RONDDWALEN TUSSEN ANNES SPULLEN

Het is niet langer nodig om uren in de rij te staan voor een bezoek aan het Achterhuis in Amsterdam waar Anne Frank tijdens de Tweede Wereldoorlog ondergedoken zat. Het pand op de Prinsengracht 263, dat jaarlijks een miljoen toeristen, dagjesmensen en andere geïnteresseerden trekt, is vanaf heden ook online te bekijken met een virtuele tour.
Koningin opent dagboekzaal Anne Frank Huis
De virtuele vleugel, gecreëerd ter ere van het 50-jarige bestaan van het Anne Frank Huis als museum, werd officieel geopend door koningin Beatrix.
Gebruiksvoorwerpen
Anders dan in het museum zelf, zijn de kamers van het 3D Achterhuis ingericht met meubels en gebruiksvoorwerpen uit de onderduiktijd. Zo zijn in Annes kamer het bureautje met dagboek en plakplaatjes aan de muur te zien.
Na de oorlog wilde Otto Frank dat de kamers van het museum leeg zouden blijven, om de leegheid aan te tonen die de weggevoerde onderduikers achterlieten.
‘We willen laten zien hoe het mogelijk was voor Anne Frank en de anderen om hier onder te duiken’, zegt Ita Amahorseija, programma manager van de virtuele vleugel. ‘Zonder dekmantel van de specerijenfabriek Pectacon en Gies & Co was dat niet mogelijk geweest. Dus krijg je bijvoorbeeld het magazijn te zien met de grote fietskar en de baktafels.’
Labyrint
Bezoekers kunnen in 3D het labyrint van gangen en trappen in het voor- en achterhuis zelf ervaren. Daarbij zijn, in tegenstelling tot in het museum, ook het privékantoor van Otto Frank en de zolder, inclusief uithangende was, toegankelijk.
Tijdens de virtuele tour moet de bezoeker vooral de sfeer van de onderduikperiode kunnen proeven. Fragmenten uit het dagboek worden voorgelezen door de Nederlandse actrice Nyncke Beekhuyzen en de Britse actrice Ellie Kendrick, bekend van de BBC-serie The Diary of Anne Frank.
Het Anne Frank Huis is niet bang dat er minder bezoekers komen door de virtuele vleugel.
Met een miljoen bezoekers per jaar bereikt het museum de grenzen van zijn dagelijkse bezoekerscapaciteit. De virtuele tour is echter vooral bedoeld voor mensen die te ver weg wonen of die fysiek niet in staat zijn om het museum te bereiken.

Website : Anne Frank

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Bron/Source : de Volkskrant

MUSEO PICASSO IN MALAGA PRESENTS A NEW APPROACH TO ITS PERMANENT COLLECTION

Museo Picasso Málaga presents a new approach to the artworks by Pablo Picasso that belong to its permanent collection, highlighting the wide range of themes the artist tackled during his prolific artistic career.
As from Tuesday 27th April, and again, with a second installment, as from Tuesday 20th July, visitors will be able to discover the MPM collection’s new layout. Until October of this year, the public will be able to view all 233 works that make up the museum’s entire art holdings following its recent expansion, in two separate installments.
A New Approach is the follow-up to the project for the expansion and consolidation of the MPM’s art holdings, after the creation of the Fundación Museo Picasso Málaga. Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso.
This process will culminate in October, when the collection will once again be shown alongside the works on free loan from the Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte ( FABA). This presentation coincides with the publication of a guidebook which contains information and a number of brief essays on the MPM, as well as the full catalogue of the MPM permanent collection’s art holdings, and ten academic studies on its ten most representative artworks. “Among the various sins of which I am accused, none is as false as the one that which states my work is fundamentally driven by a spirit of research. My objective when I paint is to show what I have found, not what I am looking for. In art, intentions are not enough and, as we say in Spanish: obras son amores y no buenas razones (actions speak louder than words). What matters is what one does, not what one intended to do”. This was how Pablo Picasso defined the purpose of his art. He tackled his work with talent, hard work, precise technique and, above all, indomitable creative freedom.
By presenting its permanent collection in this way, the museum is providing a storyline to the artist’s work; a fresh approach to the discoveries that led Picasso to be considered the most important artist of the 20th century. With this in mind, Museo Picasso Malaga is inviting visitors to examine ten key features of Picasso’s aesthetic legacy.
For the very first time, visitors to MPM will be able to view the new artworks that have been made available by the recent expansion of the permanent collection, some of which have rarely been shown in public before. The inclusion of these works has been made possible thanks to the commitment of Christine, Almine and Bernard Ruiz-Picasso, and the support of the Junta de Andalusia’s Cultural Council following the creation of the Fundación Museo Picasso Málaga. Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso.
A Themed Layout
Now, the halls of the Palacio de Buenavista will highlight the diversity of the themes dealt with in Picasso’s artworks: his relationship with Malaga; the versatility of his talent; his concern for underprivileged members of society; the family; the Cubist revolution; his political engagement; his reinterpretation of the Classical genres; the Eros-Thanatus binomial; the artist’s studio, and his ability to carry out creative processes.
Works on paper constitute a significant part of the MPM’s holdings, so for reasons of space and conservation these works will be presented in two installments: the first part can be viewed from Tuesday 27th April, and the second part will be shown to the public as from 20th July.
To coincide with this presentation, MPM is publishing a guidebook containing information on the museum: its background, the history of the collection, the artworks and highlights, and the architecture and archaeology of the Palacio de Buenavista. One of the leading international experts on Picasso’s work, Marilyn McCully, has collaborated in this publication. The new guidebook, which has been published in both Spanish and English, is on sale at the MPM Bookshop, and may be consulted for reference at the MPM Library.
MPM is also offering a series of tours of the collection to local groups. These tours will be led by various people involved in Malaga’s cultural life, and are aimed at encouraging discussion of art, expression, and the work of Pablo Picasso
This new layout of the Museo Picasso Malaga’s permanent collection is on view until October of this year, when the MPM’s art holdings will once again be shown alongside the 43 works that are on free loan via a 15-year contract with the Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte ( FABA). These works by Pablo Picasso would have been impossible to purchase under market conditions. Other works on loan or on long-term deposit will also be on display, such as the ones owned by the Spanish Ministry of Culture, for example, which purchased two works in order to deposit them at MPM, thanks to a donation from the Spanish savings bank, Unicaja.

Website : Museo Picasso Malaga

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Bron/Source : Artdaily

ARTIST JEFF KOONS PRESENTS HIS CRACKED EGG SCULPTURE AT THE PINCHUKARTCENTRE

Photo-Efrem Lukatsky

The PinchukArtCentre à Kiev presents a major international group exhibition with 19 leading artists of our time, devoted to Sexuality and Transcendence as a central theme of contemporary art. On view from April 24, 2010 through September 16, 2010 the exhibition examines the diversity and complexity of the art produced on this theme today.
The show displays the sparkling dialogue of various artistic approaches in the tension field between the two extremes of raw sexuality and a sublime transformation into transcendence. Featuring loans from both artists’ studios and private collections the exhibition includes nineteen major work groups with a total of 150 individual works in twenty rooms on four floors of the PinchukArtCentre. Many works have never been shown publicly before.
The staircases of the building are used as art spaces for the first time with installations by Jenny Holzer. In addition, for the first time ever, the PinchukArtCentre utilised the historical Bessarabskiy market hall located opposite for an eighty-meter-long frieze by AES+F.
Inspired by the great affinity to the exhibition theme and for the PAC as a leading institution for contemporary art all of the artists created special contributions partly in the form of new productions, of a special reappraisal of existing works or the selection of rare most recent work groups that have never been displayed as part of a major international exhibition.
Jeff Koons’ Balloon Rabbit a monumental sculpture from his famous celebration series will has his world premier at the PAC together with other key works created over twenty years. ‘Sexuality combines the idea of a world of subjective emotional references, a world of the instant, of anticipation, of desire and becoming and of orientation and disintegration as well as the extremes of destruction and violence. Sexuality is associated with an image of the real, of warmth and intimacy, whereas transcendence implies a world beyond reality. The concepts of spirituality and transformation predominate the latter, a sophisticated consciousness far from any purely subjective object-relatedness’ — Eckhard Schneider, the General Director of the PinchukArtCentre and the curator of the show.
The issue of sexuality and transcendence touches on a fundamental conflict in art in general because, beyond mere appearance, behind it hides the general question of the relationship between reality (life) and imagination (image). And so the relationship between form and vision becomes a crucial issue for any artist dealing with sexuality and transcendence. Which direction is a particular work going for? Does it answer the challenge with a praise of distance (form/transcendence) or with a demonstration of intimacy (life/sexuality)? The answers to these questions are so varied because, in addition to the paradigms inherent in the theme, the concept of desire is of central importance here. The general idea is kept open, both in respect of a desire for an ideal mental clarity, intellectual penetration and clarified form, and in respect of a desire for an ideal of realism, emotional directness and dissolution of form. Something Janus-like clinging to desire means that the two poles of sexuality and transcendence can be reflected within each other. The desire for the two things, sexuality and transcendence, dominates our existence; it is the driving force behind our earthly performance and, especially for artists, the search for an appropriate form. The exhibition presents nineteen work groups with a total of 150 individual works in twenty rooms on four floors of the PinchukArtCentre. The staircases of the building are used as art spaces for the first time with installations by Jenny Holzer; the central stairwell features an in-situ piece with her famous texts from the series Inflammatory Essays and a second staircase houses a work with LED. In addition, for the first time ever, the PinchukArtCentre utilised the historical Bessarabskiy market hall located opposite for an eighty-meter-long frieze by AES+F, a group of artists from Moscow. With its intense sociocultural flavour and distinctive architecture, this historical site, which is of great importance for Kiev, provides an ideal public counterpoint to the artistic message propagating a new hybrid aesthetic of fusion.
Inspired by their great affinity for the exhibition theme and for the PinchukArtCentre as a leading institution in contemporary art, all of the artists decided to create some special pieces, partly in the form of new productions such as those by, amongst others, Anish Kapoor, AES+F, Cindy Sherman, Matthew Barney and Elmgreen & Dragset; of a special reappraisal of existing works by Paul McCarthy, Richard Prince, Boris Mikhailov and Takashi Murakami; or the selection of rare or recent work groups that have never been displayed as part of a major international exhibition before. These last include pieces by Louise Bourgeois, Hiroshi Sugimoto, Sarah Lucas, Annette Messager and Illia Chichkan. This allows the PinchukArtCentre exhibition to present arguments that are totally relevant to our own times.
Jeff Koons takes a key role in the exhibition with a comprehensive presentation of works from the last twenty years. Spread over three different floors of the PAC building, they form the backbone of the exhibition. A total of ten key works, six sculptures and four paintings from the series Made in Heaven, Celebration, Popeye, Hulk Elvis are on display. Highlights of this selection are the early icon Rabbit, the sculptures Cracked Egg and Blue Diamond from the Celebration series and the world premiere of the first version of Balloon Rabbit, an astonishing new creation, surely becoming an icon like his key early work. Koons’ contribution thus acts like a mini-retrospective on the theme that forms the core of his whole oeuvre, namely, the ambivalent relationship between sexuality and transcendence.
This is where the driving force behind Koons’ work has always been, especially when he transforms everyday objects into works of art by exaggerating brilliant surfaces, which then become both objects of trust and desire. This association of self-affirmation and acceptance in the reflection of one’s own desire for beauty and perfection defines Koons’ work as the perfect synonym for the ideal of a ubiquity of sexuality and transcendence.

Website : PinchukArtCentre

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Bron/Source : Artdaily

PASCALE MARTHINE TAYOU A LILLE

A Lille, Pascale Marthine Tayou invite à se perdre dans une exposition labyrinthique. Mêlant comme jamais ses influences occidentales et africaines, il invente un monde reflet du nôtre. Avec humour, intelligence et talent, il captive le visiteur et suscite une multitude de questions.Deux couloirs tracés en blanc sur le sol de l'ancienne gare Saint-Sauveur. Deux pistes de 100 mètres pour un duel avec soi-même ou avec tout adversaire prêt à relever le gant… C'est avec cet amusant défi que démarre l'exposition Traffic Jam de Pascale Marthine Tayou.

Une entrée en matière en ligne droite. Tout l'inverse de ce qui va suivre. Comme l'indique le titre Traffic Jam (Embouteillage), on plonge ensuite dans un chaos géant où le visiteur peut se perdre et découvrir les œuvres en toute liberté.
« Ce titre est d'abord lié à la gare elle-même, explique l'artiste camerounais, installé à Gand depuis de nombreuses années. Une gare, c'est un lieu de croisement, de rencontres, de frottements dans la foule. Je voudrais que cette exposition soit cela aussi. Et puis qu'elle soit également la révélation de moi-même dans le regard des visiteurs. »
Rencontrer, découvrir, se dévoiler à l'autre et faire en sorte que l'autre se dévoile : voici quelques-uns des moteurs de cet artiste qui prétend ne pas vraiment l'être. « Je ne suis pas un artiste. Je me révèle à vous, comme je suis. C'est tout. » On le retrouve pourtant depuis plusieurs années dans les plus grandes collections privées et publiques, dans toutes les grandes manifestations d'art contemporain et, en ce moment même, à Art Brussels et au BPS 22 à Charleroi, dans l'exposition « One shot ! ».
Là comme à Lille, il a directement travaillé en lien avec le lieu et la thématique qu'engendre celui-ci. Pour la gare Saint-Sauveur, il présente une dizaine d'œuvres nouvelles et plusieurs grandes installations déjà présentées dans diverses manifestations comme le formidable Human being@work, découvert à la biennale de Venise. Ce mariage de matériaux les plus basiques (bois, corde, etc.) et de vidéos crée un village mondial entièrement réagencé dans le décor de la gare. « Les gens qu'on voit sur ces films, je les rencontre aux quatre coins du monde tandis qu'ils sont au travail, d'où le titre de l'installation. Pendant qu'ils parlent, ils font ce qu'ils ont à faire. Et je fais mon boulot de mon côté. »
Des images et des mots
Dans la foulée, on découvre une nouvelle installation : les Flâneurs de Montreuil. Une série de personnages flanqués de valise. « Ce sont des gens qui arrivent quelque part. Où peut-être qui ont voulu partir à travers le monde, devenir des explorateurs. Mais on les qualifie d'immigrés. »
L'exil, l'identité, le voyage, la place de chacun dans le monde sont quelques-uns des thèmes abordés par Pascale Marthine Tayou dans son travail. On les retrouve à travers une série d'étonnantes statuettes africaines en cristal mais aussi dans un gigantesque luminaire en sacs plastiques et à diverses installations renvoyant aux clichés sur l'Afrique. D'autres pièces s'inspirent de dessins de la fille de l'artiste, du syncrétisme propre à sa mère (« Elle n'a jamais quitté son village mais c'est l'être le plus global que j'ai jamais rencontré ») ou d'un incident au cours duquel son épouse brisa un écran de télévision. L'artiste en a fait une œuvre intitulée Ceci n'est pas un Pistoletto, en référence aux miroirs brisés géants de ce dernier. « Mais attention, précise-t-il en souriant. Ce n'est pas un hommage à Pistoletto. C'est un hommage à ma femme. »
Pour chaque pièce, il délivre une anecdote, une histoire qu'il conte avec un talent fou. Les titres permettent aussi d'aller au cœur du propos comme dans Bling Bling Family, Le monde tourne, Jpegafrica (à propos des clichés sur l'Afrique) ou encore Subprime montrant des ballons de baudruches entassés dans une sculpture africaine et d'autres éclatés, jonchant le sol.
« C'est une expo où chacun à la possibilité de devenir son propre tube à essai. Ce que je dis, c'est ce que je pense. Mais je ne suis pas différent de vous. Je suis comme vous, une partie de vous. C'est d'abord une aventure humaine. »
Joyeux mais interpellant, mystérieux, envoûtant, plein d'humour, questionnant le visiteur sur sa vision du monde, de l'autre, de lui-même, Traffic Jam est un parcours formidable à effectuer dans n'importe quel sens et selon son propre rythme. Une vraie rencontre.
Jusqu'au 13 juin à l'ancienne Gare Saint-Sauveur de Lille, entrée gratuite.

Website :www.lille3000.com .

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Bron/Source : Le Soir

KING TUTANKHAMUN RETURNS TO NEW YORK AFTER MORE THAN 30 YEARS FOR LAST LEG OF U.S. EXHIBIT

More than 30 years after King Tut's last visit to New York, the golden boy is back. "Tutankhamun and the Golden Age of the Pharaohs," runs to 2 january 2011, contains more than 130 rare artifacts, twice the number of treasures shown in the 1970s exhibit.
It includes items used for royal burial practices and daily life in ancient Egypt, King Tut's viscera coffin, containers for the boy king's mummified liver, his chariot and an exhibit explaining new DNA and medical techniques that may unlock more discoveries about the Pharaoh's royal family and how they died. "
Maybe in one month, by the end of May, we will be able to announce the rest of the family of Tutankhamun," Zahi Hawass, secretary general of Egypt's Supreme Council of Antiquities, said Wednesday.
Hawass, a world-renowned archaeologist, announced new discoveries in February about Tut's family tree and his cause of death. A new replica of King Tut's mummy will also be on view in the exhibit.
The actual mummy recently underwent a CT scan as part of a five-year Egyptian study. The research revealed that damage to Tut's skull occurred after his death, making past theories of murder unlikely.
Recent DNA tests also showed that the boy king suffered from malaria and may have died from complications from a broken leg.
A generation ago, the last Tut exhibit at the Metropolitan Museum of Art attracted 1.8 million visitors before closing in 1979, setting off a craze popularized by a hit song by comedian Steve Martin.
"Tut mania is back," said Mark Lach, creative director of the exhibit at the Discovery Times Square Exposition.
During a press viewing Wednesday, Hawass revealed that he was not happy about new venue, calling it "too commercial." He said he preferred to have the exhibit at the Metropolitan Museum of Art.
John Norman, president of Arts & Exhibitions International, said New York was one of four cities considered for the Tut exhibit, and the Times Square location was picked in part due to economic, pragmatic and security concerns.

Website : King Tut

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Bron/Source : Artdaily

FIRST MAJOR EXHIBITION TO EXAMINE ANDY WARHOL AS EN ARTIST AND ENTREPRENEUR

The Indianapolis Museum of Art announced that this October it will premiere the first major museum exhibition to comprehensively examine Andy Warhol’s lifelong investigation of the themes of commerce, consumerism, reproducibility and the business of art making.
Andy Warhol Enterprises will demonstrate the enormous diversity of Warhol’s significant body of work, featuring more than 100 works in a wide range of media, including paintings, drawings, sculpture, film and video, as well as an extensive selection of archival materials. The exhibition opens Oct. 10, 2010 and will be on view in the IMA’s Allen Whitehill Clowes special exhibition gallery through Jan. 2, 2011.
To help manage his highly successful career as a commercial illustrator, Warhol formed Andy Warhol Enterprises, Inc. in 1957. The aesthetic approach, techniques and business acumen he developed during that time informed his artistic production from the early 1960s until his death in 1987. Throughout his career as an artist, filmmaker, “Factory” director, band manager, magazine publisher and television entrepreneur, Warhol intentionally blurred the line between art and commerce, slyly calling into question the very values of art itself in such statements as, “Good business is the best art.”
“Though perhaps best known for his veneration of celebrity, Andy Warhol also spent a large part of his career exploring and developing themes related to money and commerce,” said Maxwell L. Anderson, The Melvin & Bren Simon Director and CEO of the IMA. “With our society’s focus on the economy and material excess, this exhibition is timely in its exploration of issues that will resonate with Americans today. We are pleased to be able to present this important exhibition with the support of our cultural partner, PNC.”
The majority of works in the exhibition will be on loan from The Andy Warhol Museum in Pittsburgh. PNC has a long-standing relationship with the Warhol Museum and, recognizing the value of this cultural asset, has taken leadership in supporting Warhol exhibitions at the Naples Museum of Art and the Corcoran Museum in Washington, D.C. Andy Warhol Enterprises also will feature a number of loans from other institutions and private collections around the country. “PNC is partnering with the IMA to present this unique and thought provoking collection showcasing Warhol’s talent as a way to enrich our local art community,” said Stephen Stitle, PNC regional president for Indiana. “The appeal of Warhol’s work spans generations, and this comprehensive exhibition will attract art lovers, families and visitors from across the Midwest.” The exhibition will examine works from each of the major decades of Warhol’s artistic career, from his commercial illustrations and shop window designs of the 1950s, to his groundbreaking paintings and sculptures of consumer products and celebrities of the 1960s, to his commissioned portraiture and entrepreneurial ventures into various media such as magazines, film and TV in the 1970s and 1980s.
“Over the course of his career, Andy Warhol transformed contemporary art,” said Tom Sokolowski, director of The Andy Warhol Museum in Pittsburgh. “Employing mass-production techniques to create works, Warhol challenged preconceived notions about the nature of art and erased traditional distinctions between fine art and popular culture.”
Among the highlights of the exhibition are examples of Warhol’s influential series of Dollar Bill silkscreens from 1962, which represented his fascination with money, while also introducing the method of silkscreen that would become his signature technique. Iconic works that address themes of consumerism, such as his 1962 Campbell’s Soup Box sculpture and examples of his Brillo Box sculptures of 1964 will also be included. A selection of eleven paintings from his Dollar Sign series of 1981 will also be featured, in which Warhol celebrated this emblem of commerce in highly varied styles and palettes.
“According to IMA exhibition curators Sarah Urist Green, associate curator of contemporary art, and Allison Unruh, assistant curator of contemporary art, “Warhol was visionary as an artist, but also as an entrepreneur – his creative ventures fused the worlds of art, fashion, design, music, television and film, and represented a truly innovative approach to the cultural economy. In both his art and his life, Warhol raised thought-provoking questions about the intersection of art and commerce, and his investigation of such issues is still at the heart of much contemporary art practice today.”

Website : The Indianapolis Museum of Art

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Bron/Source : Artdaily

TEL AVIV MUSEUM OF ART PRESENTS EXHIBITION INCLUDING DEGAS' 74 KNOWN BRONZES

Previously deemed a sentimentalist, mostly immersed in the world of dance and the stage, Edgar Degas (1834-1917), one of the foremost artists active in Paris in the late 19th century, has recently been rediscovered as an artist of unusual intellectual power. His profound interest in capturing the "spirit of the time" while meticulously scrutinizing the everyday—concurrent with confrontation of the lessons learned from the great masters of the past—enabled him to formulate trailblazing insights pertaining to the visual arts as well as to the social and gender orders of the time. Degas employed a wide range of techniques: he drew, painted in oil and pastel, experimented with etching and monotype, sculpted in wax, photographed, and even wrote sonnets. His entire oeuvre attests to the close affinity between his two- and three-dimensional work, indicating to what extent his sculpture complemented and enriched his painting, just as much as his painting made possible, perhaps even demanded, the sculptural practice. The exhibition focuses on Degas' sculpture. It presents all of his 74 known bronzes in a new edition, whose casting was made possible following the recent discovery (in 2004) of plasters made by Degas' close friend, sculptor Paul-Albert Bartholomé, from the artist's original wax sculptures, with his knowledge and consent. Degas' body of sculptural work is divided into thematic units here, focusing on major themes in his oeuvre: dancers performing on stage, dancers backstage, women, bathers, horses and riders, and heads. All the sculptures are courtesy of the Degas Sculpture Project Ltd., excluding The Little Dancer, Aged Fourteen (private collection); the curators of the Degas Sculpture Project Ltd. are Walter F. Maibaum and Carol Conn.

Website : http://www.tamuseum.com/

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Bron/Source : Artdaily

CONTREFACON, LA VRAIE EXPO QUI PARLE DU FAUX

Manifeste anti-contrefaçon, elle se tient du 20 avril 2010 au 13 février 2011 à la Cité des sciences et de l'industrie

Cette exposition citoyenne et pédagogique aborde un phénomène de société qui nous concerne tous : chaque consommateur est tour à tour acteur, témoin, complice ou victime de copies.Le site internet dédié à l’exposition www.cite-sciences.fr/contrefacon
La contrefaçon est partout, difficilement décelable, et menace notre santé et notre sécurité. L’exposition dévoile la diversité et l’importance de la contrefaçon, ses enjeux géopolitiques et juridiques. Elle décrypte des pratiques en expansion favorisées par le développement des réseaux numériques, la mondialisation de la production et de la distribution de biens. Elle révèle les menaces économiques et sanitaires sérieuses qui l’accompagnent, ainsi que les moyens de lutte mis en œuvre. « Contrefaçon » sensibilise enfin au droit de la propriété intellectuelle, à la protection de la création et de l’innovation.Proposée par l’Institut national de la propriété industrielle (INPI) et le Comité national anti-contrefaçon (CNAC), l’exposition bénéficie du soutien de nombreux partenaires : l’Union des Fabricants (UniFab), la Douane, des organismes institutionnels et des entreprises. Ils témoignent qu’aucun secteur d’activité n’est épargné par la contrefaçon, offrent des exemples multiples et variés de produits contrefaits, et révèlent comment la contrefaçon profite au crime organisé et aux associations terroristes.
Cette exposition conçue par la Cité et l’architecte-muséograhe Zette Cazalas (agence Zen+dCo), prend la forme d’une installation artistique en trois dimensions.L’espace est ouvert sur quatre thèmes développés en quatorze cubes mettant en scène de nombreux objets et iconographies, comme autant d’objets de réflexion et de dialogue. Les paroles d’experts, les visuels géants, les objets, les audiovisuels, les manipulations portent et mettent en perspective le propos sur la contrefaçon :

Les quatre thèmes de l'exposition

L’exposition est un espace ouvert, scindé en quatre zones thématiques. Chaque thème est identifié par un pylône introductif surmonté de néons monumentaux : des lettres capitales lumineuses de 3 à 4 mètres de long. Les pylônes présentent l’éditorial du thème développé, localisent les cubes numérotés concernés par le sujet et proposent les « paroles des experts » en libre écoute.Les 14 cubes de 2,5 m sur 2,5m en aluminium blanc sont tous différents, jouant avec les volumes, les trois dimensions, les éclairages, les sons, les iconographies (photos formats géants), le graphisme coloré, la typographie et la mise en scène des objets...Prologue
Contrefaçon coupable ou copie légale ? À qui profite le faux ? Qui est lésé, qui est abusé ? Sommes-nous des victimes ou des complices de l’industrie du faux ? Question de choix ? Non, questions de droit, questions d’argent et d’argent sale… Parfois même question de vie et de mort…
Cube 1 : le mot juste
Cube 2 : Hier / Aujourd’hui
Pourquoi copier ?La nature copie. Nous copions pour apprendre, transmettre, conserver, jouer, … Autour de nous, les faux, les imitations, les reproductions sont foisons. Mais si certaines copies sont légales, souvent copies et contrefaçons nous abusent et enfreignent les lois !
Cube 3 : Nature et copie
Cube 4 : Reproduire : diffuser
Cube 5 : Contrefaire = abuser
Cube 6 : Les faux dans la maison
Garantir l’authentique
Affirmer le lien entre un créateur et son œuvre, garantir l’authenticité d’une marque, la qualité et l’origine d’un produit, c’est informer. C’est aussi reconnaître aux auteurs des droits sur leurs créations grâce à la propriété intellectuelle et ses deux composantes :
- la propriété littéraire et artistique, qui protège les œuvres de l’esprit,
- la propriété industrielle, qui protège les innovations technologiques, les marques, le design.
Aujourd’hui création et innovation sont un enjeu majeur du développement économique, un moteur de croissance pour les entreprises.
Cube 7 : Œuvres & auteurs
Cube 8 : Tous créateurs
Cube 9 : Propriété industrielle
Cube 10 : Et demain ?
Combattre le faux
La contrefaçon, c’est le viol des droits de la propriété intellectuelle. Elle profite illégitimement des investissements réalisés par les titulaires des droits. Elle met en danger les droits du travail, la sécurité des consommateurs, l’économie en général. La lutte internationale contre la contrefaçon s’organise.
Cube 11 : Contrôle > produits
Cube 12 : Avoir l’œil
Cube 13 : Produits à la trace
Cube 14 : Sur les étals
La Contrefaçon, le vrai livre qui parle du faux
Un livre est publié à l’occasion de l’exposition, La Contrefaçon, le vrai livre qui parle du faux, coédité par universcience éditions avec les Editions Palette… Parution : mai 2010. Informations : livre broché, 170 X 250, 48 pages, à partir de 12 ans, 13 euros.Le faux et les contrefaçons nous envahissent. Les vêtements, les parfums, les œuvres d’art, mais aussi les aliments, les médicaments… la liste est sans fin. C’est un fléau mondial qui touche tous les domaines. C'est le premier livre documentaire sur ce sujet pour les jeunes lecteurs, avec une approche concise et claire de ce problème complexe que même les adultes sont loin de maîtriser. Sous-tendu par une abondante iconographie et une maquette attractive, il ouvre des pistes de réflexion sur les incidences de cette pratique peu recommandable, que l’on soit producteur ou consommateur. Ils seront sensibilisés aux nuisances, voire aux dangers, d’actes d’achat ou de piratage qu’ils croient pourtant banals, aux implications de cette économie parallèle qui relève souvent du grand banditisme… Ils seront initiés aux notions de droit d’auteur, de propriété industrielle, de brevet… Bref, tout ce qu’il faut pour « acheter responsable ». Un ouvrage de sensibilisation non moralisateur sur un sujet tant social qu’économique. Un livre qui apprend à reconnaître le vrai du faux avec un œil d’expert.L’auteur : Olivier Quezada, après plusieurs années passées au Conservatoire national des arts et métiers, et notamment à la tête des réserves du Musée des arts et métiers, il se consacre à l'édition et l'écriture dans les domaines de la vulgarisation scientifique et de la communication technique.
Le sommaire :
- Introduction : « Le règne du faux » ; « Copier, c’est toujours mal ? »
- 1er chapitre : L’imitation ou la technique du caméléon (« Tu as vu mes Adidsa ?» ; « La grande illusion » ; « Drapeau noir sur le multimedia »)
- 2e chapitre : Qui l’a fait ? Et comment ? (« Un droit pour les auteurs » ; « Et Molière, il touche des droits ? » ; « Ce que j’invente, c’est à qui ? » ; « Des brevets pour tout ? » ; « Un monde de marques »)
- 3e chapitre : Les gendarmes et les voleurs (« A qui profite le crime ? » ; « Gare au faux médicament ! » ; « Sus aux contrefacteurs ! » ; « Et si on achetait responsable ? »)
Expo, mode d'emploi
Exposition temporaire de 600 m², en français et en anglais accessible à tous les publics en situation de handicap à la Cité des sciences et de l’industrie. 30, avenue Corentin-Cariou. 75019 Paris.

www.cite-sciences.fr/contrefacon

Bron/Source : France 2

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STATE OF ART SINCE 1560 : ANNIVERSARY EXHIBITION IN THE DRESDEN RESIDENZSCHLOSS

The Staatliche Kunstsammlungen Dresden celebrate a remarkable anniversary. But we are not just celebrating 450 years of “collecting in Dresden”. Indeed, this occasion gives us the opportunity to look “back to the future”, both backwards and forwards in equal measure,’ declared Professor Martin Roth, Director General of the Staatliche Kunstsammlungen Dresden at the opening of the ‘State of the Art since 1560’ anniversary exhibition.
As the year when Elector August moved on from merely accumulating quantities of individual precious objects, 1560 is a crucial landmark for the Dresden collections, he explained. ‘The establishment of the electoral Kunstkammer in the Residenzschloss marked the beginning of systematic collecting in Dresden, characterised by interests in representation and the pursuit of knowledge. This is indeed an anniversary worthy of celebration.’ ‘The “State of the Art since 1560” exhibition highlights phenomena which have characterised approaches to the collections through the ages.
In its five major thematic sections, Creation - Longing – Curiosity – Confrontation – Appeal, it presents visualisations of concepts of the future as a driving force for development,’ explained Dr Karin Kolb, curator of the anniversary exhibition. As in the early Kunstkammer period, objects made by master craftsmen and exhibits relating to the natural sciences are displayed here alongside curiosities and works of fine art. To achieve this, the anniversary exhibition has drawn on both the Dresden collections’ own vast reserves of artistic treasures, and on other former electoral and royal collections in Saxony. Loans from collections elsewhere, both in Germany and other countries, including the Louvre in Paris and the Hermitage in St Petersburg, complete the exhibition.
The Musée de la Renaissance in Écouen, France, has lent a wire-drawing bench more than four metres in length and dating from 1565. This extraordinary object was commissioned in Nuremberg by August the Strong, who wished to keep abreast of the technology of the times. He apparently used it himself to produce silver wire. Thanks to a loan from the Staatsgemäldesammlungen in Munich, Albrecht Dürer’s Mother of Sorrows and the seven panels previously surrounding it, The Seven Sorrows of the Virgin, can once more be seen together after a long separation of 420 years – albeit only temporarily. The seven panels were separated from the central depiction of the Virgin as long ago as the 16th century.
Among other exhibits are Hans Schlottheim’s lobster automaton dating from 1590, seven paintings from the Sonderauftrag Linz [Linz Special Commission] (set up in 1939 to collect works for the ‘Führermuseum’ planned for Linz) whose provenance had in part lapsed into obscurity, the fire-gilded planetary clock which testifies to August the Strong’s fascination for astrology, and Javanese shadow puppets decorated with gold leaf – never before have the Staatliche Kunstsammlungen Dresden mounted an exhibition with so many richly diverse exhibits.
The design of the exhibition is also committed to concepts of the future. The museum design company hg merz architekten has located the exhibits on platforms in the centre of the exhibition space, against a background of walls which are in places bare of plaster. This will be the last time that the former State Rooms of the Residenzschloss can be seen before they are closed for reconstruction. A ‘media guide’ containing images and videos accessible via touch screen technology, and available in German, English Russian, Czech and Polish, has been produced for the exhibition. The multimedia concept created by jangled nerves of Stuttgart is rounded out by wall projections and a touch screen station.

Website : SKD

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Bron/Source : Artdaily

RETROSPECTIVE FOUJITA A REIMS

Synthèse entre art oriental et occidental, l'oeuvre de Tsuguaru Foujita est exposée au Musée des Beaux-Arts de Reims
Arrivé à Paris en 1913, Foujita (1886-1968) a connu les folles années de Montparnasse. Rentré au Japon, il est traumatisé par les horreurs de la guerre. Il revient en France, se fait baptiser et se consacre à des oeuvres religieuses.L'exposition Foujita monumental ! Enfer et paradis retrace son parcours à travers 70 oeuvres (jusqu'au 28 juin).
Mon corps a grandi au Japon, mais ma peinture a grandi en France", disait Foujita. "C'est un artiste de l'hybridation, qui s'imprègne de la modernité européenne en y apportant la technique et la précision ancestrale de l'art des estampes", explique David Liot, le conservateur du Musée des Beaux-Arts de Reims.Tsuguaru Foujita, fils de militaire qui a étudié à l'école des Beaux-arts de Tokyo, est vite devenu une icône parisienne et un dandy des Années folles. Celui qu'on surnomme Foufou côtoie les artistes étrangers comme Modigliani, Soutine et Picasso. Assumant son héritage nippon (lignes fluide, rejet de la perspective), il se nourrit d'art européen. Le nu féminin est le motif central de son oeuvre jusqu'en 1929.Au centre de l'exposition, les Grands fonds blancs, oeuvres monumentales réalisées à la fin des années 1920, incarnent pour David Liot "l'équilibre que l'artiste recherchait entre l'art occidental et l'art japonais". "Ce sont les quatre grandes toiles où j'ai mis toute mon âme et mon travail", affirme Foujita. Les corps musculeux et sensuels y évoquent la Renaissance italienne et Michel-Ange en particulier.Au début des années 1930, Foujita rentre au Japon où il devient peintre officiel du régime, peignant les batailles sur de grands formats. Marqué par les horreurs de la guerre, il se réinstalle en France en 1950 et se fait naturaliser français. En 1959, lors d'une visite de la basilique Saint-Rémi de Reims, il décide de devenir chrétien et se choisit le prénom de Léonard, d'après le grand peintre italien.Après un baptême en grande pompe, il consacre désormais l'essentiel de son travail à des oeuvres religieuses. Des oeuvres hantées par l'effroi généré par la guerre et la bombe atomique, où les Vierges grimacent et où les scènes macabres se succèdent (enchevêtrements d'ossements de l'Apocalypse de saint Jean).A voir aussi à Reims, la chapelle Notre-Dame de la Paix: Foujita a décidé de la construire dans une région marquée par la guerre. Il en conçoit les plans avec l'architecte Maurice Clauzier, en dessine les vitraux et réalise a fresco 110 m2 de peintures intérieures où il illustre une vision toute personnelle de l'iconographie chrétienne.

Foujita monumental ! Enfer et paradis

Musée des Beaux-Arts de Reims

8 rue Chanzy, Reims

Website : Musée des Beaux-Arts de Reims

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Bron/Source : France 2

RENE BURRI IN KUNSTHAL ROTTERDAM

De Kunsthal Rotterdam exposeert vanaf 16 april meer dan tweehonderd foto's van de Zwitserse Magnumfotograaf René Burri.
Het grote publiek kent Burri van het beroemde portret dat hij in 1963 maakt van Ché Guevara. De foto van de ontspannen Guevara met een grote sigaar in zijn rechtermondhoek maakte Burri op slag beroemd. In de tentoonstelling is te zien dat de foto onderdeel is van een serie die Burri van Guevara maakte.
Burri, geboren in 1933, leeft en werkt in Zürich en Parijs. Sinds de jaren vijftig trekt hij met zijn camera de wereld over om maatschappelijke en politieke gebeurtenissen vast te leggen. In 1959 werd hij officieel lid van fotoagentschap Magnum. Zijn foto's verschijnen tijdschriften als Stern, Sunday Times, Paris Match en New York Times. In 1998 won hij de Dr. Erich Solomon Prize voor zijn oeuvre.
De expositie van Burri is tot en met 22 augustus in de Kunsthal te zien.

Website : Kunsthal Rotterdam

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Bron/Source :Leeuwarder Courant

NATIONAL PORTRAIT GALLERY ANNOUNCES EXHIBITION DEVOTED TO CAMILLE SILVY

The first retrospective exhibition of work by Camille Silvy, one of the greatest French photographers of the nineteenth century, will open at the National Portrait Gallery this summer.
15.07.2010 - 24.10.2010
Marking the centenary of Silvy's death, "Camille Silvy: Photographer of Modern Life, 1834 - 1910", will include over a hundred objects, many of which have not been exhibited since 1860. The portraits on display offer a unique glimpse into nineteenth-century Paris and Victorian London through the eyes of one of photography's greatest innovators. This exhibition is being organised by the Jeu de Paume, Paris, in collaboration with the National Portrait Gallery, London.
Focusing on Silvy's ten-year creative burst from 1857-67 when he was working in Algiers, rural France, Paris and London, the exhibition will show how Silvy pioneered many branches of the photographic medium including theatre, fashion, military and street photography. Working under the patronage of Queen Victoria, Silvy photographed royalty, statesmen, aristocrats, celebrities, the professional classes, businessmen and the households of the country gentry. Silvy's London studio was a model factory producing portraits in the new carte de visite format - small, economically priced, and collectable. Silvy played an important role in the popularity of the carte de visite format in London and these portraits show how the modern and fashionably dressed looked. Silvy's Bayswater studio, with a staff of forty, produced over 17,000 portraits. Works on display will include "River Scene", France (1858), considered Silvy's masterpiece, alongside his London series on twilight, sunlight and fog. Anticipating our own era of digital manipulation, Silvy created photographic illusions in these works by using darkroom tricks. Mark Haworth-Booth, the curator of this exhibition, claims that Camille Silvy came closest in photography to embodying the vision of 'the painter of modern life' sketched out by Charles Baudelaire in a famous essay.
The exhibition draws on works from public and private collections including that belonging to Silvy's descendants, seen for the first time, along with a cache of letters in which Silvy describes to his parents how he set up and ran his London studio. A selection of Daybooks, providing a unique record of the day to day workings of Silvy's studio will also be on display. The Daybooks were bought by the National Portrait Gallery in 1904 and are among the rarely seen treasures of the Gallery's photography collection. Albums, documents and other items which build up a picture of Silvy's working practice will also be included in the exhibition. The exhibition will illustrate the transformation of photographic art into industry, the beginnings of the democratisation of portraiture and the life of this photographic genius who fell into obscurity. Born 1834 in Nogent-le-Rotrou, France, Silvy graduated in arts and law and took up a diplomatic post in the French foreign office in 1853 and was first sent to London the following year. In 1857, he joined a six month mission to Algeria to draw buildings and scenes but he soon realised the inadequacy of his talents and turned to photography. Returning to London, he exhibited "River Scene", France to immense success in the 3rd annual exhibition of the Photographic Society in Edinburgh and at the first ever Salon of photography as a fine art in Paris. In 1959 he took over the photographic studio of Caldesi and Montecchi at 38 Porchester Terrace in Bayswater, London. After ten years of creative productivity, in 1869, at the age of thirty-five, Silvy retired from photogaphy. He went on to fight with distinction in the Franco-Prussian War of 1870 before being diagnosed with folie raisonnante (manic-depression) in 1875. Camille Silvy spent the remaining thirty-one years of his life in psychiatric asylums before dying from bronchopneumonia in the Hôpital de St Maurice, France in 1910.
The exhibition is curated by Mark Haworth-Booth. Haworth-Booth was a curator at the Victoria and Albert Museum (V&A) from 1970-2004 and is now Honorary Research Fellow at the V&A and a Senior Fellow of the Royal College of Art.

Website : National Portrait Gallery

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Bron/Source : Artdaily

CHAMBORD ACCUEILLE MANOLO VALDES

Le Domaine de Chambord accueille Manolo Valdès et ses imposantes sculptures, du 23 avril au 12 septembre 2010
Le château du Loir-et-Cher accueille plus de 70 peintures et sculptures de l'un des plasticiens contemporains les plus renommés.L'exposition, qui se déploie à l'extérieur et à l'intérieur du château, est conçue comme une rétrospective des 20 dernières années de la production de l'artiste espagnol.
Six sculptures volumineuses en bronze - têtes de femmes chapeautées d'extravagants couvre-chefs - sont présentées à l'entrée du château. Dans la cour, deux grands cavaliers de bronze accueillent les visiteurs.A l'intérieur, d'autres sculptures en bronze, plus petites, quatre Ménines notamment, des sculptures en bois, dont la bibliothèque-étagères couverte de livres en bois et plusieurs grands tableaux, huiles sur toile, et gravures ornent différentes salles.
"Dès sa première venue en 2008, Valdés a été séduit par Chambord et a voulu établir un dialogue entre ses oeuvres et ce lieu extraordinaire", a expliqué Jean d'Hausssonville, directeur général du Domaine.Textures et matériaux au coeur de son art...Né en 1942 à Valence, Valdés y fait l'Ecole des Beaux-Arts puis fonde en 1964 avec Joan A. Toldedo et Rafael Solbes le groupe Equipo Cronicà, l'un des plus importants mouvements de pop art en Espagne.
En 1982, l'artiste entre dans sa période de révision artistique en accordant de plus en plus d'importance aux textures et aux matériaux. Les toiles sont extraordinaires: toiles de jute repliées, recousues, badigeonnées de bitume, de pigments, surchargées de masses de peinture, comme une blessure, un goître. Valdès se bat avec la toile, la crève, la repousse, et les cicatrices du combat sont bien visibles. Parmi les plus impressionnantes, un Christ en croix, une grande toile titrée "Compositions" et un éventail fait de bandes de tissus cousues entre elles, d’un bleu céleste.
A partir de 1983, il aborde la sculpture, comme les "Têtes de Lydia" ou les "Ménines", qui sont conçues en divers matériaux, bronze, pâte de verre...
Il vit et travaille aujourd'hui à New York.

Chambord né de la volonté du roi François Ier, a accueilli l'an passé un million de visiteurs sur le domaine et 800.000 pour le château, selon les responsables.

Website : Domaine National de Chambord

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Bron/Source : France 2

KEES VAN DONGEN IN BOIJMANS VAN BEUNINGEN

Tachtig schilderijen van kunstenaar Kees van Dongen worden dit najaar voor het eerst samen tentoongesteld in Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam. Dat heeft het museum bekendgemaakt.
De expositie, Kees van Dongen - Zijn weg naar roem, belicht zijn beginperiode, doorbraak, reizen en zijn latere succes. De selectie van tachtig is afkomstig uit particuliere en openbare collecties uit New York, Parijs, Istanbul en St. Petersburg.
Van Dongen (1877-1968) was een flamboyant figuur in Parijs. Zijn levensstijl was spraakmakend, zijn uitbundige nachtelijke atelierfeesten werden bezocht door filmsterren, beroemde politici en kunstenaars. Van Dongen deelde een atelier met Picasso en werd in 1929 tot Fransman genaturaliseerd. De vrouw was zijn muze en de piepjonge Brigitte Bardot zijn bekendste model.
De tentoonstelling van Van Dongen is van 18 september tot 23 januari volgend jaar te zien in Boijmans Van Beuningen.

Website : Museum Boijmans Van Beuningen

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Bron/Source : Leeuwarder Courant

GRANDE EXPOSITION MONET A PARIS A L'AUTOMNE

Le Grand Palais organise une grande rétrospective Monet, du 22 septembre 2010 au 24 janvier 2011
Cette exposition, qui sera un des évènements majeurs de la rentrée 2010 à Paris, veut renouveler l'approche de celui qui incarne l'impressionnisme.
Avec son tableau Impression soleil levant (1872), Claude Monet (1840-1926) a donné son nom à l'impressionnisme.
Il a peint inlassablement pendant plus de soixante ans. L'exposition des Galeries nationales du Grand Palais veut réinterroger son parcours, après de nouvelles recherches et la mise en lumière d'aspects moins connus de son oeuvre.
Monet a construit un regard sur la nature, de la Normandie de sa jeunesse à Paris et sa banlieue, en particulier dans les paysages des bords de Seine. Dans les années 1880 il a séjourné dans le nord et l'ouest de la France, au bord de la Méditerranée, à Belle-Ile ou dans la Creuse, régions qui lui ont offert des motifs divers.
Monet a aussi abordé la figure et la nature morte. A partir de 1890, le peintre crée son jardin de Giverny où il travaillera désormais à des tableaux d'après un même motif changeant avec une lumière différente selon les heures et les saisons.
A travers près de deux cents oeuvres, cette rétrospective sera organisée selon des axes thématiques et chronologiques, des débuts des années 1860 aux ultimes tableaux liés au cycle des Nymphéas.

Website : Claude Monet aux Galeries nationales, Grand Palais

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Bron/Source : France 2

AN ENCOUTER BETWEEN MEDIEVAL IVORY WORKS OPENS IN MUNICK

Medieval ivory works from the Hessisches Landesmuseum Darmstadt will be on show together with selected works from the Bayerisches Nationalmuseum from March to October 2010. Two high-ranking collections with a long tradition will thus enter into dialogue with each other. The quality and range of the medieval ivory works will be impressively illustrated by approx. one hundred objects dating from the 5th to the 15th century. The works from Darmstadt are largely drawn from the collection of the Cologne Baron von Hüpsch (1730-1805); the major works from the Munich holdings are from the Wittelsbach stocks and from the Bamberg collection of Martin Joseph von Reider (1793-1862).
This confrontation of the Darmstadt and Munich collections provides a unique opportunity to reunite groups of works that once belonged together. The four small panels produced in the 10th century for the cathedral in Magdeburg are masterpieces of Ottonian ivory work that are now temporarily reunited here in Munich. Moreover, ivory works produced in 14th century France are displayed together with related items, as are works by the Italian Embriachi workshop or small boxes from Southern Italy that have been influenced by Arabian art.
The exhibition highlights the broad range of uses for the precious ivory. The main focus of the presentation are objects from the religious sphere, such as reliquiary shrines, portable altars or book covers. Ivory was also an indication of courtly prestige, following Islamic models. Boxes and chess figures as well as mirror cases on show testify to this. The extraordinary status attributed to ivory played a decisive role when selecting this rare material. In Ancient Greece ivory was used above all for images of gods. In the Middle Ages not only ivory from elephant tusks was used but also walrus bone, the narwhal’s tooth, supposedly from the unicorn, and even hippo ivory. These particular aspects are illustrated by objects selected from the holdings of the Zoologische Staatssammlung in Munich and the natural history collection of the Darmstadt museum. Historical tools introduce the visitor to the special techniques with which this valuable raw material was worked by highly specialised craftspeople and artists.

Website : Bayerisches Nationalmuseum

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Bron/Source : Artdaily

GEKOESTERDE SCHOONHEID VANAF 22 MEI IN HET NOORDBRABANTS MUSEUM 'S-HERTOGENBOSCH

Weinig mensen weten dat Noord-Brabant belangrijk particulier kunstbezit kent. Verzamelingen van mensen met een grote liefde voor kunst - en de wens en de middelen om zich te omringen met schoonheid. Voor de buitenwereld blijven deze kunstschatten verborgen. Ze worden gekoesterd in eigen kring. Maar om welke werken gaat het hier? Welke pracht bevindt zich achter de gesloten deuren?
In de expositie Gekoesterde schoonheid delen kunstverzamelaars hun passie met het publiek. Een honderdtal werken uit Brabantse huiskamers wordt tentoongesteld in het Noordbrabants Museum. Een uniek evenement. Nooit eerder werden deze kunstschatten samen gepresenteerd. Van Rubens tot Picasso
Gekoesterde schoonheid toont een groot aantal bijzonder fraaie werken. Van beroemde meesters uit de Gouden Eeuw tot hedendaagse kunst van internationale allure. Met onder meer schilderijen van Rubens, Ruisdael, Coorte, Steen, Van Spaendonck, Van Gogh, Breitner, Modigliani, Delaunay, Appel en De Kooning. Ook zijn er objecten en beelden van grootheden als Picasso en Zadkine. Veel van deze stukken zijn nooit eerder tentoongesteld.
Brabants bezit
Het Noordbrabants Museum bouwde de afgelopen decennia een goede band op met verschillende verzamelaars en was aangenaam verrast door de hoge kwaliteit van het kunstbezit. Enkele particulieren hebben een zeer omvangrijke kunstverzameling. Veel anderen hebben een kleine maar zeer hoogwaardige collectie. De werken zijn met liefde gekozen en gekocht en reflecteren de persoonlijke smaak van de eigenaar.
Verzamelzolder
Het verzamelen in Brabant begint al op jonge leeftijd. Veel kinderen sparen enthousiast spullen die zij waardevol vinden. Om iets van deze passie te tonen, is voor en met de jonge collectioneurs een speciale verzamelzolder ingericht. Met tentoonstellingen, ruilmiddagen en een verzamelhulp.

Website & Bron/Source : Noordbrabants Museum

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HENRI CARTIER-BRESSON AT THE MOMA

Henri Cartier-Bresson (1908–2004) is one of the most original, accomplished, influential, and beloved figures in the history of photography. His inventive work of the early 1930s helped define the creative potential of modern photography, and his uncanny ability to capture life on the run made his work synonymous with “the decisive moment”—the title of his first major book. After World War II (most of which he spent as a prisoner of war) and his first museum show (at MoMA in 1947), he joined Robert Capa and others in founding the Magnum photo agency, which enabled photojournalists to reach a broad audience through magazines such as Life while retaining control over their work. In the decade following the war, Cartier-Bresson produced major bodies of photographic reportage on India and Indonesia at the time of independence, China during the revolution, the Soviet Union after Stalin’s death, the United States during the postwar boom, and Europe as its old cultures confronted modern realities. For more than twenty-five years, he was the keenest observer of the global theater of human affairs—and one of the great portraitists of the twentieth century. MoMA’s retrospective, the first in the United States in three decades, surveys Cartier-Bresson’s entire career, with a presentation of about three hundred photographs, mostly arranged thematically and supplemented with periodicals and books. The exhibition travels to The Art Institute of Chicago, the San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), and the High Museum of Art, Atlanta.

Henri Cartier-Bresson: The Modern Century
April 11–June 28, 2010
The International Council of The Museum of Modern Art Exhibition Gallery, sixth floor

Website & Bron/Source : MoMA

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EXHIBITION OF INFORMEL AND ABSTRACT EXPRESSIONISM, 1946-1964 OPENS AT MUSEUM KUNST PALAST DUSSELDORF

The 1959 documenta II in Kassel marked a peak in gestural abstract painting. Here, fourteen years after the end of World War II a central tendency of painting was celebrated, which presented itself as an international phenomenon spanning the entire Western world. Following this documenta and a major tour of American Abstract Expressionism to several European capitals in the preceding year, the so-called genre of informal painting received, in a sense, official status. The significance of ‘abstraction as a world language’ had asserted and established itself, even though new developments, for instance a tendency towards intermediality, had begun to emerge.
50 years later, the exhibition Le grand geste! at museum kunst palast in Düsseldorf shows around 150 paintings retracing the path and artistic development of Art Informel and Abstract Expressionism – a path leading from France and the USA to Germany, Italy, The Netherlands, Spain and other European countries. The artistic avant-garde after 1945 – disjointed and disillusioned, but also highly motivated by moral and existential issues – was in search of forms of expression which were not corrupted by the recent events of the world war and which endowed creative processes with the greatest possible freedom.
The young artists, partly drawing from pictorial practices of Surrealism, experimented with new materials and processes which enormously extended the conceptual spectrum: colour was poured and trickled, grounds were scratched, or the painting process was accelerated to the extreme. Canvasses lying on the floor turned into stages for the artist. Such developments already heralded a transition to Action Art, as the term ‘Action Painting’ – coined by Harold Rosenberg and referring to gestural painting in the USA – suggests.
The European equivalent of this art form was ascribed a variety of terms, such as Lyrical Abstraction, Tachisme, or Art Informel, the latter of which, introduced in 1950 by the French critic Michel Tapié, turned out to be the most durable. Similar to an informal picture, this artistic movement itself may be described as a variable, open structure – it is thus less a style than an artistic attitude. Karl Otto Götz, one of the movement’s most important German protagonists, described Art Informel as ‘the dissolution of the traditional formal principle, making use of diverse possibilities in terms of technique and material.’ Accordingly, important structural foundations were laid for subsequent generations of artists.
The Düsseldorf exhibition Le grand geste! concentrates on the period between 1946 and 1964, focussing on the climaxes of the German Informel movement until Pop Art began to dominate the international art scene and largely superseded abstract expressionist tendencies. The existential ambition of this gestural, abstract expressionist form of painting becomes evident and manifests itself not least in the large-scale formats of many principal works of this art movement.
The Düsseldorf show, which presents a wealth of important works from US-American and European public and private collections, has an international outlook, placing particular emphasis on France (focussing on Paris), on the USA (especially New York) and Germany.

Website : Museum Kunst Palast

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Bron/Source : Artdaily

DIAGHILEV AND THE GOLDEN AGE OF THE BALLETS RUSSES 1909-1929 ANNOUNCED AT THE V&A

The V&A’s major autumn exhibition, "Diaghilev and the Golden Age of the Ballets Russes 1909–1929", will explore the world of the influential artistic director Serge Diaghilev and the most exciting dance company of the 20th century. Diaghilev combined dance, music and art in bold ways to create ‘total theatre’. A consummate collaborator, he worked with Stravinsky, Chanel, Picasso, Matisse and Nijinsky.
Diaghilev’s dramatic performances transformed dance, reawakening interest in ballet across Europe and America. This major retrospective will celebrate his enduring influence on 20th–century art and design and will include more than 300 objects from the V&A’s own unrivalled collection and from a variety of lenders. The energy of the Ballets Russes’ performances will be brought to life through giant backcloths, costumes, art, film and sound. Specially created films will be on show throughout including footage of composer and broadcaster Howard Goodall explaining the development of music that accompanied the Ballets Russes. Treasures on show will include Picasso’s huge front cloth for Le Train Bleu, as well as original costumes and set designs, props and posters by artists and designers like Léon Bakst, Georges Braque, Jean Cocteau and Natalia Goncharova. These will tell the story of a company which began in the social and political upheaval of prerevolutionary Russia and went on to cause a sensation with exotic performances that had never been seen before.
The exhibition begins with Diaghilev’s life in St Petersburg. With an overview of the dance scene he was set to transform, it will explore his early work in Paris, displaying the magnificent costume for Modest Mussorgsky’s Boris Godonov worn by Feodor Chaliapin. This gallery will include a rich array of costumes designed by Bakst and tell the story of the Ballets Russes up to the outbreak of War in 1914. The turban for Le Pavillon d’Armide and the gold and pearl tunic from Le Festin, both worn by charismatic dancer Vaslav Nijinsky at the dazzling opening performance of the 1909 Saison Russe will be displayed along with sculptures of him by Auguste Rodin and by Una Troubridge. Radically choreographed by Nijinsky and scored by Igor Stravinsky, the Ballets Russes’ 1913 production of The Rite of Spring sensationalised Paris, causing a riot in the aisles of the Théâtre des Champs-Élysées at its first performance. The first gallery will conclude with a group of nine costumes designed by Nicolas Roerich for this very performance.
The second gallery will take visitors behind the scenes of the Ballets Russes’ productions - their inspiration, choreography, music and creation of the sets. Nijinsky’s notation for L’Après-midi d’un faune will be displayed for the first time as it was intended to be read, as will the musical score for Pulcinella by Stravinsky. Another highlight will be a presentation of The Firebird, examined through a series of designs for Goncharova’s coronation scene, concluding dramatically with the actual backcloth. Pablo Picasso became an integral member of the Ballets Russes during the War. His enormous front cloth for Le Train Bleu, dedicated and signed, will be on show as well as a costume he designed for Parade. The exhibition will look at how the Ballets Russes survived during the War having been cut off from their roots in Russia with little access to the cities they performed in before 1914.
The final gallery will present Diaghilev and his company in the 1920s - a period when he had achieved great status in European culture. The works of artists, authors and musicians he knew or was associated with will be shown – including manuscripts by Joyce, Proust and Eliot. There will be a large selection of costumes in this gallery from the exotic – Léon Bakst’s The Sleeping Princess and Henri Matisse’s Le Chant du rossignol, and the wacky – Mikhail Larionov’s Chout and Giorgio de Chirico’s Le Bal, and the chic – Coco Chanel’s bathing costumes for Le Train Bleu, Georges Braque’s Zephyr and Flore and Marie Laurencin’s Les Biches.
Mark Jones, Director of the V&A said: “Diaghilev and the Ballets Russes redefined ballet. Our exhibition will tell the story of this groundbreaking entrepreneur and artist. Diaghilev’s dedication to pushing boundaries and collaborating with the best designers, choreographers and artists of his time left an inspiring legacy. The V&A is delighted to be showing its unrivalled collection of Diaghilev and Ballets Russes’ objects in this timely exhibition.”
Diaghilev and The Golden Age of the Ballets Russes will be at the V&A from 25 September 2010 until 9 January 2011 .

Website : V&A

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Bron/Source : Artdaily

TEMPLETON BRENGT WERVELSTORM AAN BEELDEN IN S.M.A.K. GENT

Meer dan 1200 werken hebben Ed Templeton en zijn vrouw opgehangen in het Gentse S.M.A.K. Met zijn tweetjes, want niemand is zo precies op elkaar afgestemd als zij. Een wervelstorm aan beelden, waar je urenlang in kan verdwalen, is het resultaat.
Ze hangen netjes naast elkaar, alleen of in groepjes. Op een hoopje samen of in een lange band, zoals een uitgerolde filmstrip. De foto’s van de Amerikaanse kunstenaar Ed Templeton vormen dan ook bijna een film. Een film met Templeton en zijn vrouw Deanna in de hoofdrol. Al overstijgt zijn werk het autobiografische, het is tegelijk een weergave van de bredere sociaal-maatschappelijke fenomenen.
Een mooi voorbeeld daarvan is de reeks ‘Teenage Smokers’. Die vormt het resultaat van Templeton zijn affiniteit met de skateboardwereld en zijn bijbehorende jongerencultuur. De kunstenaar geldt in de skateboardwereld nog steeds als een levende legende. Die status dankt hij niet alleen aan zijn prestaties als professionele skateboarder, maar ook aan zijn artwork voor zijn bedrijfje ‘Toy Machine Bloodsucking Skateboard Company’. Intussen is Templeton naast skater ook al geruime tijd kunstenaar: in Gent stelt hij onder de titel ‘The Cemetery of Reason’ zijn werk van de laatste vijftien jaar voor.
Kritische voetnoten
Voor zijn skatewedstrijden moest Templeton veel reizen. Dat leven ‘on the road’ heeft hij gedocumenteerd met foto’s. De reeks ‘The Seconds Pass’, waar Templeton aan blijft werken, vormt daar de neerslag van. “De titel is ontleend aan het gedicht van een vriend. Hij verwijst naar de momenten dat je in de verte staart, dat je dagdroomt. De meeste foto’s zijn gemaakt vanuit een rijdende auto. Zowat alle Amerikanen zijn verzot op auto’s, het vormt een belangrijk deel van hun leven. De straten zijn voor mij dan ook een soort aders, ze verbinden hele stukken land met elkaar. Daardoor fascineert het leven langs de weg me”, stelt Templeton.
Vaak zijn de foto’s voorzien van commentaar. En ook op de schilderijen en sculpturen doet tekst zijn intrede. Af en toe gebruikt Templeton die als een kritische voetnoot. Zo beeldt de kunstenaar een stel hersenen in een wasmachine af, plaatst hij daar de Amerikaanse vlag bij en stelt hij het christendom in vraag. In diezelfde zaal hangt het werk ‘Faith Fear/Fear Faith’: een opeenstapeling van zwart-wit foto’s die de ‘wrede’ kant van de religie verbeelden.
Publieke ruimte ingepalmd
Hoewel Templeton iets meer dan de helft van de benedenverdieping van het Gentse S.M.A.K. heeft ingepalmd, heeft het museum nog enkele zalen gereserveerd voor de expo ‘Electrified 02. Hacking Public Space’. Samen met de Vooruit brengt het museum er voor de tweede keer een vijftiental kunstenaars samen die de publieke ruimte als hun actieterrein hebben genomen. Sporen van hun acties buiten sijpelen op deze manier terug binnen in het museum.
Zo kan je er een selectie zien van de grappige video’s van de Luikse kunstenaar Messieurs Delmotte. Of toont de Nederlander Helmut Smits er enkele foto’s van zijn minimale ingrepen in de publieke ruimte. Zo plantte hij een boom voor een reclamepaneel of ondersteunde hij een jong boompje door er twee dode bomen naast te planten.
Elien Haentjens

'The Cemetery of Reason' en 'Electrified 02. Hacking Public Space', tot 13 juni in het Gentse S.M.A.K.

Website : S.M.A.K.

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Bron/Source : Knack

BASQUIAT AU MUSEE D'ART MODERNE A PARIS A L'AUTOMNE

L'exposition Basquiat sera sûrement une des grandes expositions de la rentrée prochaine à Paris

Le Musée d'art moderne de la Ville de Paris va présenter une rétrospective de l'artiste américain, du 15 octobre 2010 au 30 janvier 2011.
Les fans de Basquiat, météore de l'art contemporain et figure de l'underground new-yorkais des années 1980, pourront voir l'exposition à la Fondation Beyeler à Bâle dès le mois de mai (du 9 mai au 5 septembre).
C'est la première fois qu'à Paris une grande exposition est consacrée à Jean-Michel Basquiat, artiste d'origine portoricaine et haïtienne, né en 1960 à Brooklyn et mort en 1988 d'une overdose.
Il commence sa carrière artistique en 1977 dans la rue, où il signe ses graffitis du sigle SAMO (pour Same old shit, toujours la même merde), accompagné d'une couronne.
Sa peinture passe ensuite de la rue au tableau et Basquiat s'intègre rapidement à la scène artistique new-yorkaise, où il rencontre Andy Warhol, Julian Schnabel, Francisco Clemente et devient une vedette de la nouvelle peinture néo-expressionniste.
Son univers plein de couleurs et de graphisme mélange la Bible et les mythologies sacrées du vaudou, intègre les héros afro-américains de la musique et de la boxe, emprunte à la bande dessinée et à la publicité. Il brûle sa vie, habité par la révolte et la mort.
L'ascension de Jean-Michel Basquiat sur la scène artistique internationale est fulgurante: en 1982, il participe à la Documenta 7 de Kassel. L'année suivante il expose à la Biennale du Whitney Museum of American Art à New York.
Quand il meurt à 27 ans, il laisse une oeuvre déjà abondante et reconnue en Europe comme aux Etats-Unis. Aujourd'hui, ses oeuvres se vendent pour des millions de dollars.
La rétrospective du Musée d'art moderne de la Ville de Paris sera composée d'une centaine d'oeuvres (peintures, dessins, objets) reconstituant le parcours de la courte carrière artistique de Jean-Michel Basquiat.
Elle est co-organisée avec la Fondation Beyeler de Bâle, qui la présente du 9 mai au 5 septembre 2010.

Website : Jean-Michel Basquiat

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Bron/Source : France 2