aigu et plus interpellant d'être coupé du monde.

Ni la faveur des arts-thérapie, ni le succès des structures promises à leur mise en lumière, ni l'intérêt du marché n'ont eu raison, jusqu'à présent, de l'impérieuse singularité de tous ces dessins, peintures et objets qui exorcisent le mal-être en images et en solutions plastiques autonomes, parfois confondantes.

Sans doute la tendance actuelle est-elle de plébisciter la production des marginaux et des handicapés sans toujours différencier ce qui relève d'une sorte de scolarisation médicale et d'une authentique inspiration. N'empêche, la vitalité du « Brut » demeure et se manifeste quand elle est bien encadrée. En témoigne cette exposition étonnante à la Halle Saint-Pierre qui accueille des artistes nippons socialement et médicalement sur la touche, œuvrant à leurs poétiques élucubrations dans le secret de l'enfermement autistique et de la trisomie.
Un art brut vierge de tout effet de mode
On peut imaginer que le Japon, société codée et normalisée, où la maîtrise de l'émotion est le maître mot, regarde le concept même d'« art brut » avec une perplexité qui, à nos yeux, en accroît encore la nécessité. Et si le pays accuse un retard dans la reconnaissance de cette forme d'art, tant mieux. Car tout ce qui est montré ici, après avoir été pris en compte par des structures ad hoc sur place et relayé par la Fondation de Lausanne, émerge avec une force qui n'est pas toujours le fait de toutes les expositions d'arts marginaux touchés malgré tout par une forme de mode. L'apport nippon tel qu'il apparaît en ce lieu enrichit incontestablement le corpus sur lequel Dubuffet attira l'attention dans les années 40 après que Prinzhorn, au tournant du siècle, s'y fut intéressé le premier. Ce psychiatre, plus futé que les autres, avait constitué en collection de choc ces concaténations silencieuses, leur donnant des assises historiques, faisant passer à la postérité des noms désormais bien connus comme celui du Suisse Adolf Wölfli. Noyau dur, irréductible de la création humaine, l'art brut a évolué en bien des avatars, prétexte à de multiples débats, sans perdre, heureusement, sa force intrinsèque.
Ce qui surprend à Paris, c'est la variété des registres techniques et stylistiques, le peu d'incidence d'un contexte proprement japonais sur cette production. Logique, somme toute, puisque ces gens œuvrent à l'abri des influences. Leur univers participe d'une sorte de communauté des profondeurs et entre naturellement en relation avec ce que l'on connaît, ailleurs, au chapitre de l'art brut et même de l'art tout court.
A commencer par les étonnantes céramiques toutes hérissées de pointes du nommé Shinichi Sawada, si chargées de solaire angoisse qu'elles paraissent venir de la nuit du temps, croisant dans l'espace d'autres civilisations. A côté de ces figures hyperexpressives dont Shini Hirano et Yoko Kubota nous donnent un autre exemple en peinture, on trouve de fascinantes pages « abstraites ». Les tissus de Sanae Sasaki, par exemple, enchâssent des carrés brodés en gemmes colorés et les champs striés de couleurs vives de Michiyo Yaegashi, les très beaux pastels de Seiji Murata surprennent par leur raffinement, leur complicité avec des plasticiens avérés, les meilleurs, sans rapport avec l'art brut. D'autres œuvres, scrupuleusement figuratives, procèdent d'un crayon minutieux et inspiré telles les villes imaginaires de Yuji Tsuji vues à vol d'oiseau ou, dans un registre voisin, les immeubles nocturnes de Seiki Mitsuhashi, les alignements ferroviaires d'Hidenori Motooka… Bref, un foisonnement qui paraît couvrir tout le champ de l'art.
Comment ces artistes, par des voies propres à leur différence et à leur enfermement, rejoignent-ils ceux qui ont à leur actif tout un héritage et un enseignement ? Voilà une énigme qui n'est pas près d'être résolue !
Halle Saint-Pierre, à Montmartre, Paris, tous les jours jusqu'au 2 janvier 2011.

Website : Halle Saint Pierre

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Bron/Source : Le Soir

KONINKLIJK PALEIS IN AMSTERDAM TOONT INVLOEDEN SCAMOZZI

Het Koninklijk Paleis op de Dam in Amsterdam toont deze zomer de tentoonstelling Schoonheid op maat, de erfenis van Palladio en Scamozzi in de Gouden Eeuw.

De expositie gaat vooral in op de invloed van de Italiaanse Renaissance-architect Vincenzo Scamozzi (1548-1616) op de Hollandse bouwkunst in de Gouden Eeuw. Zijn theorie vormde de basis voor het ontwerp van het toenmalige stadhuis van Amsterdam, nu het Koninklijk Paleis, door architect Jacob van Campen.
Scamozzi stond aan de wieg van het Hollands Classicisme. Hij schreef het handboek L'idea della Architettura Universale (de grondgedachte van de universele bouwkunst), dat bekend staat als het meest complete werk op het gebied van toen eigentijdse toepassing van de antieke bouwstijl. Vooral zijn ideeën over zuilenvorming kregen veel navolging. Scamozzi werkte de rekenkundige benadering van zijn voorganger, architect Andrea Palladio, hierin uit.
Het boekwerk was erg belangrijk voor Nederlandse architecten. Door de vertaling naar het Nederlands werd het toegankelijk voor alle ambachtslieden. Het lag dan ook veel in werkplaatsen van bijvoorbeeld timmerlieden en metselaars. Vanuit het Nederlands werd het boek vervolgens vertaald in andere talen, zoals het Engels, Duits en Frans.
De Nederlandse diplomaat Constantijn Huygens was degene die Scamozzi in ons land introduceerde. Hij raakte door zijn bouwwerken geïnspireerd tijdens zijn reizen naar Italië en Engeland. De stijl van Scamozzi kenmerkt zich door harmonie en eenvoud. In tegenstelling tot Palladio bleef hij tot nu toe vrij onbekend. Veel Nederlandse architecten zagen Palladio echter als de voorloper van de échte leermeester.
In het paleis zijn originele tekeningen, maquettes, schilderijen en foto's van de architectuur en theorie van Scamozzi te zien. Niet alleen het Koninklijk Paleis heeft invloeden van de Italiaan, ook onder meer bekende gebouwen als het Mauritshuis en Paleis Huis ten Bosch kenmerken zich door Scamozzi's stijl.
De bezoeker van de expositie kan na het zien van het eerste deel het paleis verder verkennen en de invloeden van Scamozzi opzoeken. Ook is er een stadswandeling gemaakt langs classicistische panden. (ANP)

Website : Koninklijk Paleis Amsterdam

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Bron/Source : Parool

'DREAMLANDS' ENTRE UTOPIE ET CAUCHEMAR

Comment les expositions universelles et les parcs de loisirs fondent les ville de demain, au Centre Pompidou, à Paris. Grand frisson. Relevant du genre « sociologie et urbanisme », l'expo « Dreamlands » reposant sur des vidéos, des photographies parfois saisissantes, des installations et des professions de foi d'architectes postmodernes, mesure l'étendue des dégats au chapitre des liens que la ville contemporaine tisse avec le réel. Et le culte, parfois noble mais plus souvent abâtardi, qu'elle entretient avec le leurre, la fiction, le jeu, le détournement du monument historique vulgairement copié/collé, parfois, à des milliers de kilomètres du lieu d'origine. Une balade au royaume de l'utopie et du faux tantôt magnifié, tantôt aberrant comme la Venise de Las Vegas érigée au mépris des repères historiques et géographiques.
Ici, en Europe, la machine à défier le temps et l'espace géographique ne porte, la plupart du temps, que le doux nom de « façadisme » – pour désigner cette pratique qui consiste à évacuer toute trace d'histoire en dedans du bâtiment pour n'en conserver que la façade. Les magnifiques photos de Stéphane Le Couturier superposent plans et volumes en une rythmique qui témoigne de ces friches urbaines grignoteuses de mémoire.

Mais la cité du futur, en Europe, n'existe encore que sous forme de parcs de loisirs, de parcs à thème type Disneyland ou Lego, voire de village de vacances. Çà et là, pourtant, ces univers enclos censés satisfaire tous les désirs de leurs usagers se substituent à la ville réelle. Aux Etats-Unis, dans les Emirats, à Shanghai, ce sont des monuments entiers, des quartiers emblématiques et historiques qui ont été contrefaits dans le but de divertir les foules et d'activer la pompe à finances. Le constat, bien que riche en couleurs et en délires de toutes sortes, donne froid dans le dos. Car la ville de demain, qui se profile à l'horizon de plus d'un siècle d'évolution et qui, dans certains cas, existe déjà, pourrait bien devenir le tombeau, culturellement parlant, d'une humanité si acquise au choc et au kitsch du spectacle qu'elle s'en oublierait elle-même, niant le monde alentour. A Las Vegas dont l'exposition nous conte l'histoire et qui fut à l'origine une bourgade agricole créée par les Mormons, des architectes ont singé Venise et aussi la pyramide de Gizeh, le Sphinx, la tour Eiffel... aux flancs de grands hôtels. Le succès de Dubaï, même en temps de crise, se mesure en chiffres exponentiels de visiteurs, en démesure des prestations capables de délivrer tous les plaisirs à tout moment. C'est peu dire qu'entre ces ville artificielles et nos villes-musées, on est mal pris!
Le monde sous cloche
Conçue comme un îlot futuriste elle-même, l'expo retrace la filière. Les parcs d'attractions comme Coney Island et les Expositions universelles, d'abord pédagogiques, ont donné l'impulsion à ces cités du futur en mettant le monde sous cloche, à disposition de tous. Et la croissance autrefois galopante, le scientisme, la célébration du « plaisir populaire » et du don d'enfance ont fait le reste. Avec un passage obligé par les parcs à thèmes, par la ville Celebration imaginée par Disney lui-même et la bénédiction d'architectes progressistes et d'artistes. Salvador Dali, hier, Aldo Rossi, aujourd'hui, désireux de réenchanter le monde ont contribué à forger l'utopie. L'expo évoque le pavillon conçu par Dali pour l' expo universelle de 1939 a New York, une métaphore érotique qui a bien vieilli, relayée par d'autres interventions artistiques plus critiques et contemporaines comme la séquence des frigos gratte-ciel singeant la féchitisation des objets.
Utopies parfois belles et délirantes, signées de grands noms, elles furent nécessaires pour faire évoluer la conception de la ville. Mais les dérives, hélas, sont toujours les plus fortes. les photographes, Martin Parr et Reiner Riedler traduisent l'échec en images choc, campant le chromo au cœur même du rêve.

Centre Pompidou à Paris, jusqu'au 9 août, sauf mardis.

Website : Centre Pompidou

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Bron/Source : Le Soir

GIACOMETTI & MAEGHT 1946 - 1966

La Fondation Maeght accueille du 27 juin au 31 octobre l'exposition Giacometti & Maeght 1946-1966

Une rétrospective qui montre l'oeuvre du sculpteur et peintre en la replaçant dans le contexte de sa relation avec la famille Maeght, dont il était un intime.170 oeuvres, 90 sculptures et peintures ainsi que plus de 80 dessins, gravures, photographies et documents sont donc à voir à la célèbre fondation de Saint-Paul de Vence (Alpes-Maritimes).
Alberto Giacometti (1901-1966) a été l'ami de la famille d'Aimé Maeght (1906-1981) pendant vingt ans et a participé à la création de l'espace de la fondation du même nom.

L'exposition met l'accent sur cette amitié.

Giacometti & Maeght 1946-1966, Fondation Maeght, 06570 Saint-Paul-de-Vence.

Ouvert tous les jours .

1er juillet-30 septembre: 10h-19h, après le 1er octobre: 10h-18h

Website : Fondation Maeght

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Bron/Source : France 2