PRADO MUSEUM REDISCOVERS PAINTINGS FROM ITS COLLECTION WITH OPENING OF NEW GALLERIES

The Prado Museum opens its new galleries dedicated to Medieval and Renaissance Spanish paintings. This new development plan of reorganization and expansion of collections has been given the name, "The Collection: The other extension", is yet another important phase of it, the one that completes the presentation of the collections installed on the ground floor of the Villanueva building.
With the public opening of these rooms, the Prado significantly expands the display of Spanish painting in its collection from the Romanesque to the Renaissance. A reformatted and expanded selection of works exhibited in this new exhibition space will allow visitors to conduct a thorough tour of the main currents that developed in Spain between the twelfth and sixteenth centuries, beginning with the Romanesque frescoes of Santa Cruz and San Baudelio Maderuelo de Berlanga, continuing with the great altarpieces of Rodriguez de Toledo and Nicolas Frances and the paintings of Luis Alincbrot, Fernando Gallego, Bermejo, Paolo de San Leocadio, Juan Pedro Berruguete or Juan de Flandes. Well into the Renaissance and Mannerism to the new proposed route focuses on the works of Fernando Yanez, Machuca, Juan Correa de Vivar and Juan de Juanes, concluding with the boards of the spiritual mannerism by Luis de Morales, widely represented in the Prado.
The seven rooms in which it now exhibits this part of the Prado collection, most of them recovered for exhibition use due to the transfer of various technical offices to the Museum's building expansion which opened in 2007, are distributed around the Low Rotunda Goya-room which include a significant representation of classical sculpture from the Museum's collection. To accommodate these paintings and facilitate access to visitors, this area has required architectural work by Rafael Moneo, the author of the project to expand the museum, which also dealt with the new layout of room 51C, with an architectural style reminiscent of the spaces that housed the paintings of San Baudelio Romance de Berlanga (Soria) and the chapel of Santa Cruz de Maderuelo (Segovia).
Prior to performing this procedure and parallel to it, the restoration of some paintings as well as the recovery of the spectacular Gothic tracery of Santo Domingo de Silos de Bartolomé Bermejo was undertaken. Undoubtedly the most ambitious intervention has been the restoration of the frescoes in the Romanesque chapel of Maderuelo, conducted in collaboration with the Institute of Cultural Heritage of Spain (IPCE) and directed by Juan Ruiz. Added to this, the restoration done by the workshop of the Prado Museum of works by Borrassa, Guerau Gener, and Gonçal Peris, Pere Lembrí, Juan Sanchez, Juan de Nalda and the Maestros de los Luna y de Robredo.

Website : Prado Museum

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Bron/Source : Artdaily

LE CENTRE POMPIDOU A METZ : OEUVRE DE HAUTE COUTURE

Après trois ans de construction, le Centre Pompidou de Metz s'achève: son inauguration est prévue le 12 mai
La bâtiment - 3 boîtes à chaussures superposées coiffées d'un chapeau chinois et portées par 6 piliers et une flèche centrale - est une "oeuvre de haute couture", selon ses architectes, le Japonais Shigeru Ban et le Français Jean de Gastines.
Pour Gastines, l'antenne décentralisée de Beaubourg à Paris "fut un édifice difficile à dessiner et à bâtir"
"Mettre au point le toit fut particulièrement délicat: c'est la grande innovation de l'édifice. Une telle structure n'a jamais été imaginée", précise encore Jean de Gastines. Ainsi, entièrement réalisée en bois et composée de modules hexagonaux ressemblant au cannage d'un chapeau chinois, la toiture du Centre Pompidou de Metz épouse une géométrie en courbes et contre-courbes qui enveloppe les différents éléments du bâtiment et les galeries d'exposition. Composée d'une charpente auto-portante, elle est recouverte sur quelque 8.000 m² d'une membrane blanche et étanche à base de fibre de verre et de teflon.
Ces matières étanches sont prévues pour créer un environnement naturellement tempéré. Elles participent à l'approche énergétique du bâtiment qui doit assurer aux oeuvres les meilleures conditions d'exposition et de conservation."
Il a fallu recruter des ingénieurs aptes à concevoir la toiture, puis trouver une entreprise (allemande, ndlr) capable de la construire", reconnaît, pour sa part, le Japonais Shigeru Ban. Sous cette couverture, trois galeries en forme de parallélépipèdes se superposent et se croisent en s'avançant au-dessus du vide. L'intersection en apparence hasardeuse de ces galeries produit des volumes complexes, libres de la contrainte de poteaux intérieurs pour donner une grande variété d'exposition.
Ces espaces ouverts de larges baies vitrées offrent des points de vue saisissants sur la cathédrale Saint-Etienne, la gare centrale en pierre de Jaumont et le parc de la Seille. Le Centre Pompidou de Metz, entouré d'un parvis et d'un jardin, se développe sur une surface de 10.000 m² dont la moitié est consacrée aux espaces d'exposition.
A son arrivée dans le forum, le visiteur trouve l'accueil-information, une librairie-boutique et un centre de ressources documentaires sur l'art moderne. Il découvre ensuite la grande nef, espace d'exposition dédié aux oeuvres de très grand format. Un auditorium pour le cinéma et les conférences ainsi qu'un studio de création, espace polyvalent servant pour le spectacle vivant, complètent l'ensemble.
Il s'agit s'une pièce-maîtresse d'un ambitieux programme de requalification urbaine conduit à proximité sur 50 hectares par l'architecte-urbaniste Nicolas Michelin, destinée à s'adresser à un public européen, incluant la Sarre et la Rhénanie-Palatinat allemandes, le Luxembourg et une partie de la Belgique.

Website : Centre Pompidou de Metz

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Bron/Source : France 2

TROIS CANDIDATS POUR LE NOUVEL PALAIS DE TOKYO A PARIS

Trois équipes d'architectes restent en lice pour aménager les friches du Palais de Tokyo à Paris
Lacaton et Vassal, Philippe Rahm et l'agence marseillaise ARM architecture (Poitevin et Reynaud), ont franchi la première sélection, a indiqué le Palais de Tokyo.
Depuis décembre dernier, 87 équipes s'étaient portées candidates pour transformer plus de 9000 mètres carrés de friches en centre d'art contemporain à l'horizon 2012.
Un jury, présidé par Olivier Kaeppelin, directeur du projet du Palais de Tokyo, a étudié le références des candidats et les moyens qu'ils comptaient mettre en oeuvre par rapport à un cahier des charges établi par l'Etat et le Palais de Tokyo.
Le ministère de la Culture a retenu la candidature de trois équipes d'architectes qui doivent à présent développer un projet. Le choix de l'équipe lauréate se fera mi-mai.
Les architectes Anne Lacaton et Jean-Philippe Vassal ont déjà réalisé le Site de création contemporaine du Palais de Tokyo, dans un style économe et dépouillé.
L'architecte Philippe Rahm a notamment été le scénographe de la deuxième édition de la Force de l'Art, en avril 2009, pour laquelle il avait conçu une "géologie blanche". Il fait équipe avec Pierre-Antoine Gatier, architecte en chef des monuments historiques.
L'agence ARM Architecture, de Matthieu Poitevin et Matthieu Reynaud, a rénové la friche Belle de mai à Marseille.
A l'horizon 2012, l'aile ouest du Palais de Tokyo est appelée à devenir dans sa quasi-totalité un grand pôle de la création contemporaine à Paris. Il intégrera l'actuel Site de création contemporaine, installé en 2002 sur plus de 8000 m2 (niveau rue et étages supérieurs), et les espaces laissés en déshérence (niveau donnant sur le parvis et sous-sol) après l'abandon du projet de Palais du cinéma en 1998.
Olivier Kaeppelin veut un lieu "ouvert" sur le parvis et si possible la Seine. A l'entrée, un espace baptisé "la rue" comprendra des commerces culturels, des espaces de restauration, des boutiques de jeux vidéos. Une grande salle sera consacrée à des expositions monographiques d'artistes contemporains français ou ayant des liens avec la France. Des petites salles donneront "Carte blanche" à des artistes, des critiques, des collectionneurs.
L'aile orientale du Palais de Tokyo est occupée par le Musée d'art moderne de la Ville de Paris.

Website : Palais de Tokyo

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Bron/Source : France 2

QATAR MUSEUMS AUTHORITY UNVEILS JEAN NOUVEL DESIGN FOR NEW MUSEUM

Marking the next stage of its program to develop Qatar into a hub of culture and communications for the Gulf region and the world, the Qatar Museums Authority (QMA) has announced its plans for the new National Museum of Qatar, as expressed in a striking and evocative design by Pritzker Prize-winning architect Jean Nouvel.
Embodying the pride and traditions of Qatar’s people while offering international visitors a dialogue about rapid change and modernization, the National Museum of Qatar will be the setting for a program in which entire walls become cinematic displays, “sonorous cocoons” shelter oral-history presentations and hand-held mobile devices guide visitors through thematic displays of the collection’s treasures. Though built around an historic structure, the Fariq Al Salatah Palace, which had served as a museum of heritage since 1975, the National Museum of Qatar is conceived and designed as a thoroughly new institution, in keeping with the high aspirations that animate QMA.
Jean Nouvel’s design manifests both the active, dynamic aspect of the Museum’s program and its crystallization of the Qatari identity, in a building that, like a desert rose, appears to grow out of the ground and be one with it. Prominently located on a 1.5 million-square-foot site at the south end of Doha’s Corniche, where it will be the first monument seen by travelers arriving from the airport, the building takes the form of a ring of low-lying, interlocking pavilions, which encircle a large courtyard area and encompass 430,000 square feet of indoor space. In its organization, the building suggests the image of a caravanserai—the traditional enclosed resting place that supported the flow of commerce, information and people across desert trade routes—and so gives concrete expression to the identity of a nation in movement. The tilting, interpenetrating disks that define the pavilions’ floors, walls and roofs, clad on the exterior in sand-colored concrete, suggest the bladelike petals of the desert rose, a mineral formation of crystallized sand found in the briny layer just beneath the desert’s surface.
“The National Museum of Qatar is the next world-class institution that QMA is creating for our people and for our international community,” stated Her Excellency Sheikha Al Mayassa Bint Hamad Bin Khalifa Al-Thani, Chairperson, Qatar Museums Authority. “Following the very successful opening in 2008 of the Museum of Islamic Art, which showcases an artistic tradition that spans half the globe, we now look to Qatar’s immediate culture and environment—physical and immaterial, historic and contemporary. With this newest project, announced in the year when Doha is the Capital of Arab Culture, we move closer to realizing QMA’s vision of building a forward-looking, sustainable Qatar.”
Abdulla Al Najjar, Chief Executive Officer of QMA, stated, “Taking as its seed the historic palace that was Qatar’s oldest museum, this dramatic project creates an unprecedented 21st century experience celebrating the culture, heritage and future of Qatar and its people. It is characteristic of the spirit of QMA that we have faithfully preserved and incorporated the original palace, respecting this icon of our past, while realizing the astonishing new vision that Jean Nouvel has so brilliantly captured.”
According to Peggy Loar, Director of the National Museum of Qatar, “At this unparalleled new institution, Qataris will be able to discover more about their immediate ancestors and their roots in the region, learn about the formation of Qatar’s early cities and above all be exposed to the historical, material culture and intangible heritage represented in the collections. International visitors will come away with a better understanding of the life of the Gulf region, of the specific history of the Qatari people and of the initiatives underway today to advance education, develop every aspect of culture and pursue a program of sustainability. We are extremely fortunate that in realizing this program we have the vision of Jean Nouvel, whose design is at once a masterwork of contemporary architecture and an evocation of the timeless desert.”
Commenting on his design, Jean Nouvel stated, “This museum is a modern-day caravanserai. From here you leave the desert behind, returning with treasured images that remain engraved on your memory. The National Museum of Qatar will become the voice of a culture, delivering a message of modernity, metamorphosis and the beauty that happens when the desert meets the sea.”
Details of the Building
The National Museum of Qatar building will provide 86,000 square feet of permanent gallery space, 21,500 square feet of temporary gallery space, a 220-seat auditorium, a 70-seat food forum / TV studio, two cafés, a restaurant and a museum shop. Separate facilities are provided for school groups and special guests. Staff facilities include a heritage research center, restoration laboratories, staff offices and collection processing and storage areas. The Museum will be surrounded by a 1.2 million-square-foot landscaped park that interprets a Qatari desert landscape.
Inspired by the desert rose, the interlocking disks that compose the building—some of them standing more or less upright and acting as support elements, others lying more or less horizontal—are of varying curvature and diameter. The disks are made of steel truss structures assembled in a hub-and-spoke arrangement and are clad in glass fiber reinforced concrete panels. Columns concealed within the vertical disks carry the loads of the horizontal disks to the ground.
Glazed facades fill the voids between disks. Perimeter mullions are recessed into the ceiling, floor and walls, giving the glazing a frameless appearance when viewed from the outside. Deep disk-shaped sun-breaker elements filter incoming sunlight.
Like the exterior, the interior is a landscape of interlocking disks. Floors are sand-colored polished concrete, while the vertical disk walls are clad in “stuc-pierre,” a traditional gypsum- and lime-blended plaster formulated to imitate stone.
Thermal buffer zones within the disk cavities will reduce cooling loads, while the deep overhangs of the disks will create cool, shady areas for outdoor promenades and protect the interior from light and heat. Steel and concrete, the main materials of the building, will be locally sourced and/or fabricated. The landscaping will feature sparse native vegetation with low water consumption. Through these and other sustainability measures, the Museum is working to achieve a USGBC LEED Silver rating.
The Museum’s gardens are specifically designed for the intense climate of Qatar. Plantings will include native grasses and indigenous plants, such as pomegranate trees, date palms, herbs and the Sidra tree, the national tree of Qatar. Landscaping will feature sand dunes and stepped garden architecture to create sitting areas and spaces for the Museum’s programs of tours and garden lectures.
Exhibitions and Collections
A tour of the Museum will take visitors through a loop of galleries that address three major, interrelated themes. These are the natural history of the Qatar peninsula, with its flora and fauna that have adapted to this intense environment of sand and sea; the social and cultural history of Qatar, with its traditions, values and stories that spring from the close, age-old interaction between the people and the natural world; and the history of Qatar as a nation, from the 18th century to the dynamic present.
The displays and installations that explore these themes will integrate exciting and involving audiovisual displays, some of them realized on an architectural scale, with carefully selected treasures from the Museum’s collections. These collections currently consist of approximately 8,000 objects and include archeological artifacts, architectural elements, heritage household and traveling objects, textiles and costumes, jewelry, decorative arts, books and historical documents. The earliest items date from the end of the last Ice Age (about 8000 BC). The Bronze Age (about 2000 – 1200 BC) is represented, as are the Hellenistic and early Islamic periods. The Museum also has examples of weapons and other objects from the period of the tribal wars and more contemporary decorative objects used for everyday living.

Website : Jean Nouvel

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Bron/Source : Artdaily

UN PLAFOND DE CY TWOMBLY AU LOUVRE

Cy Twombly entre au Louvre avec un plafond bleu réalisé pour la salle des bronzes grecs et romains
Ce décor pérenne a été inauguré mardi par le ministre de la Culture Frédéric Mitterrand en présence de l'artiste américain.
Cy Twombly, bientôt 82 ans, a transformé un long rectangle blanc de 400 m2 en "un plafond ouvert sur le ciel bleu, un bleu Giotto", selon ses propres termes.
L'artiste, qui se déplace en chaise roulante par moments, est apparu fatigué à l'inauguration mais content d'avoir sa place dans ce grand musée. Le ministre lui a remis les insignes de Chevalier de la Légion d'Honneur en rendant hommage "au génie de l'artiste qui a su associer les fulgurances de l'art contemporain aux splendeurs de l'art ancien".
Cy Twombly a réalisé pour le plafond de la salle des bronzes, un décor bleu ou des cercles colorés superposés flottent sur les bords, comme des boucliers ou des planètes. Les noms des grands sculpteurs de la Grèce antique sont énumérés dans sept cartouches blancs.
Après avoir été approché par le musée, Cy Twombly "nous a rendu très vite une esquisse, deux mois après", a raconté à l'AFP Marie-Laure Bernadac, chargée de mission pour l'art contemporain au Louvre. Pour réaliser le décor, l'artiste a été aidé de plusieurs assistants. Les onze lais de toile marouflée ont été réalisés dans un atelier en région parisienne.
Cy Twombly a offert son oeuvre au Louvre. Le musée a pris à sa charge les frais de production (1,2 million d'euros), financés grâce au mécénat de la fondation Janet Wolfson de Botton. La galerie américaine Gagosian qui représente l'artiste a également apporté son soutien.
Né en 1928 à Lexington en Virginie, l'artiste vit maintenant en Italie.
Depuis l'arrivée à sa tête d'Henri Loyrette en 2001, le Louvre mène une politique active à l'égard de l'art contemporain, en renouant avec la tradition de commandes de décors pérennes à des artistes vivants. Cy Twombly est le troisième artiste depuis 2007 à en réaliser un pour le musée, après Anselm Kiefer et François Morellet.

Website : Cy Twombly via Wikipedia

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Bron/Source : France 2

JOHANN SEBASTIAN BACH ARCHIVE CENTER IN LEIPZIG REOPENS AFTER TWO YEARS OF RENOVATION

Date a Bach manuscript yourself! Arrange the instrumental parts of a Bach hymn to your taste and experience the sound of Baroque instruments! The new Bach Museum offers its visitors many opportunities to become actively involved.
The life and works of Johann Sebastian Bach and his family are presented in an interactive multi-media exhibition. One of the highlights of the new museum is the treasure chamber, which holds original Bach manuscripts and other precious objects. Among the special exhibits, we present the organ console of an instrument examined by Bach himself in 1743 from the former Johanniskirche church, a casket with relics from Bach’s tomb and a cash box, which was recently discovered among the property of the Bach family.
The weekend of Bach’s 325th birthday on March 20 and 21, 2010 was the re-opening date of the extended and newly arranged Bach Museum Leipzig. The festival weekend started with a great public day on Saturday. Guided tours and concerts were offered as well as a variegated programme for the whole family. On Sunday, after a ceremonial act in the Old Cityhall, Federal President Horst Köhler officially handed the new Bach Museum over to the public. On this day also the traditional birthday celebration took place around the Thomaskirchhof. The opening weekend ended with a birthday concert at St. Thomas’ Church.
Bach’s start in Leipzig
Special exhibition from March 20 – August 22, 2010 Because he wanted to be able to perform a »well-regulated church music, to the Glory of God«, Bach decided in 1708 to leave Mühlhausen and take up a position at the court of Weimar. But neither there nor later in Cöthen was he able to dedicate himself to this goal exclusively. Only when he took over the cantorate of St. Thomas’s in Leipzig in 1723 was he able to make church music the focus of his professional life. With an impressive measure of selfdiscipline he spent the next four years composing a new cantata for the Sunday services almost every week. In addition he wrote two large-scale passion oratorios and a number of magnificent liturgical works – a repertoire that in its artistic substance and demanding virtuosity was without precedent in Leipzig.
In the first special exhibition in the re-opened Bach Museum you may get an impression of how Bach managed his enormous workload, which strategies he used, who supported him in accomplishing this exacting project, and how his church music was received by his contemporaries.

Website : Bach-Archiv Leipzig

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Bron/Source : Artdaily

DRIE EXPOSITIES VOOR 91-JARIGE EDELSMID

Rudie Arens jr. is met zijn 91 jaar de oudste nog werkende meester-edelsmid van Nederland. Om de vakman te eren openen in april in Nijmegen drie exposities tegelijkertijd, die Arens belichten als kunstenaar en als leermeester. In Nederland zijn nog maar achthonderd goud- en zilversmeden actief.
De 91-jarige Arens komt uit een familie die al vijf generaties lang edelsmeden heeft voortgebracht. Hij ging in 1936 in Nijmegen aan het werk in een winkelpand annex atelier, waarin hij nog steeds is gevestigd. Hij ontwierp en maakte sindsdien gouden, zilveren, bronzen en koperen gebruiksvoorwerpen en sieraden voor onder meer koninklijke kopers. Daarnaast maakte Arens naam als ontwerper van speldjes en sigilla (zegels) voor studentendisputen in het hele land, een vaardigheid die hij nog steeds uitoefent.
De drie tentoonstellingen in Museum Het Valkhof, het Huis van de Kunsten en het Centrum Beeldende Kunsten gaan op zaterdag 3 april open.

Website : Rudie Arens

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Bron/Source : DePers.nl

7900 ARTISTES CONCOURENT POUR LA COLLECTION RTBF

7.900 participants se sont inscrits pour le concours La collection RTBF/De Canvascollectie. Une série de jurys sélectionne les oeuvres qui seront exposées à Bozar. Tout le processus est filmé pour réaliser cinq émissions qui seront diffusées sur Arte en avril. En prime, quatre émissions spéciales, diffusées sur la Deux, feront découvrir l'art contemporain au grand public. L'ensemble sera présenté par Eric Russon.
Ils sont venus de partout : sculpteurs, peintres, photographes, performeurs, adeptes de l'installation, de la vidéo et de multiples autres formes artistiques. Ils sont 7.900 au total à s'être inscrits pour participer aux présélections du concours La collection RTBF/De Canvascollectie. Un énorme succès qui va bientôt trouver son apothéose à travers une série d'émissions télévisées et une exposition au Palais des beaux-arts.

« Au départ, il y a une initiative de la chaîne Canvas et du secteur des arts plastiques de la Communauté flamande, rappelle Carine Bratzlavsky, responsable culture et Arte Belgique à la direction des antennes TV de la RTBF. En 2008, ils ont réuni 4.700 candidats venus de toute la Flandre pour présenter leur travail à des professionnels. »
Interpellés par ce succès, Frédéric Delcor, secrétaire général de la Communauté française, et la ministre de la Culture Fadila Laanan décident avec Jean-Paul Philippot, administrateur général de la RTBF, de faire de même du côté francophone. En collaboration avec les équipes flamandes. L'opération La collection RTBF/De Canvascollectie est lancée.
Depuis quelques semaines, les présélections ont commencé. Les participants inscrits viennent présenter leur travail face à des jurys dans les neuf institutions participantes : quatre en Flandre, quatre en Wallonie et une à Bruxelles. « Du côté francophone, les institutions ont été choisies par la Communauté française, explique Véronique Depiesse, coordinatrice de La Collection RTBF. Chaque opérateur a reçu un budget pour organiser la sélection, sélectionner ses jurys, etc. C'est un énorme boulot et c'est assez réjouissant de voir qu'ils ont ainsi accepté d'être bousculés. »
Parmi ces institutions, on trouve E2N, dirigé par Laurent Jacob qui a organisé la sélection liégeoise au Mamac. « C'était l'occasion de faire une vraie prospection, explique Laurent Jacob. Il n'y aurait même qu'un artiste intéressant au bout du compte, ça vaut le coup. De mon côté, j'ai choisi des jurys avec des gens de haut niveau venant d'un peu partout. Je ne voulais surtout pas qu'on s'enferme dans le liégeo-liégeois. Avec la complicité du Mamac, nous avons réalisé un accrochage des œuvres présélectionnées. On leur a donc déjà offert une mini-expo en direct. »
Outre les jurys régionaux, un jury national effectue la sélection finale. « J'ai accepté d'en faire partie parce que j'estime que c'est mon rôle de partager un peu des connaissances que j'ai acquises dans ce domaine, explique le galeriste Albert Baronian. Et parce que je crois que toute manifestation qui lève un coin du voile sur l'art contemporain est bonne à prendre. »
« Par ailleurs, je reçois très régulièrement des coups de fil de gens qui veulent me présenter leur travail. Pas nécessairement pour exposer à la galerie mais parce qu'ils veulent un avis. Dans ce sens, cette initiative est vraiment importante. »
Les œuvres sélectionnées seront présentées lors d'une exposition au Palais des beaux-arts et soumises aux votes du public. Mais depuis le début, tout ce processus est entièrement filmé. La journaliste Stéphanie Desmedt et le réalisateur Philippe Rigot accumulent interviews, témoignages, images de petits et grands moments pour offrir 5 émissions qui seront diffusées tous les vendredis d'avril sur Arte Belgique, à 19 h 50 (et sur la Une en fin de soirée), en lieu et place de Cinquante degrés Nord. Les habitués de l'émission retrouveront toutefois son animateur, Eric Russon, à la présentation. En prime, la société Mediares, en charge de l'ensemble de la production, est en train de finaliser 4 émissions documentaires qu'on pourra découvrir durant 4 dimanches de mai, sur la Deux à 22 h 45. « Il ne s'agit pas de faire des émissions pour spécialistes mais, comme dans Cinquante degrés Nord, d'amener le grand public à s'intéresser à l'univers de l'art contemporain », précise Eric Russon. Les premiers extraits d'émissions diffusés lors de la présentation à la presse vont pleinement dans ce sens.

Website : CANVASCOLLECTIE

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Bron/Source : Le Soir

'FROM GAUDI TO PICASSO' IN THE VALENCIAN INSTITUTE FOR MODERN ARTS

S. Rusiñol, Mercet de Valencia 1901

Modernism is, undoubtedly, one of the most interesting aspects of the modernization process that deeply changed European art during the fin-de-siècle period. This movement left an important mark on all art expressions, from music to painting, from graphic arts and architecture to poetry and theatre.
From Gaudí to Picasso focuses on Catalan art and pays attention to the early works of Picasso and Julio González. These two artists developed their careers during the Modernism period and came to occupy an important position in the history of 20th century painting and sculpture. However, there is an exception with Gaudí, whose figure is essential to appreciate Modernism. Hence, the exhibition gives special consideration to Julio González and Joan González, and analyses themes such as Casas and Rusiñol, painters of modern life; Symbolism in Catalonia; the Gaudí phenomenon; Mir and Anglada Camarasa; Nonell and Misérabilisme; Picasso and the Catalan community in Paris; the classicist inflection; and the end of Modernism.
The 125 works that the exhibition compiles come from different museums, foundations, state and private entities, and private collectors, such as the MNAC, Museu Picasso, Museu de Montserrat, the Real Càtedra Gaudí from the UPC, Fundació Caixa Catalunya, Junta Constructora del Temple de la Sagrada Família, the Masaveu Collection, the Cau Ferrat de Sitges Collection, Fundación Francisco Godia, Reina Sofía Museum, the Thyssen-Bornemisza Collection, the El Prado Museum, and the IVAM, among others. The catalogue of the exhibition includes the works on display and texts by Daniel Giralt-Miracle, Francesc Fontbona, Mercé Doñate, Marilyn McCully, Tomàs Llorens and Boye Llorens.
Catalan modernism was a short but intense cultural movement: its splendour lasted around twenty years, from the second half of the 1880 decade to the second half or the end of the first decade of the 20th century. It was an intense movement that left a deep mark in collective memory and was registered in all the manifestations of Spanish and Catalan cultural history of the contemporary age. One of the reasons is found in the association of the movement with the names of two universal artists, Gaudí and Picasso.
The importance of architecture and the decorative arts in the image of Modernism is a natural consequence of the kind of economic and social changes of the time when it took place. The urban development of the city of Barcelona had a great influence on the origin of the movement, determined the sociocultural framework, and contributed to it with many of its contents. Catalan society, which had been industrialised in the second half of the 19th century, especially in the Restoration period, was a key factor in that process because of the growing role of the city like a national and international centre of commerce and communications, and because of the attraction that the city had on labour, who moved to Barcelona from the rest of Spain, making possible the industrial growth and development.
With the second generation the exhibition shows the influence of the spiritualist wave on the development of Modernism. Associated with the activity in the Cercle Artístic Sant Lluc, which Gaudí belonged to, this trend rejected materialist progress and the kind of positivism that inspired the Belle Epoque, and exploited the resources of Symbolism, which extended from Northern Europe, to create a more distinctive image of Modernism.
The third and last period of Modernism was performed by a series of young artists (Mir, Anglada, González, Sunyer, Nonell, Picasso...), a generation that grew up, already in the 20th century, adopting a position in which there was not any influence of the 19th century enthusiasm for modern life that had originated the modernist movement. Modernism could be regarded as the expression of a social crisis that took on European and, especially and more distinctively, Spanish and Catalan social life.
Modernist enthusiasm faded away quickly in Barcelona along the first decade of the 20th century. This decline had an impact on the artists of the second modernist generation, and influenced their eventual and future contributions to the avant-gardes of the 20th century. The great figure in those years was, undoubtedly, Picasso. Around him we find other young artists like Hugué, Canals, Sunyer, and the brothers Joan and Julio González. They all lived in Paris and were known in the artistic media of the capital of France as "la bande catalane".
The last great modernist painter was Nonell. Belonging to the same generation as Picasso and Julio González, his work represents the clearest manifestation of misérabilisme with a synthetic language that is combined with early European Expressionism. This theme is shared by other artists and is essential in the blue period that would place Picasso in the avant-gardes.
At the end of the first decade of the 20th century there was a deep change in sensitiveness that moved towards Classicism and constituted a clear division with Modernism. This shift determined the substitution of Modernism by Noucentisme as the general trend in Catalan culture in the first years of the second decade of the 20th century.

From 15.03.2010 to 27.06.2010

Website : IVAM

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Bron/Source : Artdaily

PALACE OF FINE ARTS IN MEXICO PRESENTS RENE MAGRITTE'S FIRST EXHIBITION IN LATIN AMERICA

The Museo del Palacio de Bellas Artes is presenting the exhibition about the Belgian painter René Magritte to be held from March 17 through July 11, 2010. The main purpose is to display for the first time in Latin America the work of such a unique artist.
Being a landmark in the heart of Mexico City, the Museo del Palacio de Bellas Artes has been standing since 1934 as the greatest forum of the National Institute of Fine Arts (INBA) housing the celebrated masterworks of the muralists —Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros and Rufino Tamayo.
The work of René Magritte and its association with surrealism would allow the public to explore one of the core tendencies underlying Mexican art and culture of the first half o the twentieth century.
The exhibition includes 150 objects —paintings, drawings, etchings together with photographs, films and documents about his life and work, in order to offer a view of the artist’s career that spans from 1925 to 1967. The works come from 34 museums, galleries and private collections from 9 different countries. The Curatorial committee is integrated by Roxana Velásquez and Sandra Benito, from Museo del Palacio de Bellas Artes, with the support of the Magritte Foundation and the Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique-Magritte Museum.
In the first gallery, the different artistic proposals developed by Magritte on the 20’s and 30’s, are displayed in order to illustrate his initial pursuits towards a personal style, inspired by the avant-garde and the early Surrealism. This section also includes some of the jobs carried out as illustrator and the groundbreaking text “Words and Images” published in the 1929 magazine La Révolution Surrealiste. In the second gallery, the analysis of objects and their representation reveals the typical queries he would explore from that moment on. This part covers until the 1940’s when Magritte overtake radical changes in his production, known as “Surrealisme au plein soleil”, as a result of the disenchantment brought about by the post-war period. Finally, the third and fourth galleries exhibit works executed during the last decades of this career, when the artist ponders about the impossibility of mimetic representation, while exposing the nonsense of the real world.
The tour also embraces photography through a selection of 55 pictures where the artist’s intimate environment are revealed, as well as images that show him painting and surrounded by the members of his surrealists colleagues in Belgium. Also, this group of photographs encompass portraits shoot by photographers of his acquaintance and those stills from the movie Magritte ou la leçon des choses de Luc de Heusch (1959).
The exhibition tour features a gallery named “Espacio lúdico” addressed to youngsters and children who can approach his work through games and interactive activities. In this gallery, visitors get involved with the aesthetic ideas of the artist, in an enjoyable way.
The uniqueness of Magritte’s work in world art history, turns this exhibition into a distinctive opportunity to appreciate a surprising way of painting that has significantly influenced the art of the XXth century.
A hard-bound catalogue has been published containing color reproductions of all the works exhibited. The texts were written by scholars Pierre Sterckx, Nicole Everaert-Desmedt and Teresa del Conde, Claude Goormans and Michel Draguet.

Website : Museo del Palacia de Bellas Artes

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Bron/ Source : Artdaily

KUNSTHALLE BIELEFELD REVISITS THE 80S WITH EXHIBITION FROM BISCHOFBERGER COLLECTION

“Of course, the 1980s was an important period in art history—something that we are just beginning to realize. It is only now that we are really starting to understand the beauty, power, and special aspects of these paintings. This kind of art juggles a great deal, all at once, being oriented toward a variety of things. Many artists referred to earlier epochs, not merely to so-called Modernism alone. Suddenly, there were long traditions again. Minimalism and Conceptual art foresaw that painting would come to an end at some point, so from this viewpoint, it was quite astonishing for something like this to happen around 1980.”
Bruno Bischofberger
The spirit of the 1980s was marked by many contradictions. Many young artists felt the lack of a home base, and yet they were full of energy. In their works, cool abstraction existed side-by-side with a strong Neo-Expressionism. No one was more intensively involved with this fierce, young generation than Swiss gallerist Bruno Bischofberger, who assembled the most important collection of 1980s art ever. After almost thirty years, a re-examination of these pictures’ powerful aesthetics makes it easy to see that the quality of painting in the late twentieth century was very high. It was all about the “battle against boredom,” that is, a wholehearted revival of painting.
Due to the magnitude of the collection, The 80s Revisited will be presented in two parts. The first part will feature works by John Armleder, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Jirí Georg Dokoupil and the Mülheimer Freiheit, Rainer Fetting, Salomé, Keith Haring, Kenny Scharf, Philip Taaffe, and others. The second part, in 2011, will take a look at New York’s stars of the 1980s, such as Andy Warhol, Julian Schnabel, and Jean-Michel Basquiat.

Website : Kunsthalle Bielefeld

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Bron/Source : Artdaily

STAATSGALERIE STUTTGART EXHIBITS THE PRIVATE COLLECTION OF ENTREPRENEUR MAX FISCHER

To this day, the private collection of the entrepreneur Max Fischer (1886-1975) of Stuttgart is little known although it unites classical modern art of the highest quality. The generosity of the heirs in leaving the collection to the Staatsgalerie Stuttgart in the form of a permanent loan is now enabling the museum to pay tribute to this comprehensive collection for the first time, and to present a selection of 180 works - from a total of more than 250 - to the public. The significance of this collection will also become evident in the juxtaposition with individual works from the Staatsgalerie's holdings.
The Collector Max Fischer
Dr. Max Fischer was a collector who played a prominent role in the multifaceted Stuttgart art scene of the post-war period. In amassing his collection, Fischer relied on his own perusal of scholarly texts on art, with whose aid he acquired the ability to assess quality confidently. Apart from the societal circumstances which prevailed after World War II, this was a decisive criterion for the building of a collection concentrating primarily on Expressionism. The result was a superb collection with a clear profile, which - despite its private nature - increasingly received loan requests from all over the world.
An Overview of the Holdings
In addition to Expressionist works on paper by Max Beckmann, Heinrich Campendonk, Otto Dix, Conrad Felixmüller and Max Pechstein, the early acquisitions in the area of modern art also included paintings by the Stuttgart artist Oskar Schlemmer. Fischer purchased further important works in the 1920s primarily in the Kunsthaus Schaller in Stuttgart. Among them are the touching composition Two Girls (ca. 1923) by Carl Hofer, an interior by Oskar Kokoschka (ca. 1925) for which Fischer paid the considerable sum of 3,000 Reichsmarks, as well as the dream-world watercolour Two Female Nudes (1912) by Franz Marc.
Fischer acquired the majority of his collection in the Stuttgart Kunstkabinett which - founded in 1946 by Roman Norbert Ketterer - was to become the most important auction house for art of the twentieth century. Outstanding Expressionist works at what were still very moderate prices convinced the collector to concentrate increasingly on Edvard Munch, Emil Nolde and Max Beckmann. Among the artists of the Bauhaus, he had a special predilection for Oskar Schlemmer and the Cubist-inspired Lyonel Feininger. The Brücke - Blauer Reiter - Bauhaus core of the inventory was enhanced by sculptures of Ernst Ludwig Kirchner and Wilhelm Lehmbruck, and a substantial number of works by friends of the collector: the Stuttgart artists Alfred Lörcher and Ida Kerkovius as well as their teacher Adolf Hölzel.
The Heavyweight in the Collection: Ernst Ludwig Kirchner
With nearly sixty prints, forty-eight drawings and a group of six paintings executed between 1908 and 1924, the artist most prominently featured in Fischer's holdings is Ernst Ludwig Kirchner. Max Fischer succeeded in assembling a Kirchner ensemble covering the entire development of the artist who died in Davos in 1938 and including all of the media in which the latter worked. A group of brush-and-ink and pastel drawings - some very large in scale - executed between 1912 and 1915 and depicting women in the studio or on the street constitute a highlight of Fischer's Kirchner collection. During a bidding battle at the Stuttgart Kunstkabinett, Max Fischer relinquished the prominent landscape painting Sailboats near Grünau of 1914, today in the Staatsgalerie Stuttgart, to then-director and confidant Erwin Petermann, and purchased the colour lithograph of the motif instead. The collector exhibited an unerring sense of quality in his acquisitions of drawings and prints from the second phase of the artist's career - lasting more than twenty years - in Davos, Switzerland. The development from the vibrant pictorial structure of the Berlin period to the formal calmness in Davos can thus be strikingly retraced. The drawings and famous woodcuts are today considered masterpieces (Moonlit Night in Winter, 1919; Spruce Trees, 1919; Junkerboden, 1919).
Apart from Kirchner, Max Fischer also collected works by Brücke artist Erich Heckel. It is an indication of his expertise that he concentrated on the essential works of printmaking by this artist of the years 1907 to 1919. The latter include his early experiments with the painterly qualities of lithography (Cabaret Singer of 1907/1906?) and representative woodcuts which were groundbreaking for his further work (Two Women Resting; Fränzi Reclining, both of 1909, and the famous White Horses of 1912).
Mavericks: Emil Nolde, Edvard Munch and Max Beckmann
Among the forerunners to the Brücke artists, the simplified, planar art of the Norwegian Edvard Munch is particularly prominent. Fischer recognized its significance for the Expressionists and invested substantial funds in purchasing important early prints. One of the collection's very special works is the frottage Head by Head (1905), existing in only a few copies, for which Munch rubbed coloured chalk into the printing block. This work is juxtaposed in the show with a colour woodcut of the motif belonging to the Staatsgalerie Stuttgart's Department of Prints, Drawings and Photographs (Head by Head [Man and Woman Kissing]), 1905).
The Northern German Emil Nolde sparked a true explosion of colour in his watercolours, of which the Fischer collection comprises a fine, representative ensemble (Female Head Facing Left, 1912/13; Maritime Landscape, 1920; Happy Mother, 1931-35 from the series of large-scale Fantasies). The pièce de résistance in Fischer's Nolde collection is surely the ecstatic Female Dancer, 1913 - painted with brush and ink directly onto the stone - which he purchased by auction from Ketterer in November 1950 for the incredible sum of 207 Deutschmarks.
Max Fischer sharpened the profile of his collection by selling works. In order to purchase an important painting of the 1940s by Max Beckmann (Akademie I, 1944) at a very high price, he disposed of works by Henri de Toulouse-Lautrec as well as his entire Dürer and Altdorfer holdings. With a dynamic that virtually bursts the confines of the format, the studio painting executed by Beckmann in exile in Amsterdam is yet another highlight of the Fischer collection. The dialogue between the painter lost in gloomy contemplation and the oversize, heroically vibrant model mirrors the artist's depressive mood.
Alexej von Jawlensky
Fischer introduced a special accent with his Alexej von Jawlensky workgroup, consisting of four paintings from the early and decisive phases of the artist's development (Country Road, 1904/06; Still Life with Flowers and Oranges, ca. 1909; Variation on a Landscape Theme, 1916). Among these works is the portrait of a Spanish woman wearing a mantilla and exhibiting the icon-like depiction practiced almost exclusively by Jawlensky from 1917 onward (Large Head of a Woman [Manola], 1912/13).
Bauhaus: Oskar Schlemmer, Paul Klee
Already before World War II, Fischer purchased two landscape paintings by Bauhaus artist Oskar Schlemmer (In Front of the Cloister, 1914; Stuttgart Landscape, 1912). The Heroic Scene of 1935, in which the artist - prohibited from exhibiting his works in public - reacted to the political circumstances, was the last Schlemmer work to be acquired by Fischer. The confusion of the densely crowded figures contrasts strongly with earlier large-scale major works (Five Men in a Room, 1928; Scene at a Balustrade, 1931; Boy in Blue and White, 1931).
In the works of Paul Klee, the collection strategy so carefully pursued by Max Fischer over decades is particularly convincing. In 1925, only one year after the Staatsgalerie had acquired the painting Rhythm of the Windows (1920), Fischer purchased the watercolour The Parlour Maid's Suicide (1923). The last Klee acquisition to enter the collection - in 1955 - was A Park and the Trespasser (1939), executed long after the artist's Bauhaus period. Alongside the filigree earlier compositions, this late work using elements of collage and paste paint has an almost frightening quality about it. As is also the case in the late works of Schlemmer and Beckmann, premonitions of death and the threats posed by the events of the time are starkly present here. The collector Max Fischer, who sought the "insight of truth" in his preoccupation with art, was moved precisely by intense works such as this one, and it was they who lend his collection its distinctive profile.

Website : Staatsgalerie Stuttgart

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Bron/Source : Artdaily

LYDIA D, EGERIE SENSUELLE, FEMME-FLEUR D'HENRI MATISSE

Muse et modèle de l'artiste, Lydia Delectorskaya est au centre d'une belle exposition intimiste au musée départemental du Cateau-Cambrésis.
Blonde bien trop blonde, Lydia n'était pas le « type » de Matisse. « Puis un jour, il vint se reposer, un carnet de croquis sous le bras, raconte Lydia Delectorskaya, née en 1910 à Tomsk, la ville de Michel Strogoff, et pendant que distraitement j'écoutais la conversation, il m'intima soudain : “Ne bougez pas !” En ouvrant son cahier, il me dessina, fixant une pose qui m'était familière : la tête couchée sur les bras croisés, appuyés sur le dossier du siège. »

Lydia, émigrée russe sans le sou en France à 18 ans, sage beauté sibérienne, corps sculptural de danseuse, arriva dans l'atelier de Nice en 1932, d'abord pour aider à terminer La danse pour la collection du docteur Barnes, à Philadelphie. Elle fut l'un des principaux modèles de 1934 à 1939, quand elle ne jouait pas la « petite main » à l'atelier, la secrétaire, la garde-malade et dame de compagnie de madame Matisse, laquelle claqua finalement la porte, de rage devant l'emprise de Lydia – il est vrai que Matisse peignait ou dessinait le nez sur son modèle…
Jusqu'à la mort du maître, en 1954, elle lui resta intimement fidèle, et elle le restera même au-delà puisque, avec beaucoup d'intelligence et de sensibilité, elle sera celle qui va transmettre : Lydia va consigner ses souvenirs dans L'apparente facilité et Contre vents et marées, devenir la mémoire d'une création dont elle a photographié les états successifs. Elle léguera la quasi-totalité de sa propre collection à différents musées, principalement le Musée Pouchkine à Moscou, et l'Ermitage, à Saint-Pétersbourg. C'est encore elle qui sera la cheville ouvrière du musée Matisse au Cateau-Cambrésis.
Aujourd'hui, dans une superbe exposition intimiste, le musée du Nord le lui rend bien ! L'expo regroupe vingt tableaux et 120 dessins de Matisse, parmi les plus beaux, certains totalement inédits et extrêmement rares comme ces extraordinaires fusains que Matisse détruisait systématiquement au cours de son processus créatif. Lydia, tête appuyée sur ses bras croisés – la pose par excellence qui fera naître Le rêve, en 1935. Lydia et la Blouse roumaine. Lydia regard baissé. Lydia au Châle écossais. Lydia en corsage bleu. Lydia, Portrait bicolore. Nu rose ou vêtue de robes que Matisse collectionnait, Lydia entourée de fleurs, Lydia la femme qui apaise, « l'ange » au visage pur, pensive, séductrice, provocante, éperdue…
« Début de la longue collaboration entre le peintre et Lydia, Le rêve est un tableau essentiel, déclare Dominique Szymusiak, conservatrice du musée et commissaire de l'exposition. Le bras orne la tête, comme une liane. Le coude présente un angle très accentué. Matisse déforme pour créer une unité d'espace. D'un dessin à l'autre, Matisse chorégraphie son modèle en lignes d'arabesque qui s'enchaînent. Il épuisait d'abord l'étude au fusain, jusqu'à l'apprendre par cœur. Il fallait qu'il assimile le modèle jusqu'à ce que le dessin devienne instinctif. Personne ne pouvait parler. Il se jetait dans le dessin dans une atmosphère de salle d 'opération. Ces dessins au trait pouvaient durer plusieurs semaines. Il engageait une relation de possession totale du modèle, dans une pose naturelle. »
Modèle de chefs-d'œuvre – sans elle Matisse n'aurait jamais eu la force de réaliser la chapelle de Vence –, égérie ou amie proche de Monsieur, Lydia sort ainsi magnifiquement de l'ombre, fascinante d'érotisme dans le Nu au fauteuil rouge, piquante dans les petits mots échangés, qui émaillent l'accrochage, et mystérieuse dans les photographies qui offrent un regard inédit sur la vie quotidienne à l'atelier.

Musée départemental Matisse,
Palais Fénelon,

59360 Le Cateau-Cambrésis, France, jusqu'au 30 mai.

Website : Musée départemental Matisse

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Bron/Source : Le Soir

WORKS BY DEGAS, DELACROIX TO VISIT AGO IN NORTH AMERICAN EXCLUSIVE

Lust. Passion. Murder. Many of the greatest artists of the 19th century shared a profound fascination with the theatre and its themes of triumph and destruction, love and despair. This summer, the Art Gallery of Ontario gives centre stage to key artworks by these artists in a major international exhibition titled "Drama and Desire: Artists and the Theatre", opening June 19 and continuing through September 26.
Conceived by Guy Cogeval, president of the Musée d’Orsay in Paris, the exhibition includes over 100 paintings, drawings and theatrical maquettes, by masters such as Edgar Degas, Eugène Delacroix, Jacques-Louis David, Jean Auguste Dominique Ingres, William Blake, Aubrey Beardsley, Henri de Toulouse-Lautrec, and Édouard Vuillard. The works were selected from the collections of some of the world’s greatest museums, including the Louvre, the Metropolitan Museum of Art, the Musée d’Orsay, the British Museum, and the Victoria and Albert Museum. The AGO has commissioned Gerard Gauci, set designer for Toronto’s Opera Atelier, to make Drama and Desire an experience like no other. Visitors will enter the exhibition by walking ‘onstage’ through a life-size 18th-century set; the works will be displayed using enhanced lighting, sound and video components as well as innovative theatrical devices; and a full-scale re-creation of an early 20th-century theatre maquette will mark the finale of the exhibition.
“We want our visitors to feel as if they are onstage alongside the subjects of these extraordinary works,” says Matthew Teitelbaum, the AGO’s Michael and Sonja Koerner Director, and CEO. “These works rarely leave their home institutions, so we’re especially honoured to be the sole North American venue for Drama and Desire.”
“The sweep of this remarkable exhibition mirrors the historical period it covers – from the French Revolution to the outbreak of the First World War,” explains Katharine Lochnan, AGO deputy director of research and the R. Fraser Elliott Curator of Prints and Drawings. “Many artists began flocking to the theatre – drawing inspiration from Shakespeare and Ibsen; Wagner and Verdi; and, of course, the ballet.”
A comprehensive 408-page catalogue will be published in conjunction with the exhibition. Titled Drama and Desire: Art and Theatre from the French Revolution to the First World War, the catalogue is edited by Cogeval and MART curator Beatrice Avanzi, with an essay by Lochnan, titled “Delacroix on Stage.” It will be available for purchase at shopAGO.
Drama and Desire: Artists and the Theatre is a specially ticketed exhibition and will be on view in the AGO’s Sam and Ayala Zacks Pavilion, currently home to King Tut: The Golden King and the Great Pharaohs. The exhibition leads a strong Summer Season at the AGO, focused around themes of storytelling. Playing with Pictures: The Art of Victorian Photocollage opens June 5; The Storyteller opens June 9; and Janet Cardiff: Whispering Room opens June 10, coinciding with the 2010 Luminato Festival.
Drama and Desire: Artists and the Theatre is organized by la Direction des Musées de Marseille, Museo di arte moderna e contemporeanea di Trento e Revereto (MART), and the Art Gallery of Ontario. The AGO is the sole North American venue to host the exhibition.

Website : Art Gallery of Ontario

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Bron/Source : Artdaily

LES FRERES OYENS AU MUSEE CHARLIER A BRUXELLES

De 1886 à 1894, les frères Oyens ont vécu et travaillé dans la commune bruxelloise de Saint- Josse-ten-Noode. Tout naturellement, le Musée Charlier met les jumeaux à l'honneur.

Des jumeaux, des vrais. David peint. Pieter aussi. Sans rivalité. L'un pose pour l'autre, comme une part de soi-même à explorer sans cesse.

Les rubiconds frères Oyens ont vu le jour en 1842, à Amsterdam. Profil : gosses de riches. Papa est banquier et il assure. Les jumeaux sont inséparables. Ils ont envie de devenir artistes, les voici qui débarquent à Bruxelles et installent leur atelier à Saint-Josse, véritable quartier des artistes. Ils ont 18 ans.
Inscrits à l'Académie de Bruxelles, ils vont vite considérer qu'ils ont fait le tour du problème. Direction l'atelier libre de Jean Portaels, grand peintre orientaliste. Celui-ci va jouer un rôle important dans le développement de leur peinture, introduisant la chaleur vive des Tziganes et Méditerranéennes dans leurs toiles.
Bruxelles, ambiance Petit Paris, ville bourdonnante dans une jeune Belgique en pleine construction, constitue une mine de sujets. Entre la vie à l'atelier, les estaminets, les théâtres, les contacts avec les autres artistes, David et Pieter passent maîtres dans l'art de camper des atmosphères de la vie moderne, à l'instar de chatoyants instantanés photographiques. Pour s'en convaincre, il suffit de regarder Avant la promenade. David saisit un geste, une attitude, dans un style réaliste et néanmoins amusé. L'amateur bénéficie de la même veine : sous la signature de Pieter, le monde extérieur disparaît quand un homme en haut-de-forme se penche sur un tableau qu'on ne voit pas. Le Journal, certainement un des tableaux les plus osés de Pieter, montre un homme lisant sa gazette dans un café. Le cadrage est superbe de dynamisme, en dépit de la sensation de tranquillité qui se dégage.
Le Musée Charlier réalise un coup de maître, montrant en toute simplicité une exposition-découverte qui s'intègre très simplement dans la résidence du mécène et amateur d'art bruxellois Henri Van Cutsem.
En filigrane, la vie bruxelloise de la Belle Epoque surgit. On évolue dans le sillage du groupe des Vingt, auquel les frères Oyens ne se rallièrent pas tout en étant proches du cercle d'avant-garde fondé en 1883 par Octave Maus. « David et Peter Oyens font partie du courant naturaliste, rappelle Dominique Coerten, la nouvelle conservatrice du musée, mais leur peinture ne dénonce pas les conditions misérables des classes défavorisées. Ils privilégient la saisie de moments d'une réalité. Ce sont des peintres intimistes, pas des paysagistes. Ils véhiculent la lumière du Siècle d'Or, une inspiration à la Frans Hals, et beaucoup d'ironie ! »
A l'opposé des dames de la haute bourgeoisie allongées sur canapé, – sujet de prédilection d'Alfred Stevens que les frères détestaient –, David et Pieter rendent une image directe de leur époque, avec sincérité, « de la manière la plus naïve possible », déclare même Pieter.
Leurs œuvres présentent souvent le même petit format. Comment les distinguer ? Plus spontané, David ne rectifie pas les erreurs qu'il constate : à l'inverse de son jumeau, il prend plaisir à voir ces imperfections comme les stigmates d'un instant précis. Pieter accorde plus d'importance au dessin, à la composition.
Ils ont beaucoup exposé et leurs scènes de genre étaient assez cotées. Lors du Salon de Gand, en 1880, Le Dessin décrocha une médaille d'or : « J'ai acquis le tableau chez Horta il y a 25 ans, raconte Fred Hendricks, collectionneur privé qui détient une majeure partie des œuvres exposées à Bruxelles. Il s'appelait L'Ecolière. J'ai retrouvé son titre original dans la Gazette des Arts de 1880. »

Website : Musée Charlier

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Bron/Source : Le Soir

ROTTERDAM KRIJGT HOUSE OF DESIGN

Volker Wessels Vastgoed, Synchroon en de gemeente Rotterdam hebben deze week de ontwikkelingsovereenkomst voor het House of Design getekend. Het gaat om een multifunctioneel complex waarbinnen het Duitse designconcept Stilwerk een grote rol speelt. Het bouwwerk komt op het snijvlak van de Kop van Zuid en Katendrecht te staan. Het programma omvat ongeveer 70.000 vierkante meter aan winkels, horeca, kantoren, maatschappelijke voorzieningen en woningen. Het thema van het House of Design is ‘Design, Lifestyle en Living’, waar bij de verschillende functies het ontwerpconcept Stilwerk wordt toegepast. Dit is een formule voor design en lifestyle voor het hogere marktsegment. Het ontwerp en de stedenbouwkundige visie zijn gemaakt door de Duitse architect Egbert Kossak en Renner Hainke Wirth Architekten. Belangrijke kenmerken van het ontwerp zijn robuuste havenarchitectuur in combinatie met een opbouw van lichte terrasappartementen op de hogere verdiepingen. Het House of Design vormt een belangrijk onderdeel van de ambitie om de Rijnhaven tot een centrumstedelijk gebied te transformeren. Ook de bouw van een drijvend paviljoen en de nieuwe Rijnhavenbrug maken deel uit van deze plannen. De bouw van het House of Design gaat in 2012 van start. Naar verwachting zal het drie jaar later worden opgeleverd.

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Bron/Source : Architectenweb.nl

ROBERT DE NIRO, SR AU MUSEE MATISSE A NICE

L’exposition Après avoir vu Matisse : Robert De Niro, Sr. - peintures et dessins, proposée au musée Matisse de Nice du 8 mars au 31 mai 2010, présente pour la seconde fois en France l’œuvre du peintre Robert De Niro, Sr. (1922-1993). La première rétrospective française a eu lieu en 2005 au musée d’Art et d’Industrie de Roubaix.L’exposition du musée Matisse débute par des photographies représentant Robert De Niro, Sr. dans son atelier et à New York. Elle aborde ensuite l’évolution de son expression artistique, passée de l’abstraction à une représentation plus sensible de la réalité, marquée par l’influence des artistes européens, dont celle de Matisse. Sont ainsi présentées des peintures abstraites et des œuvres plus figuratives avec la représentation de modèles féminins dans des intérieurs, de paysages et de natures mortes, que complète une série de grands dessins noirs et blancs.
Robert De Niro, Sr. : S’évader de la forme pour y revenir
Formé à l’expressionnisme abstrait par des maîtres comme Joseph Albers, initiateur de l’art optique, ou Hans Hoffman, proche du Bauhaus et faisant partie de l’Ecole de New York (expressionnisme abstrait américain) entre 1939 et 1942, Robert De Niro, Sr. donne une nouvelle direction à son art, qui s’affirme après un séjour en France de 1961 à 1964.Les œuvres de peintres européens deviennent source de changements. L’artiste s’éloigne de l’abstraction. La peinture flamande, celle de Delacroix et tout particulièrement celle de Matisse l’orientent vers un retour au figuratif dans des espaces concrets. Ainsi, Robert De Niro, Sr. peint des modèles dans des intérieurs, des natures mortes, des paysages.Le traité scientifique de la couleur, la géométrie de la conception des espaces, caractéristiques de la modernité, qui ont marqué la première partie de l’œuvre De Niro, Sr., se transforment pour revenir à une représentation plus perceptible du monde, tant en peinture qu’en dessin, maintenant toutefois son essence abstraite.

Bron/Source & Website : Musée Matisse

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RIJKSMUSEUM SHOWS SOME OF ITS BEST TULIP PRINTS AND DRAWINGS

The Rijksmuseum is exhibiting its most beautiful prints and drawings of tulips from the 17th and 18th centuries. Individual tulips, tulips in bouquets, in the garden, as the design for a silver ornament, and featured in allegorical scenes. The highlight of the presentation will be the tulip book created by Jacob Marrel between 1637 and 1639. Complete tulip books are extremely rare, and the Marrel is seldom exhibited in public.
Jacob Marrel’s tulip book was probably a kind of catalogue used by customers for ordering their tulip bulbs. The book, still in its original binding, contains around 80 pages depicting scores of tulips, predominantly in red and purple. In the 17th century, ‘variegated tulips’ were the most popular. These ‘flaming’ tulips were not one single colour, but had white or yellow as the base colour, with red or purple as a second colour. They were given names such as Spinnekoop, Condé de Flandez, Bruit van Leide and La Bella Sultana.
Tulip bulbs were a valuable commodity throughout the 17th century, and the bulb speculation business sometimes reached incredible heights, only to fully collapse again afterwards. Agneta Block’s flower book from around 1690 shows just how much this rich Baptist widow was prepared to pay for a single tulip bulb. She purchased a large country house in the region along the river Vecht, where she was an enthusiastic gardener and had a book made containing pictures of all of the plants in her garden. The tulip called Root en geel van Leyden (‘Red and yellow from Leiden’) alone cost 100 guilders, but an Anvers bulb beat the lot at 510 guilders. By way of comparison: the annual salary of a 17th-century schoolteacher was around 200 guilders. The 1614 book Hortus Floridus shows a garden containing a variety of tulip beds, in the form in which we still know them today. This garden must have been the stuff of dreams during the Golden Age, a time when even the richest merchants could not afford a tulip bed.
The presentation also contains various dazzling colour prints of tulips, cartoons about tulip-bulb speculation, and a Vanitas print comparing human life to the short-lived existence of a flower. Starting from the opening of the Keukenhof on 18 March, the Rijksmuseum will be working together with the world's most popular springtime attraction. One ticket will provide admission to both the Rijksmuseum and the Keukenhof, with the option for additional transport, a visit to Haarlem and overnight accommodation.
The Rijksmuseum will be planting extra tulips in its garden to mark the presentation. The black Ayaan tulip will also be in bloom, named after public figure and politician Ayaan Hirsi Ali.

Website : Rijksmuseum

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Bron/Source : Artdaily

LUCIAN FREUD, UN ANGLAIS BIEN PEU TRANQUILLE

Le Centre Pompidou rend hommage à cet artiste hors normes en 50 chefs-d'œuvre. Portrait du petit-fils de Freud, devenu le «monstre sacré» de Londres.
Ne pas se fier à la gaieté excentrique de The Painter's Room, tableau de 1944 qui ouvre la porte de l'atelier de Lucian Freud, sanctuaire interdit aux importuns. Les plantes vertes, le canapé défoncé, le vide des murs, le décor est posé très tôt par ce solitaire qui préserve farouchement son incognito et la paix de son esprit. Réputé aussi incontrôlable que feu son ami Francis Bacon, Lucian Freud a bâti son mythe et dynamité son propre lexique formel. À partir des années 1960, il laisse les nus - et quels nus ! - envahir l'espace, donne à la chair sa texture filandreuse par l'emploi du blanc de Cremnitz à partir de 1975. La puissance de ses corps explose sans ­pudeur dans la dernière salle au Centre Pompidou, avec les nus hors normes de Big Sue, énorme coquillage rose assoupie près d'un tapis au lion. Diable d'homme !
En pur Britannique au jardin, en original ou tout simplement en artiste, Lucian Freud a un mépris des convenances. Il s'est peint sans fards, jusqu'à la nudité la plus radicale, dans des bottes éculées et comme éventrées par les jours. Il s'est laissé photographier rarement, mais toujours tel quel, pieds nus dans ses chaussures de ville, la chemise blanche en désordre, le complet gris tâché de peinture. À 88 ans, le petit-fils de Sigmund Freud - il l'adorait et partageait son goût de la poésie - fuit toujours le public, les vernissages et les interviews. Pourtant, l'artiste au marché de milliardaires était attendu hier «in the flesh» à Paris. «Heureux et fier » que la ville de ses «chers Balzac et Flaubert» lui rende hommage, prenant de court la grande rétrospective de Londres annoncée pour les JO de 2012.
Monstre sacré ou sacré monstre ? En 2001, le Britannique John Richardson l'a classé parmi ses «Sacred Monsters, ­Sacred Masters» avec Picasso, Dali, ­Warhol et Truman Capote. «Selon l'anecdote légendaire», le peintre était sexagénaire lorsqu'« en rentrant d'un rendez-vous pour un portrait de commande et d'un déjeuner un peu arrosé, à Londres en 1978, il se querella avec un taxi driver et hérita d'un œil au beurre noir », nous raconta l'expert de Sotheby's Grégoire Billault, avant que le Self-Portrait with a Black Eye, étrange miniature de 1978, s'envole à 3 M£ en février dernier à Londres. «Il n'est pas difficile à vivre. Mais il peut être dur quand on se montre grossier à son endroit, il réagit vivement», rectifie David Dawson, son assistant depuis 1990 et son modèle tout dévoué (David and Eli, 2003-2004, nu qui fit sensation à New York, puis à Maastricht et à Shanghaï en septembre 2007). «Quand il était jeune, il était bagarreur et se retrouvait régulièrement dans des disputes. C'est Bacon qui lui a dit : “Au lieu de te battre avec les gens, pourquoi ne les séduis-tu pas ?”. Il l'a écouté. Comme il a arrêté de jouer. Pas par culpabilité, sentiment qu'il ignore, mais pour peindre et ne plus perdre son temps ailleurs.»
Poser pour Lucian Freud n'est pas une sinécure. «Il a la réputation d'être difficile. C'est juste un homme très farouche qui déteste les flashs en pleine figure», répond son galeriste depuis 1992, Bill Acquavella. «J'ai posé pour lui, j'ai mesuré son engagement d'artiste. Cela commence par un petit déjeuner ensemble à 8 h 30, puis quatre heures de pose. Déjeuner et, de nouveau, pose jusqu'à l'heure du thé. Sept jours sur sept. Je suis revenu une deuxième et une troisième semaine. Il a connu tout le monde de l'art, Bacon, Giacometti. Il raconte, il récite des poèmes. C'est un esprit fascinant», en rit encore cet Américain surbooké, sous le charme de Mister Freud. Du 10 mars au 19 juillet au Centre Pompidou à Paris

Website : Centre Pompidou

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Bron/Source : Le Figaro

PIERRE ALECHINSKY ET KIKIE CRÊVECOEUR AU BOTANIQUE A BRUXELLES

C’est tout naturellement que s’est imposée l’idée de présenter l’œuvre gravé de Pierre Alechinsky au Botanique.
Pour réaliser cette exposition, Le Botanique a proposé au Centre de la Gravure et de l’image imprimée de La Louvière, actuellement en travaux, de présenter une sélection d’œuvres de l’artiste figurant dans ses collections. Figure majeure du monde artistique belge de l’après-guerre, Pierre Alechinsky intègre dès 1949 le mouvement COBRA aux côtés, notamment de Karel Appel, Christian Dotremont, Asger Jorn.
Après Cobra, en 1952, il se perfectionne en gravure auprès de Stanley William Hayter à l’Atelier 17, Paris. En 1955, il s’embarque à Marseille pour l’Extrême-Orient, d’où il ramène un film : Calligraphie Japonaise. A New York, en 1965, son ami chinois Wallasse Ting l’initie aux pouvoirs de la peinture acrylique. A la même époque apparaissent ses peintures «à remarques marginales» sur papier marouflé sur toile. L’image centrale s’entoure de vignettes énigmatiques et fascinantes; leur lecture fonctionne en va-et-vient, du centre à la bordure - invention qui caractérisera nombre de ses peintures et estampes.
A travers une sélection de 100 estampes et ouvrages de bibliophilie réalisés entre 1962 et 2009 c’est plus qu’un aperçu de son univers qui est à voir, aujourd’hui au Botanique. Pierre Alechinsky a choisi d’inviter Kikie Crêvecœur, une artiste qui développe à Bruxelles depuis 1986 une technique très particulière : la gravure sur gomme. La gomme à effacer le crayon! - qu’elle imprime en juxtaposition. Un travail sériel fait de scènes d’une modernité étonnante, tantôt fragmentaires, tantôt complémentaires tout en nuance et sensibilité. Une trentaine d’œuvres sont présentées dans la galerie.

Bron/Source & Website : Botanique

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RON ARAD'S DESIGN MUSEUM IN HOLON OPENS TO THE PUBLIC

Following four years of construction, Design Museum Holon opened the award-winning building by Ron Arad Architects. Constructed of five sinuous bands of varying shades of COR-TEN (weathered steel), Design Museum Holon is Arad’s first architectural project of this scale and the pinnacle of a sixteen-year urban regeneration programme, a process which is transforming the city of Holon, central Israel, into a global epicentre for culture and education.
Design Museum Holon’s mission is to explore the impact of design and the relationship of design to urban spaces and every day life. The museum is committed to pioneering a creative arena for the exploration and examination of design principles and interpretations. As a leading hub for innovation in the field of design within Israel and the world it will strive to foster international dialogue, highlighting the importance of quality design and its relevance to our lives.
Ron Arad comments: “Holon is a city which is re-inventing itself culturally, with ambitious plans that are investing a lot into culture. The concept of this museum in the Middle Eastern sun is just one instance. The city was brave enough to give Ron Arad Architects the design task and I hope that it is received well by the Municipality and the public.’
The project was initiated by Holon’s Mayor, Mr. Motti Sasson and Managing Director, Ms. Hana Hertsman who invited Ron Arad to create an iconic building, which would provide visitors with an immersive design environment. Ron Arad Architects has been involved in the project from the program development stage through the conceptual stage to building completion.
The new museum joins Holon’s Mediatheque, a cultural centre which includes the National Cartoon Museum, repertoire theatre with original productions, cinematheque, material library and public library.
The annual program will showcase site-specific exhibitions by invited international curators as well as travelling exhibitions. In addition an interactive archive with digital components will be developed for the theoretical and practical research of design as well as a historical Israeli collection. This will lay the foundation for Design Museum Holon’s permanent collection which will be unveiled in five to seven years.
Ron Arad’s design for the museum, demonstrates an extremely sculptural approach, combining ingenuous and playful functionality with highly visual design. In reference to his approach he says: “Every project is unique; each one invites a different response. When we started working on Design Museum Holon, it was like a white canvas, things developed and a direction was formed. We created a hierarchy of outdoor spaces so you walk in under the building into a semi-covered yard, where you have a choice to take the air-conditioned route or one exposed to the elements. The building envelope is not just a pretty space; it’s also a structure.”

Website : Design Museum Holon

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Bron/Source : Artdaily

LE FANTÔME D'ANDROUET DU CERCEAU REPREND VIE

Qui était Jacques Androuet Du Cerceau. Un architecte ? Mais il ne reste pas trace d'édifices qu'il ait vraiment conçus. Un dessinateur ? Sans nul doute, talentueux et doué d'une imagination hors pair. Un graveur aussi, parmi les meilleurs et les plus illustres de France. Mais aussi un fantôme : c'est hélas la farce que lui a jouée la postérité en faisant s'évanouir à peu près tous les éléments susceptibles de nous le faire connaître, en dehors de son coup de crayon.
Une exposition à la Cité de l'architecture et du patrimoine fait revivre d'étonnante façon Jacques Androuet Du Cerceau (vers 1520- vers 1586), bien connu des architectes et des passionnés de patrimoine, pour ses dessins et ses recueils. Lui-même n'a pratiquement rien construit, se cantonnant au rôle, au demeurant prestigieux, d'auteur de traités d'architecture, lignée ouverte au Ier siècle av. J.-C. par le Romain Vitruve.

Androuet théorise, imagine, ou restitue les chefs-d'oeuvre de son époque, préservant de l'oubli des dizaines de châteaux aujourd'hui disparus, ou l'état d'origine de quelques autres qui ont été peu ou prou transformés depuis les derniers souverains Valois. Des édifices qu'il détaille, au point de laisser imaginer leur possible reconstruction. Il a lui-même réuni cette part de son travail, capitale pour les historiens, sous le titre Les Plus Excellents Bâtiments de France, une France au demeurant réduite à l'Ile-de-France et à la vallée de la Loire.
On y trouve les plus célèbres monuments : le Louvre, tel que l'a conçu son contemporain Pierre Lescot (autour de 1550) avec les sculptures de Jean Goujon, Vincennes avec son enceinte et ses tours, Chambord dont on attribue l'esprit à Léonard de Vinci, et qui est l'un des seuls châteaux royaux à n'avoir pas été altéré. Blois, Amboise et Chenonceaux, Saint-Germain-en-Laye, Ecouen et Fontainebleau. Mais aussi d'autres, dont l'état ou le souvenir laissent perplexes : Vallery (Yonne), l'un des plus modifiés par l'histoire ; Verneuil-en-Halatte (Oise), aujourd'hui en ruine ; Villers-Cotterêts (Aisne), dans un état lamentable. Et surtout le fameux château dit "de Madrid", où François Ier reçut Charles Quint, effacé du bois de Boulogne en 1792, comme le seront tôt ou tard ceux de Creil (Oise), de Coucy (Aisne), de Folembray (Aisne), de Montargis (Loiret... Les jardins ne sont pas oubliés, restitués avec une précision délicieuse.
Androuet a gardé le secret de ses sources, autant que de l'organisation de son atelier, auquel toute une équipe doit avoir contribué. Coincé entre Paris et Montargis par les guerres de religion, il n'a vu la plupart des édifices que de seconde main, ce qui n'en rend son travail que plus remarquable.
Proche de Sebastiano Serlio (architecte et théoricien italien, mort à Fontainebleau en 1554), il a de la même façon rassemblé des éléments réels et parfois imaginaires qui lui permettent de drainer la Renaissance italienne vers la France. Il fait en revanche appel à sa seule inventivité lorsqu'il propose des modèles de "logis", extensibles à l'infini, selon le goût et la richesse des commanditaires, jusqu'à occuper l'espace de formidables palais qui ont pour principal point commun une symétrie obsessionnelle et, pour ainsi dire, préclassique. Ainsi, dessine-t-il encore l'immense registre de ses ornements architecturaux, qui lui vaudra l'essentiel de sa célébrité.
Cet aspect décoratif est resté le mieux connu. C'est avec à propos que les responsables de l'exposition ont davantage mis l'accent sur la dimension structurelle de l'architecture et sur le dessin qu'il sait en tirer, donnant au passage de très beaux cours de perspective.
Pendant longtemps, les expositions d'architecture ont tenu à distance le public, en alignant de façon laconique dessins et gravures, accompagnés parfois d'un buste et d'un petit film sentant bon la télé d'antan. Ici, Androuet revit certes à travers son oeuvre : gravures, dessins, carnets (que l'on peut feuilleter grâce à leur numérisation) et précieux vélin (peau de veau mort-né), dont quelques pièces majeures prêtées par l'Angleterre. Mais l'ensemble est complété par une batterie de films en 3D. Ils parachèvent la résurrection du fantôme au côté de moulages et de maquettes, dont l'une, monumentale, restitue les Tuileries de la Renaissance, incendiées pendant la Commune (1871), puis achevées à la pioche en 1883.
Pour autant, la scénographie de la Cité ne lésine pas sur les bustes. François Ier, Henri II, Charles IX, Henri III, souverains dont notre homme eut à connaître de près ou de loin la gloire, et avec eux les temps tourmentés des luttes entre catholiques et protestants, desquels sa famille était proche. Manquent Catherine de Médicis... et Jacques Androuet Du Cerceau, dont seule une rare médaille, et une peinture posthume laissent l'improbable physionomie. Quant à son nom, dont le premier élément rappelle un célèbre fromager parisien, il tire son allure aristocratique d'un cerceau, enseigne de son père, marchand de vin à Paris.
"Jacques Androuet Du Cerceau (1520-1586), l'inventeur de l'architecture à la française ?". Cité de l'architecture et du patrimoine, Palais de Chaillot, Paris 16e. Jusqu'au 9 mai 2010.

Website : Androuet du Cerceau via Wikipédia

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Bron/Source : Le Monde