Un musée archéologique ouvre ses portes à Patras

Patras, 3e ville grecque et grand port du Péloponnès, a inauguré un musée d'une superficie de 8.000m²
L'entrée du site, qui comprend des chefs-d'oeuvre de la période archaïque (1.200 av. JC) à l'époque romaine (IIIe siècle de notre ère), y est gratuite jusqu'à la fin de l'année.D'un budget de 21,5 millions d'euros, "le 2e plus grand musée du pays après celui de l'Acropole" inauguré en juin, est en forme d'ellipse et recouvert de feuilles de titane.
La première salle, qui a pour thème la vie privée, comprend des représentations des maisons romaines d'une banlieue de la ville ancienne de Patras, 14 mosaïques d'une superficie de 300 m² et 14 statues dont la plus connue est un Satyre, une copie romaine du maître grec antique Praxitèle.Dans la deuxième salle, ou nécropole, s'étale une exposition de l'architecture et des coutumes funéraires de la période archaïque jusqu'à l'époque romaine. La salle comprend 40 objets en cuivre de l'époque mycénienne, 10 tombes reconstituées et d'autres objets funéraires antiques en verre et en céramique.La troisième salle du musée, dite de vie publique, n'ouvrira ses portes au public qu'à l'automne prochain.

Website : Patras via Wikipédia

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : France 2 - culture

Americans for the Arts

Americans for the Arts, the leading organization for advancing the arts in America, announces recipients of the 2009 National Arts Awards. The annual awards recognize those artists and arts leaders who exhibit exemplary national leadership and whose work demonstrates extraordinary artistic achievement. They are organizations and individuals—artists, business leaders, and patrons—who understand that the arts enrich people and communities alike.

This year, the following will be honored:
Robert Redford, Lifetime Achievement Award
Salman Rushdie, Kitty Carlisle Hart Award for Outstanding Contributions to the Arts Ed Ruscha, Artistic Excellence Award
Sidney Harman, Frederick R. Weisman Award for Philanthropy in the Arts
Rosario Dawson, Young Artist Award for Artistic Excellence
Anne Finucane, Bank of America, Corporate Citizenship in the Arts Award

Robert Redford, Lifetime Achievement Award
Robert Redford is an Academy Award-winning director, actor, producer, environmentalist, and activist. A longtime advocate for the arts, Redford founded the Sundance Film Festival and is the co-chair of the Americans for the Arts National Arts Policy Roundtable. Redford is a member of the Americans for the Arts Artists Committee and delivered the 2003 Nancy Hanks Lecture on Arts and Public Policy. He is also an ardent conservationist and environmentalist, a man who stands for social responsibility and political involvement and an artist and businessman who is a staunch supporter of uncompromised creative expression. Redford has nurtured more than a generation of innovative voices in independent film through his nonprofit Sundance Institute and Film Festival. The Harvard Business Review observed, “Sundance has become to Hollywood what Silicon Valley has been to the high-tech industry.”
Ed Ruscha, Artistic Excellence Award
Born in 1937 in Omaha, Nebraska, Edward Ruscha moved to Oklahoma City in 1941 and to Los Angeles in 1956 to attend the Chouinard Art Institute. He had his first solo exhibition in 1963 at the Ferus Gallery in Los Angeles. He currently shows with the Gagosian Gallery in New York, Beverly Hills, and London. Ruscha has consistently combined the cityscape of Los Angeles with vernacular language to communicate a particular urban experience. Encompassing photography, drawing, painting, and artist books, Ruscha’s work holds the mirror up to the banality of urban life and give order to the barrage of mass media-fed images and information that confront us daily. In 2004, The Whitney Museum of American Art organized two simultaneous exhibitions: Cotton Puffs, Q-tips®, Smoke and Mirrors: The Drawings of Ed Ruscha, which traveled to the Museum of Contemporary Art, Los Angeles and then to the National Gallery of Art, Washington, D.C., and Ed Ruscha and Photography. Ruscha was the United States representative at the 51st Venice Biennale in 2005.
Sidney Harman, Frederick R. Weisman Award for Philanthropy in the Arts
Sidney Harman is Founder and Chairman Emeritus of Harman International, a leading manufacturer and worldwide supplier of high-quality audio and video products as well as digital navigation and information systems for the automotive, consumer, and professional markets. Harman served as the Deputy Secretary of Commerce of the United States from 1977-78. One of the pioneers who began the high-fidelity industry, he also founded the Program on Technology, Public Policy and Human Development at Harvard University’s John F. Kennedy School of Government. He is the author of Mind Your Own Business (2003) as well as co-author, with Daniel Yankelovich, of Starting With The People (1988). He is also a member of the Council on Foreign Relations; President of the Harman Family Foundation; Vice Chairman of the Corporate Fund Board of The Kennedy Center for the Performing Arts; and a member of the Executive Committee of the Board of Trustees of The Shakespeare Theatre Company.
Rosario Dawson, Young Artist Award for Artistic Excellence
As a critically-acclaimed actress, producer, and co-founder of the nonprofit organization Voto Latino, Rosario Dawson is making both meaningful art and a lasting difference. Discovered as a teenager and cast in the controversial hit Kids, Ms. Dawson has emerged as one of Hollywood’s most sought after leading ladies, yet remains a dedicated advocate for young people. She recently starred in Eagle Eye, Grindhouse, Rent, Seven Pounds, and Sin City. In 2004, she co-founded Voto Latino, a nonprofit, non-partisan organization dedicated to increase American Latino youth civic participation by both increasing voter turnout and political involvement among this group.
Anne Finucane, Bank of America, Corporate Citizenship in the Arts Award
Anne Finucane is Bank of America Chief Marketing Officer and a member of the company’s executive management team. Finucane leads marketing, communications, advertising, and research for the enterprise and all lines of business. She is also responsible for the company’s corporate social responsibility initiatives which include: the company’s 10-year, $1.5 trillion community development and investment commitment and 10-yea, $2 billion philanthropic giving goal through the Bank of America Charitable Foundation, one of the largest corporate philanthropic organizations in the world; volunteerism; arts and culture investment and programs; and the company’s 10-year, $20 billion environmental initiative, as creator and chair of Bank of America’s Environmental Council.
Salman Rushdie, Kitty Carlisle Hart Award for Outstanding Contributions to the Arts
Born in Bombay, India, Salman Rushdie is the acclaimed author of 10 novels, including Grimus, Midnight’s Children (Booker Prize, 1981), Shame, The Satanic Verses, Haroun and the Sea of Stories, and The Enchantress of Florence. His stage adaptation of Midnight’s Children was performed in London and New York by the Royal Shakespeare Company. In 2004, an opera based upon Haroun and the Sea of Stories premiered at New York City Opera. As a Fellow of the British Royal Society of Literature and a member of the American Academy of Arts and Letters, Rushdie has received numerous awards. He holds the rank of Commandeur in the Ordre des Arts et des Lettres, France’s highest artistic honor. From 2004 - 2006 he served as President of PEN American Center, and continues to work as president of the PEN World Voices International Literary Festival, which he helped create. In June 2007, he was knighted for services to literature. His books have been translated into more than 40 languages.
Americans for the Arts is the leading nonprofit organization for advancing the arts in America. With offices in Washington, DC, and New York City, it has a record of 49 years of service. Americans for the Arts is dedicated to representing and serving local communities and creating opportunities for every American to participate in and appreciate all forms of the arts.

Website : Americans for the Arts

FIC123.BE een website met info en cultuur.
Bron/Source : Artdaily

Arken to open expanded museum with 1.100 new square meters

Arken's new entrance is unmissable. Where there used to be a dark gate, a 109 m2 large glass façade now invites one to come inside. The architecture signals a "Welcome!" to all who pass. "The design of the entrance is a natural continuation of our development and our attitude to the museum visitors," says ARKEN's director Christian Gether. "Today going to a museum is a total experience. An art museum today is far more than the exhibitions - it's also a visit to the café, a well stocked museum shop and good opportunities to allow the impressions to settle."
One Extension - Three Parts - Two Architects
Arken's extension consists of three parts. The new entrance and a new sculpture hall, designed by the architect behind the original museum, Søren Robert Lund, as well as new education rooms, designed by Anna Maria Indrio from C.F. Møller Architects. She also designed the galleries that ARKEN opened in January 2008.
The sculpture hall, given the name The Detlefs HallHE after the donators, and the new education rooms have been fitted up in two of Arken's existing sculpture yards. The yards have been roofed, and their architecture reflects their use. Søren Robert Lund's sculpture hall suggests contemplation and relaxation with white walls, skylights and wooden floors that "soften" and contrast with the original concrete grey and crooked ARKEN architecture around it. The original architectural expression, however, is retained in C.F. Møller's education rooms. They have a rawer and more edgy expression, with concrete floor and walls, and thus are created for - and will stand up to - creative self-realisation and teaching.
In each their own way, all the rooms in the new extension reflect ARKEN's development and accommodativeness to art and its visitors. The keywords are openness, usability and accommodativeness. The colours are kept in white, grey and wood (merbau) with occasional red fixpoints. The emphasis is on light and airiness with natural light from skylights and other sources.
The Core of the Museum
Through the glass façade of the entrance the visitors step onto a "warm" wooden floor of merbau, into a bright and open skylit reception area. A newly decorated museum shop opens up to the left, while a new ticket area with redesigned counters are on the right. The wooden floor continues into the former foyer and shop area.
The 600 m2 large room's function as the core of the museum is manifest now. Here visitors can meet in a form of "agora". Here they can relax, orient themselves and go to and from the art exhibitions, browse the shop, go to the café, to teaching programmes, concerts and films. All rooms can be reached from the "core". The original long bridge has been dismantled, giving ARKEN much better opportunities to present the art - works from the collection - while the effect of the bridge has been kept in connection with the entrance to the museum café. Also, the "roof" of the bridge is still clearly seen as a metal band in the ceiling. In this way the new extension creates a connection too to the original museum while emphasising the differences. The development leaves its marks on the museum. It is visible.

Website : Arken Museum of Modern Art

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Artdaily

Le festival Visa pour l'image à Perpignan

La XXIe édition du Festival international de photojournalisme débute samedi 29 août dans la cité catalaneLa manifestation, qui se terminera le 13 septembre, a lieu dans un contexte de crise: les photoreporters trouvent de moins en moins facilement de l'argent pour réaliser des grands reportages aux quatre coins du monde, forcément longs et coûteux. Des reportages indispensables pour témoigner des évènements du monde. "Avant, on croulait sous les reportages, ce n'est plus le cas. On se fait beaucoup de souci pour le métier", explique le directeur de Visa pour l'image. Pour autant, "les photographes produisent un travail de qualité mais la presse n'achète plus", poursuit-il. De nombreux photographes se tournent vers les ONG qui offrent un ballon d'oxygène à la profession. Celles-ci sont prêtes à investir de
l'argent sur des reportages "en profondeur" dans le cadre de leurs campagnes de communication pour lever des fonds, explique une professionnelle présente à Perpignan.
Chaque année, des centaines de photographes de guerre ou spécialisés dans les reportages atypiques arrivent à Perpignan, un appareil-photo Leica à la main, un gilet de reporter sur les épaules et la peau tannée par le soleil. Cette année, le directeur du festival a ainsi eu le coup de foudre pour l'Italien Massimo Berruti. "Il est
l'archétype du photojournaliste que je veux défendre. Il a dû partir à ses frais au Pakistan et est revenu avec un reportage éblouissant", s'enthousiasme Jean-François Leroy.

Website : Visa pour l'image

FIC123.BE een website met info en cultuur.
Bron/Source : France 2 - culture

Le legs Fernand Scribe

En 1896, le bourgmestre de Gand annonçait devant l’assemblée du Cercle Artistique et Littéraire de sa ville la création prochaine d’un musée des Beaux-Arts. Les travaux avancèrent rapidement et, en 1902, le bâtiment principal fut inauguré par les Princes Albert et Elisabeth, avant que Léopold II ne parachève en 1904 l’ouverture du musée terminé. La ville de Gand possédait bien une collection auparavant, héritage des confiscations religieuses des périodes autrichiennes et françaises, mais sa piètre présentation à l’Académie des Beaux-Arts n’attirait guère les visiteurs. Un homme, Fernand Scribe, batailla pour une présentation plus digne de ces œuvres d’art.
Peintre, mais surtout collectionneur
Fernand Scribe est né en 1851 dans une famille bourgeoise enrichie par l’industrie textile. Lui-même se sentait plus attiré par l’art, et combina un diplôme d’ingénieur des arts et manufactures à une formation à l’Académie. Il travailla dans plusieurs ateliers d’artistes et se forgea quelques amitiés parmi les peintres. Disposant des moyens nécessaires, il voyagea beaucoup et peignit des paysages exotiques, d’Italie et d’Egypte jusqu’à l’Extrême-Orient. Il exposa même certaines œuvres lors de salons officiels à Gand et Bruxelles au début des années 1880. Mais, à côté de son art, c’est surtout sa qualité de meneur de la scène artistique qui marqua les mémoires. Membre de diverses associations de défense de l’art, Fernand Scribe était au courant des tendances les plus modernes. Et sa fortune lui permit de collectionner l’art de ses amis et celui des siècles précédents.
Un musée personnel
Dans sa maison, Fernand Scribe combinait atelier et petit musée : la « Salle Vitrée » présentait divers objets ramenés de voyage, tandis que l’on pouvait admirer des tableaux de l’Ecole belge moderne, de ses amis Emile Claus, Jean Delvin et autres, ou des paysages de peintres français comme Eugène Boudin, Jean-Baptiste Camille Corot et Charles-François Daubigny. Fernand Scribe acheta par la suite un château qu’il transforma en véritable lieu d’exposition. C’est donc tout naturellement que, sensibilisé à la chose, il fut de ceux qui poussèrent la ville à créer un musée.
Lorsque, grâce à ses nombreuses démarches, il y parvint finalement, Fernand Scribe collabora de près à la création du Musée des Beaux-Arts de Gand. Riche des connaissances muséales acquises lors de ses voyages, il conseilla que le bâtiment, tout comme dans son musée privé, accueillît très largement la lumière afin de mettre les œuvres en valeur. Ainsi, l’exposition fut conçue sur un seul niveau qui rentabilisait au mieux l’éclairage naturel. Autre idée novatrice : dès l’annonce d’un futur musée, Scribe créa la Société des Amis du Musée de Gand, dans l’optique d’acheter grâce aux dons une œuvre importante chaque année, principalement de maîtres anciens.
Legs riche
Fernand Scribe décéda en 1913, après s’être encore engagé dans la création d’un Musée des Arts Décoratifs à Gand. Il légua la totalité de sa collection à sa ville natale, libre d’y choisir les œuvres « dignes de figurer dans un des musées de la ville de Gand ». L’année suivante, près de 400 pièces furent inventoriées et estimées. Finalement, trois salles Scribe sont inaugurées le 1er mai 1920 au Musée des Beaux-Arts. Après un portrait sculpté de Scribe par son ami Jacques de Lalaing, et deux toiles peintes par ses soins, l’on peut découvrir dans la première salle les peintres modernes de France et de Belgique. La seconde salle est consacrée à la période des 15e au 18e siècles ; la troisième présente quelques œuvres plus petites, dessins, gravures ou retables sculptés. Fait frappant : parmi les modernes, certains noms comme Permeke ou Gustave De Smet témoignent de la clairvoyance du collectionneur, décédé bien avant leur reconnaissance.

Website : Fernand Scribe via Liberaal Archief

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Lesoir.be

Afghanistan: qu'en est-il du patrimoine ?

Plusieurs sites importants du patrimoine afghan sont menacés de destruction, accusent des archéologues français
Le plus emblématique est celui de Cheshma-e-Shafâ dans la province de Balkh (nord du pays), occupé du Ve siècle avant J.-C. jusqu'au XIIe. Il pourrait être entièrement détruit par la construction d'une route.
Cette destruction pourrait "avoir un impact international aussi important que celle des bouddhas de Bamiyan en 2001", selon les archéologues.
Il y a un an et demi, nous avions déjà interviewé Roland Besenval, directeur de la Délégation archéologique française en Afghanistan (DAFA), structure unique en son genre. Il nous avait expliqué les difficultés quotidiennes auxquelles est confrontée son équipe. Aujourd'hui, la situation ne s'est pas forcément améliorée...
"Le nord du pays, dans lequel nous évoluons, est toujours calme. Mais pour le reste, on assiste à la deuxième vague de destruction du patrimoine afghan", explique-t-il. En raison des pillages ? "Non, ce n'est pas de ce côté là que se situent les problèmes. Il semble même qu'il y en ait moins qu'avant. Et ce en raison de la réduction du nombre de sites à piller. Les commerçants des bazars nous disent eux-mêmes qu'ils ont moins de choses anciennes à vendre", répond-il.
Aujourd'hui, les dangers menaçant le patrimoine viennent davantage des destructions de sites liées notamment à des travaux d'infrastructure. Ainsi à Cheshma-e-Shafâ, "'site unique" du patrimoine afghan, occupé depuis le Ve avant J.-C., jusqu'au XIIe après. Celui-ci est fouillé depuis 2007 par la DAFA. Les lieux, fermés par une gorge, verrouillent la vieille route reliant l'Asie centrale à l'Inde. L'itinéraire a été emprunté par le roi grec Alexandre le Grand, tombeur de la dynastie achéménide (perse), et tous les envahisseurs successifs du pays. Après le passage tumultueux des Mongols, vers 1220, l'endroit a perdu son intérêt stratégique.
Les restes archéologiques sont très abondants. Ils remontent à la période achéménide (la région, appelée Bactriane, constituait alors la partie orientale de l'immense empire perse), mais aussi koushane (II-VIe de notre ère) et pré-mongole. L'équipe française a notamment retrouvé des murs d'enceinte de 15 m de haut et de 9 m d'épaisseur, signe de l'importance du lieu. Elle a aussi mis à jour les ruines d'un "autel du feu" zoroastrien (1), qui pourrait être le plus ancien connu à ce jour. "C'est le seul site de cette dimension en Afghanistan où l'on ait une vision aussi globale sur une période aussi longue", explique Roland Besenval.
Malgré son importance, ce site est menacé par un projet routier du gouvernement afghan. Les travaux sont menés par la société coréenne Samwhan Corporation "qui a déjà eu des problèmes avec le patrimoine" local, croit savoir le directeur de la DAFA. Samwhan Corporation est responsable de cinq projets dans le pays. Ces travaux, qui prévoient notamment de faire sauter une partie des falaises de la gorge, sont pour l'instant suspendus. Selon Roland Besenval, un autre tracé est envisageable mais les autorités n'en veulent pas. "Nous ne sommes pas contre la route. Nous serons les premiers à l'utiliser. Il suffirait qu'elle fasse un petit détour", explique l'archéologue.
La loi afghane n'est pas en cause. "Le problème est qu'elle n'est pas appliquée. Normalement, tous les projets d'infrastructure doivent passer par le ministère de la Culture. Mais celui-ci a peu de poids face au ministère des Travaux publics", observe Roland Besenval.
D'autres sites menacés
D'autres sites du patrimoine iranien sont confrontés à des projets de développement. C'est notamment le cas à Faizabad (nord-est): la vieille ville, à l'architecture traditionnelle, pourrait être détruite par des bulldozers.
A Mes Ainak, un grand site d'époque bouddhique (VI-Xe siècle), avec notamment un monastère, est menacé par un très important projet concernant l'exploitation d'une mine de cuivre à proximité: "Une grande quantité de statues ont d'ores et déjà pillées", constate le responsable de la DAFA. "Nous avons à peine un an pour lever l'hypothèque archéologique. Ensuite, tout sera détruit", ajoute-t-il. A Hérat (ouest), les bâtiments du bazar, notamment des caravansérails, sont peu à peu remplacés par des constructions modernes. "La ville laisse faire", affirme Roland Besenval.
Dans ce contexte, les archéologues français doivent de plus en plus se battre pour conserver ce qui a échappé aux bulldozers. Dans cette lutte, ils sont confrontés "à de gros lobbies financiers". "C'est vers cela que le gros de l'activité évolue, alors que nous ne savons pas forcément comment répondre à tous ces défis", constate Roland Besenval avec amertume. Dans le même temps, la pression talibane est de plus en plus forte...
"C'est désespérant. Mais cela nous rend combatif", déclare le directeur de la DAFA. Autre facteur positif: la médiatisation des destructions. "A Cheshma-e-Shafâ, Samwhan n'apprécie pas de voir qu'on y mêle son nom", constate le responsable français. De la même façon, les autorités afghanes craignent ce genre d'affaires qui peut faire tiquer les financeurs étrangers...

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : France 2 - Culture

V&A to set up Dundee outpost, with hopes to open in 2014

The Victoria and Albert Museum (V&A) is to set up an outpost in Dundee, Scotland. Although branded as “V&A at Dundee”, the project will be locally funded and run.
The new exhibition building will be on the waterfront, in the area between the Tay Road Bridge and Discovery Point, where council offices are being demolished. A precise site will be selected in October, and this will be followed by an architectural competition. Capital costs of the project are likely to be more than £40m.
V&A at Dundee will have a series of spaces. There will be a large temporary exhibition gallery, to host travelling shows from the V&A in London. The plan is to normally have two V&A exhibitions a year and one touring show from elsewhere. In addition, there will be a gallery to showcase Scottish art and design, presented in an international context. This will be curated at Dundee with outside loans, but probably with an input from V&A curators and loans. Discussions are underway about a long-term display of contemporary design, supported with loans from the V&A. It is hoped the galleries will attract 500,000 visitors a year (the V&A in London gets 2.5m).
The V&A stresses that it is providing support, but not funding. The V&A at Dundee steering group, which is setting up the project, comprises Dundee City Council, Scottish Enterprise, the Universities of Dundee and Abertay, and the V&A.
It will be up to Dundee to secure the £40m capital cost. However, the Scottish government has now given its backing, and on 17 August culture minister Michael Russell promised “a significant commitment of support”, although the size of the grant will not be set until the next spending review. The Heritage Lottery Fund is also likely to be approached for an award. Running costs are likely to be the primary responsibility of Dundee City Council. If fundraising goes well, V&A at Dundee could open in 2014.
The V&A has one similar operation, with Sheffield. The London museum provides some exhibitions for the Millennium Gallery, which was opened in 2001 by Museums Sheffield, but the relationship with Dundee will go much further, in that the V&A is more actively involved in setting up the Scottish venture. Discussions are also currently underway about a V&A at Blackpool project, and Blackpool Council is now assembling a funding package.

Website : V&A

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : The Art Newspaper

Le legs Franz Delporte

Bruegel - Paysage d'hiver

Le docteur Franz Delporte fut professeur honoraire à l'Université libre de Bruxelles, où il avait défendu en 1912 une thèse de doctorat sur l'embryon humain. Cet homme de notoriété internationale fut aussi un collectionneur avisé.
A la fin de sa vie, il s'entretint avec le conservateur en chef des Musées royaux des beaux-arts de Bruxelles, le baron Roberts-Jones, de la possibilité de léguer sa collection, et c'est finalement en 1973 que ce qui était alors le legs le plus important jamais accordé au musée fit son entrée dans l'institution.
La cohérence d'un tout
Cet ensemble de 229 œuvres d'art témoigne d'une vie passionnée par la beauté dans toute sa diversité : si l'art ancien prédomine (peintures et sculptures), l'on trouve aussi de l'orfèvrerie, une tapisserie du XVIe siècle, ainsi qu'une sélection d'objets égyptiens, islamiques, précolombiens, indiens, africains, chinois et japonais. Le 26 février 1974, l'on inaugure cette collection désormais publique. Neuf salles du musée lui sont consacrées et selon l'expression des conservateurs, il s'agit d'un véritable musée dans le musée. En effet, les arts non européens ne sont habituellement pas exposés aux Musées royaux des beaux-arts mais plutôt au Musée du Cinquantenaire. L'ensemble, présenté comme tel, conserve la cohérence que Franz Delporte lui donna.
Un chef-d'œuvre de Bruegel
La pièce maîtresse de la collection, c'est sans conteste Paysage d'hiver avec patineurs et trappe aux oiseaux, un panneau de chêne de Pierre Bruegel l'Ancien, qui constitue l'un des chefs-d'œuvre du Musée. Datée de 1565, l'œuvre renvoie certainement à l'hiver du début de cette année-là, qui fut très rigoureux. Comme souvent dans le travail de la dynastie des Bruegel, la composition est fragmentée en une série de saynètes : de nombreux personnages tentent de progresser en patinant sur une rivière gelée, et la richesse narrative ne se révèle qu'au spectateur attentif. Le tout est unifié par l'harmonie chromatique de la neige.
Artistes majeurs des XVIe
et XVIIe siècles
Deux œuvres de Pierre Bruegel le Jeune complètent celle du père : Danse de noce en plein air, et le Massacre des innocents.
Son contemporain Paul Bril, inspiré par un autre des Bruegel, Jan l'Ancien, est présent dans le legs Delporte avec Jonas et la baleine. Paul Bril travailla à Rome pour quatre papes successifs, et cette toile est la réplique réduite d'une fresque qu'il réalisa pour la Scala Santa, l'escalier romain que les fidèles gravissent à genoux.
Autre toile parmi les chefs-d'œuvre du Musée : Vénus et Adonis, réalisée au siècle suivant par Jacob Jordaens.
Curiosités
Le Retable de la Crucifixion (Anvers, XVIe siècle), un triptyque aux volets peints, accueille en son centre une crucifixion sculptée et dorée.
Ce genre d'œuvres sont fréquentes à l'époque dans nos régions ; celle-ci a été « reconditionnée » par un marchand peu scrupuleux à une époque indéterminée, comme en témoignent les panneaux ajustés pour se combiner à la caisse centrale.
En clair, les différents éléments de ce triptyque ne sont pas « nés » ensemble !
D'autres personnages sculptés issus de retables anversois sont conservés dans la collection, aux côtés de sculptures gothiques provenant de Malines, de France, voire d'Espagne et d'Italie.
Plus inhabituel encore pour le Musée, et plus exotique, citons un vase égyptien du IIIe millénaire avant Jésus-Christ, des sculptures en bois de l'époque ptolémaïque, des coupes précolombiennes en céramique, une Maternité du Zaïre, ou un choix de porcelaines chinoises de la Famille Rose, du nom de leur couleur à base de pourpre de Cassius émaillé.

Website : KMSKB-MRBAB

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Le Soir

Elles@centrepompidou - Het museum waar vrouwen baas zijn

Stelt u zich voor dat er uitsluitend vrouwelijke kunstenaars bestaan. Zouden onze musea er dan anders uitzien? Het Centre Pompidou ging het na.
Sinds enkele jaren herschikt het Centre Pompidou regelmatig zijn vaste collectie. In plaats van een historische opstelling die netjes de chronologie volgt, kiest het museum daarbij steeds voor een thematische benadering. Momenteel is er in de afdeling die de kunst van de jongste vijftig jaar omvat, alleen werk van vrouwelijke kunstenaars te zien.
Als je ervan uitgaat dat kunst een ervaring van de werkelijkheid uitdrukt en als je ervan overtuigd bent dat mannen en vrouwen die werkelijkheid op een andere manier beleven, dan moet de kunst van een vrouw fundamenteel anders zijn dan die van een man. In de kunstgeschiedenis die in deze opstelling geschreven wordt, is ergeen plaats voor Marcelle Duchamp, Jacqueline Pollock of Joséphine Beuys. De kunst die hier getoond wordt, vertrekt niet langer vanuit de kunst, maar vanuit een sociaal-culturele werkelijkheid, waarbij de pretenties van de mannelijke kunst op de helling worden gezet.
De getoonde vrouwen zijn beeldenstormers. Zij heten Frida Kahlo, Louise Bourgeois, Marina Abramovic of Rebecca Horn. Hun werk gaat over de problematiek van de vrouwelijke kunstenaar, haar plaats in de maatschappij en haar zoektocht naar een eigen identiteit.
De expositie is een manifest, een aanklacht tegen de ondervertegenwoordiging van vrouwelijke kunstenaars in de musea. Op de vorige collectiepresentatie ver-tegenwoordigden zij amper vijf procent van de kunstenaars. Dat was evenveel als op de academische Salons van vóór de Franse Revolutie. De tentoonstelling in het Centre Pompidou toont dan ook precies wat ze wil aanklagen.
Omdat traditionele media zoals de schilder- en beeldhouwkunst door mannelijke kunstenaars al eeuwenlang bezet waren, kozen vrouwen vaak eerder voor nieuwe media als fotografie, video, performance en body art. Niet toevallig zijn dat media die dicht bij de realiteit staan. Ze werden door vrouwelijke kunstenaars niet alleen gebruikt om hun eigen realiteit te tonen, maar vooral om die te beleven.Hun kunst is zowel extravert als exhibitionistisch, zowel intiem als militant. Ze gaat over het vrouwelijke lichaam en over de vrouwelijke identiteit. Traditioneel vrouwelijke activiteiten als breien, borduren of koken krijgen een artistieke betekenis.
De collectiepresentatie, die de titel elles@centrepompidou kreeg, schetst vooral de historische context van de jaren zestig en zeventig. Militante vrouwen zoals Yoko Ono, de Franse Orlan of de Italiaanse Gina Pane eisten op een directe, soms ironische manier hun plaats in de kunstwereld op.De nieuwe presentatie heeft ook interesse voor jonge en minder bekende, meestal niet-Europese vrouwen, die dankzij de vorige generatie gemakkelijker hun eigen artistieke taal hebben gevonden. Hun werk is minder anekdotisch, minder expliciet en minder militant, maar daarom niet minder vrouwelijk.
Zolang het geslacht van kunstenaars, hun seksuele voorkeur of hun huidskleur, het onderwerp van een expositie is, wordt hun kunst als marginaal beschouwd. De nieuwe opstelling is dan ook op haar best waar ze zichzelf overbodig maakt. Daar waar men zich de vraag naar het geslacht van de kunstenaar niet meer stelt, kan de kunst worden recht gedaan. Vandaag willen vrouwelijke kunstenaars niet meer als vrouw erkend worden, maar als kunstenaar.

In het Centre Pompidou, tot 24 mei 2010.

Website : Centre Pompidou

FIC123.BE een website met info en cultuur.
Bron/Source : De Standaard

Contour 2009

4DE BIËNNALE VOOR BEWEGEND BEELD
15.08.2009-18.10.2009 MECHELEN

Contour is een even spannende als ontspannende manier om hedendaagse beeldende kunst van internationaal niveau te ontdekken. Contour presenteert film, video en installaties in bijzondere ruimtes in de historische binnenstad van Mechelen, onverwachte of ongebruikelijke plekken die op wandelafstand van elkaar liggen.

Editie 4 draagt de stempel van curator Katerina Gregos. Onder de titel ‘Hidden In Remembrance Is The Silent Memory Of Our Future’ stelt de tentoonstelling indringende vragen over de geschiedenis zoals ze tot ons komt en over het belang ervan.

Contour is goed voor meer dan 5 uur kijktijd. Daarom blijft je ticket de hele duur van de tentoonstelling geldig. Op het startpunt aan het Cultuurcentrum is er een gratis voorproef.

Website : Contour 2009

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Les icônes bulgares montrent une chrétienté résistant à l'art byzantin mondain

Après trois ans de restauration, la Sainte-Chapelle du château de Vincennes a rouvert ses portes au public (Le Monde du 25 juillet 2009). Paradoxalement, ce n'est pas le moment idéal pour aller s'extasier sur l'oeuvre des architectes Raymond du Temple et Philibert de l'Orme, achevée en 1552.
Le Centre des monuments nationaux a en effet profité de l'espace retrouvé mais vide de signes majeurs de piété pour y présenter, jusqu'au 31 août, "Les trésors des icônes bulgares", une exposition exceptionnelle consacrée à l'art religieux bulgare, en coproduction avec la Galerie nationale des beaux-arts de Bulgarie. Son directeur, Boris Danaïlov, en assure le commissariat.
L'exposition du mont Athos, (Le Monde du 25 avril 2009) au Petit Palais à Paris, avait permis aux brebis égarées dans la complexité de l'histoire récente des Balkans de retrouver les sentiers de l'histoire. A la Sainte-Chapelle, une centaine de chefs-d'oeuvre, dont quatre-vingts icônes, retracent près de quinze siècles de création (du IVe au XIXe siècle).
Ils sont présentés dans une muséographie de Frédéric Casanova, qui ne s'est pas encombré de mimétisme avec la chapelle, imaginant d'improbables avatars d'une architecture bulgare en bois, pour partie religieuse, navale ou paysanne et susceptible d'accueillir toutes les époques. L'espace y est compté, comme dans de minuscules chapelles, et les visiteurs doivent attraper une lumière volontairement réduite - ce que peuvent supporter ces oeuvres fragiles.
Répondant naturellement à cette mise en espace pittoresque, les oeuvres, très diverses, opposent une force partagée, une unité posée tranquille.
Du célèbre Saint Théodose, hiératique et inspiré - plaque de céramique du Xe siècle retrouvée au monastère de Patleyna (Preslav) - l'icône des Quarante Martyrs au sort clairement peu enviable (Musée national de Sofia), en passant par la Nativité étonnamment architecturée de la Galerie des beaux-arts de Plovdiv, le choix des oeuvres présentées révèle un arsenal imaginatif au-delà des codes et usages.
Faut-il y voir l'effet d'un syncrétisme persistant ? "Bien qu'associée à la communauté byzantine, la Bulgarie développe une culture chrétienne spécifique, résistant aux aspects mondains de l'art byzantin mais sensible à ses valeurs orthodoxes, nous souffle le catalogue. En raison de la vitesse à laquelle s'accomplit la conversion au christianisme, une partie du clergé ne possède qu'un niveau de formation assez peu élevé." Deux cultures vont cohabiter : l'une liée à la pratique liturgique quotidienne, l'autre issue de l'élite slave et proto-bulgare qui, à l'image de l'élite byzantine, est très instruite.
Le XIXe siècle et son enseignement tend à effacer définitivement cette heureuse cohabitation pour imposer des canons plus mièvres et pourtant plus sûrs d'eux. Dans le domaine religieux, cette mutation n'est pas spécifique à la Roumanie. Ici, on aura tendance à revenir vers les périodes les plus reculées d'un Moyen Age aux vues lumineuses.

Website : Château de Vincennes

FIC123.BE een website met info en cultuur.
Bron/Source : Le Monde

Sotheby's returns to Derbyshire this autumn for a fourth installation of sculptures

Sotheby's announced that following the enormous popularity and success of its Beyond Limits exhibitions at Chatsworth over the last three years, it will return to Derbyshire this autumn for a fourth installation of modern and contemporary sculpture set against the picturesque gardens of the ancestral home of the Duke and Duchess of Devonshire. Beyond Limits is currently in the process of being installed, with new works arriving and being placed in to position on a weekly – and sometimes daily – basis. The exhibition will open to the public on Monday, September 14, 2009 and will run until Sunday, November 1. This year will be Sotheby’s largest and most diverse selling exhibition of sculpture at Chatsworth to date.
As public art thrives and flourishes - and debate around it gains an ever higher profile - so Sotheby’s Beyond Limits exhibition continues to evolve and in recent years it has firmly established itself on the arts calendar and as one of the most prestigious platforms for displaying modern and contemporary outdoor sculpture. The forthcoming exhibition will showcase an exciting array of sculpture by both classic Modern names and more cutting-edge Contemporary artists. The works will have an international feel; the home-grown UK talents of Henry Moore, Antony Gormley, Marc Quinn and Richard Hudson will be exhibited alongside examples by artists from France, Spain, Italy, Switzerland, Poland, China, India, Japan, Taiwan, the US, Canada, Columbia and Israel.
Commenting on the exhibition, Alexander Platon, a Director in Sotheby’s Impressionist & Modern Art department, who has curated the exhibition in recent years, states: “Beyond Limits continues to be fantastically well received and we are therefore delighted to be staging our fourth exhibition at Chatsworth, particularly at a time when discussion and debate around large-scale public sculpture is more topical than ever before. This year’s exhibition is our largest and most diverse yet and we are thrilled with its sheer range, beauty, colour and international make-up. To the spectacular backdrop of Chatsworth we are bringing an inspiring mix of classical and iconic works of art as well as cutting-edge names from countries as far afield as India, China, Taiwan and Poland.”
The Duke of Devonshire states: “We are so pleased to be staging another Beyond Limits exhibition in the garden at Chatsworth this autumn, and the Duchess and I are thrilled to have - in particular - such an excellent view of Henry Moore’s Three piece reclining figure: draped from our drawing room. It is one of the standout pieces of all the Beyond Limits shows. There are, as always, a great variety of fascinating and spectacular works throughout the garden, every one of which we are thoroughly enjoying”.
A life-size maquette for the world-renowned Angel of the North by Antony Gormley (b. 1950) is one of the undoubted star attractions and takes prime position at the end of Chatsworth’s majestic Canal Pond. Arguably the most widely recognisable public sculpture in the UK, Gormley’s Angel of the North has become an icon of the modern, industrial age. The 1:10 scale cast-iron maquette dates to 1997 and is the second cast in an edition of five. The maquette marks a definitive stage in the development of Gormley’s iconic sculpture as it transcended from human to gargantuan proportions. The Angel takes as its principal concern the concept of the human condition and man’s will to overcome the barriers of terrestrial existence. Gormley states: “The Angel was designed to mark a place and try to connect the earth and sky through its body.”
Henry Moore’s (1898-1986) Three Piece Reclining Figure: Draped from 1975 is another highlight of the exhibition. The sculpture’s organic and fecund contours were inspired by the artist’s acute appreciation of the sculptural tradition – especially that of early Greek and ancient Mexican carvings – tempered by his profound sensitivity to natural landscapes and objects. The reclining female figure played an important role in Moore’s vast oeuvre and Three Piece Reclining Figure: Draped is an exceptional example of this seminal motif.
Marc Quinn’s (b. 1964) monumental Archaeology of Desire is based upon a naturalistic Phalaenopsis, a genus of the orchid family, which has been rendered in exquisite detail. The delicate petals defy the properties of the bronze medium in which they are cast to appear almost weightless and ethereal. On an immense scale – the sculpture measures 2.5 metres in height – the flower takes on an ominous presence, resembling the wings of the Phalaena moth from which the orchid takes its name. The work belongs to a series of sculptures and paintings through which the artist explores the concept of ideal beauty, especially through genetic modification. International highlights:
Artists from some 14 countries will be represented in this year’s show and these include a strong contingent of works by Hispanic and Asian artists.
Spain’s Manolo Valdés (b. 1942) leads the Hispanic offerings alongside works by fellow Spaniard Jaume Plensa (b. 1955) and Columbia’s Fernando Botero (b. 1932). Valdés is represented by two monumental bronzes, Mariposas (Butterflies) and Ariadna I, and he is quoted as saying: “Seeing my work in such a spectacular setting is very rewarding. It is seldom that one may find such an ideal place as Chatsworth to show this type of art (Sotheby’s at Auction, September 2009).” Botero’s Dancers depicting an embracing couple has been installed high up on the Broad Walk commanding views over the Derwent valley, while a specially commissioned series of six net curtains, made up of characters from the alphabet and entitled Song of Songs, will be installed in the hitherto moribund octagonal game larder built by the 9th Duke.
Asian artists are represented by China’s Zhan Wang (b. 1962), India’s Subodh Gupta (b. 1964), Japan’s Yayoi Kusama (b. 1929) and Taiwan’s Ju Ming (b. 1938) while Igor Mitoraj (b. 1944) – the internationally renowned Polish sculptor – is the exhibition’s first-ever Eastern European artist. Tragic and beautiful, his classicising sculptures question the often perilous relationship between strength and virility on the one hand, and the fragility of the human condition on the other.

Website : Chatsworth

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Artdaily

Paddington Reservoir Gardens and sustainable Sydney 2030 plan win prestigious design awards

The City of Sydney was awarded Australia's most prestigious urban design award for excellence for the restoration of Paddington Reservoir Gardens. The 'Australian Award for Urban Design' highlights design excellence and innovation in the built environment and acknowledges the critical role of good urban design in the development of our cities and towns. "We are very proud of The City's restoration of Paddington Reservoir Gardens - injecting life into the historic site and providing this inner city community with vital new open space and a new cultural facility," Lord Mayor Clover Moore MP said. Judges commended the City for creating a unique, surprising, functional and totally engaging public park that has captured the imagination of residents and visitors. The City's Sustainable Sydney 2030 plan was awarded a commendation for its comprehensive, focused and well-structured framework. Judges said the vision is exciting and innovative and successfully converts complex, strategic planning issues into detailed and well illustrated urban design solutions. The coveted awards were presented by Federal Minister for the Environment, Peter Garrett at a presentation dinner in Canberra. Hosted this year by the Planning Institute of Australia, The Australian Award for Urban Design was created by Prime Minister Paul Keating's Urban Design Task Force in 1996 to recognise new urban design projects of high quality, and to encourage cities and towns of all sizes to strive for improvement.

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Artdaily

Amsterdam-Zuid heeft een nieuwe beeldenroute

Liefhebbers van moderne beeldenkunst kunnen hun hart ophalen in Amsterdam-Zuid. Kunstenaar Michiel Romeyn en architect Roberto Meyer hebben in de Apollolaan en de Minervalaan een beeldenroute van moderne, naoorlogse en hedendaagse sculpturen samengesteld.
De route is een initiatief van enkele buurtbewoners. De locatie is niet zomaar gekozen: de straten zijn onderdeel van het Plan Zuid van Berlage, de stadsuitbreiding van 1917. Volgens de initiatiefnemers passen de moderne beelden goed in het ,,lommerrijke decor'' van Plan Zuid.
In totaal zijn 39 beelden te zien van onder anderen Ossip Zadkine, Shinkichi Tajiri, Joep van Lieshout en Paul McCarthy. De kunstwerken staan tot 26 oktober in Oud-Zuid opgesteld.

Website : Amsterdam-Zuid Online

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : PZC

'Het Melkmeisje' verhuist naar New York

Het Melkmeisje van Johannes Vermeer gaat naar de Verenigde Staten. Het Metropolitan Museum of Art in New York City.

Het Melkmeisje zal van 10 september tot en met 29 november te zien zijn op een speciale tentoonstelling over 17de-eeuwse Nederlandse kunstenaars. Het wordt voor het eerst in zeventig jaar dat het Melkmeisje de oversteek maakt. Het schilderstuk was voor het laatst in de VS te zien op de Wereldtentoonstelling van 1939.

Het 'Met' zal daarnaast alle vijf schilderijen van Vermeer uit zijn eigen collectie ten toon stellen. Het Melkmeisje, dat dateert uit 1657-58, wordt uitgeleend door het Rijskmuseum in Amsterdam.

Website : The Metropolitan Museum of Art

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : De Pers

Atelier Antoine Wiertz, un atelier qui est un musée

Antoine Wiertz (1806-1865) est l'un des représentants de la peinture romantique belge. Ce ne sont pas tant ses oeuvres que la démarche toute entière de l'homme qui l'inscrivent dans le courant : ce créateur d'immenses toiles emplies de fougue – Le triomphe du Christ, Les Grecs et les Troyens se disputant le corps de Patrocle, La Chute des Anges, Le Phare du Golgotha –, avouait ouvertement travailler pour la gloire, la sienne et celle de son pays.
En 1850, il écrivit : « Je suis orgueilleux et ne crains point de le paraître sachant qu'aux yeux des gens sensés il n'y a pas lieu avant la fin de l'œuvre d'un homme, de le condamner ou de l'absoudre, et que pour juger un peintre il faut attendre deux siècles au moins ».
Accord avec l'Etat
Et Wiertz s'est donné les moyens de rester dans les mémoires pendant ces deux siècles. Après avoir travaillé à Liège dans une église désaffectée, il s'installa à Bruxelles où il parvint à négocier la construction d'un grand atelier aux frais de l'Etat, en échange de certaines toiles monumentales.
La convention fut établie en 1850 : Wiertz reçut la somme de 30.000 francs pour construire un atelier qui appartiendrait à l'Etat, mais dont l'artiste aurait la jouissance. En contrepartie, il cédait trois peintures, qu'il acceptait d'exposer au public dans son atelier. En somme, l'Etat offrit à un artiste un musée à sa gloire, de son vivant.
L'atelier devient musée
En 1865, Wiertz décède. Selon son souhait, il est embaumé dans la tradition égyptienne, et son cœur, placé dans un coffret de plomb, est placé à l'Hôtel de Ville de Dinant où il est né. Les hommages se multiplient et parmi eux, Emile de Laveleye écrit alors : « La Belgique peut certes inscrire le nom d'Antoine Wiertz, non seulement pour la vigueur de son talent, mais aussi pour la beauté de son caractère, exemple rare de désintéressement absolu et de dévouement complet à l'art et aux poursuites les plus élevées de l'esprit humain ».
Son légataire universel, le futur premier conservateur du Musée, est chargé de sélectionner les œuvres qui seront données à l'Etat. Il donnera tout ce qui se trouve dans l'atelier-musée, soit 206 œuvres et 27 objets personnels.
Pour les exposer au mieux, trois salles sont construites dans les années qui suivent. Dans la foulée, le musée est rattaché aux Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique.
Témoin d'une époque
Selon la description des guides de l'époque, la première chose que l'on remarque avant même de pénétrer dans le domaine du musée, c'est la colonnade dorique copiée sur le temple de Paestum : le visiteur de l'époque ne peut s'empêcher de se demander, en arrivant devant l'édifice, quelle colonie antique, grecque ou romaine, a bâti ce lieu
Ensuite, le guide note un « jardin géographique » qui représente les différentes villes d'Europe. A l'entrée de l'atelier, deux phrases sont inscrites sur les portes, au fusain, de la main du peintre : l'une sur l'orgueil, l'autre sur la modestie.
A l'intérieur, les œuvres monumentales côtoient les plus petites, dans un accrochage à l'ancienne, sur plusieurs niveaux. Le tout est baigné dans la lumière que diffuse la verrière du toit.
Aujourd'hui, près de 150 ans plus tard, les lieux sont demeurés identiques. L'on peut toujours visiter le Musée Wiertz (1), même si les motivations ont évolué : le lieu témoigne plus aujourd'hui d'une époque révolue, tant en ce qui concerne le jugement de l'histoire de l'art sur l'artiste que sur la muséographie du XIXe siècle. Quoi qu'il en soit, le charme suranné de ce lieu oublié offre un dépaysement sans nul autre pareil à Bruxelles.

Website : Le Musée Antoine Wiertz

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Le Soir

L'art surgit dans la nature

Le Centre d'art contemporain du Luxembourg belge a déplacé ses pénates au coeur de la forêt où patrimoine et nature dialoguaient depuis de nombreuses années. L'art contemporain vient désormais se mêler à la conversation

On l'a échappé belle. Au beau milieu de la forêt, à deux pas du sentier qui mène à la clairière, une étrange structure rouge semble être tombée du ciel. Droit sur les ruines que nous venions visiter. Bizarre autant qu'étrange. D'autant plus bizarre qu'à cinquante mètres de là, dans la même clairière, une autre structure du même rouge surgit de terre comme une rampe de lancement. Serions-nous, par hasard, tombé sur une base secrète de l'Euro Space Center ?
Coiffé d'un chapeau d'explorateur, un homme s'approche pour éclairer notre lanterne. Directeur du Centre d'art contemporain du Luxembourg belge (caclb), Alain Schmitz ne manque jamais d'enthousiasme.
Il y a trois ans pourtant, le caclb se retrouvait sans toit, après de nombreuses années passées à la Grange du Faing, avec une succession d'expositions de grande qualité. Beaucoup auraient baissé les bras. Alain Schmitz et les siens ont retroussé leurs manches et déplacé leur pénates sur le site entourant le musée lapidaire, étonnante construction géométrique de Constantin Brodzki, au cœur de la forêt à Montauban-Buzenol. Patrimoine et nature y dialoguaient depuis de nombreuses années. L'art contemporain vient désormais se mêler à la conversation.
Au sommet de la colline, à hauteur du musée lapidaire, Rainer Gross a construit ses deux structures en lattes rouges, inspirées par l'architecture du refuge fortifié de Montauban, aujourd'hui en ruine. Une forme de « dessin dans l'espace » selon l'expression de l'artiste. Sous le titre « Habiter le temps », il renvoie à la vanité des constructions humaines, invitant à travers ses constructions à redécouvrir le ciel et les arbres qui nous entourent.
Plus bas dans la forêt, Stéphanie Jacques, jeune artiste de la région, a mêlé ses entrelacs d'osier aux arbustes longeant le chemin. Ça et là, on découvre également les sculptures-nichoirs conçues par Dominique Marx.
Au niveau de la route, d'autres ruines attirent le visiteur. Sur le sommet d'un des murs de l'ancienne halle à charbon, on découvre un tas de branchages rouges, soigneusement rangés comme dans l'attente d'alimenter un feu de joie. Sur le mur d'en face, dépourvu de toit depuis de nombreuses années, Jean-Jacques Pigeon a disposé d'autres branchages teints dans les nuances du noir au gris. Formant un triangle, ils rappellent les fauldes, tas de charbon conique qu'on trouvait dans la région quand les lieux servaient à la métallurgie.
On assiste ainsi à un aller-retour permanent entre passé et présent, au cœur de la nature. Venu du Québec, Jacques Desruisseaux a dégagé un petit monticule de ses ronces. On y accède par un étroit chemin, laissé à l'état quasi sauvage. Empilement de roches, structures métalliques : l'artiste québecois invite à regarder le lieu avec un œil neuf, à travers son travail. En redescendant vers les larges étangs où se baigne un cygne solitaire, on arrive à la petite maison occupée par le caclb. L'ancien bureau des forges de Montauban.
On y accueille les visiteurs (des petits audio-guides avec la voix de Rainer Gross sont fournis pour la visite de la colline) tandis que deux expositions photographiques occupent les murs. Au rez-de-chaussée, Daniel Fouss présente le résultat de sa mission photographique sur les lieux. On y découvre le site au fil des saisons mais aussi des images étonnantes des artistes au travail. A l'étage, Guy Vandeloise propose ses sculptures en bois tandis que Guy Jungblut et François De Coninck montrent un premier état de leur surprenant travail sur « le ciel vu de la Belgique ». Retournant les propositions multiples montrant la terre vue du ciel, ils photographient nuages et immensité bleutée à partir de divers sites belges. Un travail mêlant poésie et humour dont on attend avec impatience la sortie en librairie. Une manière idéale de conclure ce parcours au cœur de la nature et de l'art d'aujourd'hui.
Site de Montauban-Buzenol (Etalle) , dates diverses pour chaque exposition. Ouvert en permanence sauf le bureau des forges (du mardi au dimanche de 14h30 à 18h). Entrée libre.

Website : Centre d'art contemporain du Luxembourg belge

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Le Soir

New private museum on Venice's Murano island

Dealer Adriano Berengo, who organised “Glass Stress”, an official collateral exhibition at the 53rd Venice Biennale (until 22 November), is opening a private museum dedicated to glass this November on the island of Murano. The Spazio Berengo will house his permanent collection, as well as travelling exhibitions, in an 18th-century glass factory with a projected cost of €1.5m.
“Glass has been underappreciated and I see this new museum as part of my ongoing efforts to elevate it to fine art,” says Mr Berengo, who has three galleries in Venice, four in Murano and one in Arnhem, Holland. “Peggy Guggenheim inspired me to create this new initiative, and the glass I focus on has nothing to do with design or with the American studio glass movement.”
Over the past 20 years, Mr Berengo—who owns a glass furnace that he permits artists to use on a regular basis—has accumulated a number of prototypes by artists including Kiki Smith, Tony Cragg and Fred Wilson. He has 900 examples in total, spanning the late 1980s to today, and many will be on display. He also has a vast amount of archival material including drawings and videos.
“I think his new space will be a wonderful forum for contemporary glass, especially for Murano, and it should infuse new life into both the island and the medium,” says Tina Oldknow, curator of modern glass at the Corning Museum of Glass in New York state.
Mr Berengo purchased the 12-room building seven years ago for the museum, which will also contain a bookstore dedicated to glassware.

Website : Berengo Studio

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : The Art Newspaper

The Fundacio Arranz-Bravo to open new art space in Barcelona

The Fundació Arranz-Bravo has a collection of 290 of the artists works, of which 97 are paintings (including many large format ones), 59 are drawings and paintings on paper, nine are bronze sculptures (including the bronze and aluminum prototype of El Pont de la Llibertat, which is located at the junction of Rambla de la Marina and Avinguda del Carrilet in L’Hospitalet), one is a polychrome sculpture – L’Acollidora de la Fundació – and 124 are engravings using a variety of techniques (etchings, lithographs and serigraphs). Two theatre sets also form part of the collection.
The collection begins with works from the 1950s, which hold a great deal of interest for scholars of his oeuvre, and continues year by year up to the present day.
Thanks to the Fundació’s exhibition, Arranz-Bravo’s works, which can be seen in many places abroad, can now be examined in detail in L’Hospitalet, a city with which the artist has very strong ties. These ties began to form with the installation of the bronze sculpture L’Acollidora – a symbol of the city – in L’Hospitalet’s Rambla de Just Oliveras. The Fundació Arranz-Bravo has already done a significant amount of dissemination work through a travelling exhibition containing selected artworks from its holdings. This exhibition was organised by Barcelona Provincial Council, and visited several towns. In addition, the Fundació has produced a number of publications, like the catalogue of his visual artworks, a facsimile edition of the book Sí EAB and the bibliophile’s book On éreu?, with seven of the artist’s original lithographs and seven texts by Francesc Parcerisas.
The Fundació Arranz-Bravo intends to hold a series of temporary exhibitions of young, dynamic art, placing a great deal of emphasis on the aspect of “hosting” the very latest in artistic trends. Finally, the Fundació Arranz-Bravo is aiming to become a cultural reference point for L’Hospitalet and to provide the city with a national and international meeting place.
The Arranz-Bravo Foundation will be open next September.

FIC123.BE een website met info en cultuur.
Bron/Source : Artdaily

Lyme Caxton missal goes on public thanks to Art Fund help

From 24 July, visitors to the National Trust's Lyme Park in Cheshire will be able to turn the pages of a remarkable 15th century book using the latest digital technology. The book, entitled The Lyme Caxton Missal, is the sole surviving copy of an exceptionally early printed prayer book, the 'Sarum Missal', published by William Caxton in 1487.
Thanks to the generous assistance of The Heritage Lottery Fund, independent charity The Art Fund (with a contribution from The Wolfson Foundation) and many other organisations and individuals, the National Trust acquired the missal last year.
The Missal was used by priests for Mass and the orders of worship from daily prayers to wedding and funeral services. It was one of the first books to be printed in two colours, red and black, which was cutting-edge technology at the time, and the first to use Caxton’s famous woodcut printer’s device.
In Lyme Park’s spectacular library, visitors will be able to view the unique Missal, with its stunning hand-coloured illustrations and fascinating notes and annotations, alongside a cutting-edge digital version. This brings this amazing book to life using the latest version of the British Library’s award-winning ‘Turning Pages’ technology.
James Rothwell, National Trust Curator for Lyme Park said:
“The Missal was very much a ‘working’ book in daily use – the ‘internet’ of its day for priests - and gives us a fascinating window across 500 years of English history. However, it’s not only a religious prayer book, but contains many handwritten annotations in the margins of its pages which give us more intimate glimpses of the thoughts and aspirations of its owners, the Legh family of Lyme across the centuries.
Today’s digital technology also means we can ‘hear’ the 15th century through listening to specially recorded passages from the Missal text being sung. Music was an integral part of the Sarum rite, and the plainchant in the Missal would have been sung by a priest. The use of Missals such as these were banned in 1549, under Edward VI – so to be able to hear today what people at Lyme would have heard over 500 years ago is a fantastically potent way of connecting with the past”.
Sara Hilton, Head of Heritage Lottery Fund North West, said:
"As the earliest printed text that bears Caxton’s trademark, the Lyme Sarum Missal represents an important historic record of the development of printing, whilst within its pages the revisions and annotations illustrate the huge impact the reformation had on people of the time. Thanks to our funding, the National Trust will be able to give more people the opportunity to explore and enjoy this wonderful heritage treasure - both now, and for many generations to come."
Andrew Macdonald, Acting Director of The Art Fund said:
“The Lyme Missal is a beautiful work of art and it gives us an extraordinary insight into religious life in 15th century Pre-Reformation England. The Art Fund is delighted to have helped return this remarkable book to its original home in Lyme Park”. To celebrate the return of the Missal to Lyme Park, and as part of an ongoing project to make rooms in its houses more accessible to visitors, the National Trust decided to recreate the 19th century décor of the library at Lyme Park as it would have been when the Missal was rediscovered and put on display. This has so far included the re-decoration of the library’s plaster ceiling to look like it is made of oak, and commissioning new gaufraged velvet for the upholstery and library curtains from a specialist textile company, LELIEVRE in France, which used specially commissioned rollers to produce the pattern on the fabric based on the original 1840s design in the library. Much of the work is being done in front of visitors to the house.
The final pieces in the restoration jigsaw will include the copying of original furniture for use by visitors and the re-papering of the library walls with authentic replica wallpaper based on original fragments discovered in the room, and from imprints of the earlier design left on the wall. This is planned to take place over the coming autumn/winter period and will be completed in time for the 2010 opening season.
David Morgan, General Manager of Lyme Park said: "We’re delighted that the Missal can now be seen and enjoyed in the splendid setting of the library. The careful and painstaking work to restore the room to its 19th century appearance is still continuing and provides a fascinating insight into the Trust’s work and the traditional techniques of its craftsmen. The library is already a really welcoming place where visitors can sit down and read a book – and simply enjoy the room.
The return of the Missal to Lyme Park has not only re-united an historic book with its original setting - it has also ensured that both the book and the library are now accessible to the public in ways never before possible".
The Legh family of Lyme Park owned the Missal from soon after it was printed in the late 15th century, but for many years the book was hidden away, only to be rediscovered by a visiting scholar to Lyme in the late 19th century, when the Missal was put on display in the library. It was removed from the house by the family in 1946, to return when the National Trust acquired it last year.
Lyme Park house is open Friday – Tuesday, 11am – 5pm until 1 November. The gardens and park are open daily.

Website : The Art Fund

FIC123.BE een website met info en cultuur.
Bron/Source : Artdaily

HKIAAF returns this year for fifth time

The annual Hong Kong International Art and Antiques Fair (HKIAAF 09) will be held in the prestigious Hong Kong Convention and Exhibition Centre from 3 to 6 October 2009. HKIAAF 09 is now recognized as Asia’s premier art fair presenting a unique combination of Art and Antiques. This will be the 5th fair organized by Art & Antique International Fair Ltd and as usual it will showcase a wide range of collecting categories spanning from antique Himalayan bronzes through to contemporary art. The exhibition space will be specially designed to create a relaxing and stylish ambience, and to highlight the creative synergy between antique and modern, East and West.
HKIAAF 09 will once again coincide with Sotheby’s Autumn Auctions held in the same venue. Early October is the peak art season in Hong Kong, attracting major international dealers, collectors and connoisseurs from around the world to both the auctions and the fair, as well as exciting exhibitions and art events around the city.
Andy Hei, Founder and Director of Art & Antique International Fair, said: “The fair offers a unique opportunity for local and international collectors to meet in the dynamic art hub of Hong Kong, to appreciate and acquire art works of the finest quality and creativity. Despite the global economic downturn, the Asian and Chinese markets have shown an excellent performance, consistently achieving strong results by comparison with Western markets. We believe there is still considerable potential for the growth of the art market here and that Hong Kong and Asia will lead the world in future.”
A select group of leading local and international galleries will participate in this premier art event. They include antique specialists such as Robert Hall (UK), Rossi & Rossi (UK), Kaikodo (USA), Kankodo (Japan), Mehmet Hassan Asian Art (Thailand), M & C Gallery (Hong Kong) and Martin Fung Ltd (Hong Kong), alongside contemporary art galleries such as Alisan Fine Arts (Hong Kong), Sundaram Tagore Gallery (USA, Hong Kong), Kwai Fung Hin Art Gallery (Hong Kong), Gallery Miz (Korea) and Grotto Fine Art (Hong Kong).
HKIAAF will feature a wide range of sculpture in both the antiques and contemporary sections. Of note are works by renowned Chinese sculptors Gao Xiao Wu (Kwai Fung Hin Art Gallery) and Xu Hongfei (Galerie Ora-Ora). There will also be a special focus on Hong Kong artists, who increasingly are establishing their artistic identity, in both fine art and art jewellery, as represented by renowned artists Kai Yin Lo and Wallace Chan.
An Academic Programme of talks and symposiums led by world-renowned art organizations and international art scholars will be held during the fair, providing an opportunity for discussion on latest developments in the global art scene.

Website : HKIAAF 09

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Artdaily

The Smallery - Germany's smallest Gallerry

From the beginning of August Germany’s largest city is the home to what is probably the smallest gallery in the country. The Smallery.

Behind the project is PULK Berlin. The Smallery itself is a small, purpose-built garden shed. The exhibition manages to fit 24 pieces into an exhibition space less than 1.5 m2 in size.
The pieces are contributed by internationally successful illustrators from New York, Toronto, Los Angeles, Barcelona, Vegby (Sweden), Hamburg, Munich and, of course, Berlin. The pieces themselves are, not surprisingly, unusually small. Each piece is to be reproduced in an edition of 50 high-quality prints and is available to purchase for 30 Euros. The opening took place on Friday in the PULK courtyard, Torstrasse 109 in Berlin-Mitte.

The Smallery will be open to the public from Saturday the 8th of August and from this point on will be found for four weeks on one of the last remaining empty pieces of land in the Weinbergsweg, which runs between Mitte and Prenzlauer Berg.
PULK also welcomed the radio station MotorFM who will, as media partner to the project, be providing editorial and on-air promotions for its duration.

The 12 participating artists are: Gary Baseman / Los Angeles, Thomas Fuchs / New York, Sophie Herken / Berlin, Marc Herold / München, Sabine Kippenberg / Hamburg, Isabel Klett / Barcelona, Andrea Ventura / New York / Berlin, Johan Potma / Berlin, Felix Reidenbach / Vegby, Gary Taxali / Toronto, Andrea Ventura / New York / Berlin, Riccardo Vecchio / New York.

PULK Berlin is a creative network that serves as an agency for communication with focus on graphic design, advertising, film, music and brand architecture. PULK’s clients include adidas, Betterplace.org., Bosch, DER SPIEGEL, MotorFM und MTV/ VIVA.

Website : http://www.pulk-berlin.com/smallery/

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Art Knowledge News

La Lx factory attend un project de quartier

A Lisbonne, une friche industrielle devenue la Lx Factory attend un projet de la mairie pour le quartier d'Alcântara
Pourtant, deux ans après son lancement par Mainside, société spécialisée dans la réhabilitation d'immeubles anciens, les 23.000 m² de friches, perpendiculaires aux docks de Lisbonne, sont devenus un espace de création incontournable.La Lx Factory, au succès grandissant, regroupe en effet quelque 80 sociétés dans les domaines de l'art et de la mode.
Au pied du pont métallique 25 Avril, qui enjambe le Tage, se dresse une ancienne citerne d'eau en béton où, dans une ambiance décontractée, le va-et-vient de professionnels des industries créatives est incessant. La Factory de Lisbonne (dont Lx est l'abréviation) reste toutefois un projet provisoire tant que la mairie ne présente pas son plan d'ensemble pour le quartier.A l'extérieur, rien n'a changé. Hangars et entrepôts en acier, brique, verre et béton armé, témoins de l'architecture industrielle du début du XXe siècle, se succèdent dans le quartier occupé jadis par une ancienne compagnie de filature, une usine de sucre ou encore une imprimerie. A l'intérieur, l'ossature métallique associée au verre et au béton contraste avec l'esthétisme soigné des boutiques de design et galeries d'art, attirées par les bas prix de location. On y trouve également un café, un restaurant, une école d'acteurs, la rédaction d'un magazine de mode, une société de production audiovisuel et ateliers d'artistes peintres ou encore des cabinets d'architecture."Ici, les occupants savent qu'ils s'installent provisoirement", souligne l'architecte Filipa Batista, qui gère les lieux pour Mainside. Les locataires de la Factory lisboète déboursent entre 6 et 12 euros le m² et signent des baux de cinq ans, mais peuvent être amenés à quitter les lieux avant ce délai sans avoir droit à des indemnités. Le concept a été rapidement rattrapé par son succès et les candidats ne manquent pas.Le public apprécie également le lieu et la Lx Factory s'est rapidement imposée comme un nouveau lieu de loisir, notamment en soirée. Ses nuits portes ouvertes concurrencent fortement le Bairro Alto, quartier de la movida lisboète depuis plus de vingt ans.Un endroit à découvrir dans la capitale portugaise au gré d'une balade culturelle !

Website : Lx factory

FIC123.BE een website met info en cultuur.
Bron/Source : France 2 - Culture

Rodez aura son musée Soulages en 2012

Rodez possèdera en 2012 son musée Soulages, réalisé par l'agence catalane RCR Arquitectes Aranda-Pigem-Vilalta
Elle a été sélectionnée en 2008 pour la construction du musée. Pierre Soulages avait participé à la pré-sélection du projet composé de cinq rectangles de différentes hauteurs formant un L sur une superficie de 6.595 m2.Il a fait don en 2005 avec son épouse Colette d'une grande partie de son oeuvre à la communauté d'agglomérations du Grand Rodez.
Le peintre et graveur est né le 24 décembre 1919 dans la ville de l'Aveyron, département dans lequel il a réalisé, entre autres, les vitraux de l'abbaye de Conques.Mardi soir, les conseillers des agglomérations du grand Rodez se sont prononcés par 37 voix pour, 7 contre et une abstention pour la création de ce musée, pour un budget de 21,5 millions d'euros, qui magnifiera quelque 250 oeuvres, évaluées à plus de 16 millions d'euros.

Soulages réalise des toiles où le noir domine. Parmi les oeuvres exposées à Rodez figureront les travaux préparatoires des vitraux de l'abbaye de Conques, des plaques et des oeuvres imprimées.

Website : Pierre Soulanges

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : France 2 - Culture

Le Codex de Léonard de Vinci bientôt exposé à Milan

Le Codex Atlanticus de Léonard de Vinci, énorme recueil d’un millier de planches du maître toscan sur ses découvertes anatomiques ou architecturales, sera exposé pour la première fois au public à Milan à partir de septembre.
De l’étude du vol des oiseaux aux croquis de machines complexes, sans oublier les formules scientifiques ou les planches anatomiques, ces 1.119 dessins et écrits de grande dimension – 64 cm par 43 cm – sont répartis en douze volumes et ont été exécutés entre 1478 et 1518.
Fractionnée en 24 expositions qui dévoileront chacune 50 planches pendant trois mois, la présentation au public du Codex Atlanticus débutera le 10 septembre 2009 pour se terminer en 2015, ont annoncé lundi lors d’une conférence de presse les organisateurs de l’événement.
En 2015, à l’occasion de l’Exposition universelle à Milan, ce cycle dédié au Codex culminera avec une exposition « titanesque dédiée à Léonard de Vinci » où figureront également des œuvres de l’artiste en provenance d’autres musées d’Europe, selon les organisateurs.
Le Codex Atlanticus, appelé ainsi en raison de son grand format rappelant celui des atlas, est actuellement conservé à la Bibliothèque Ambrosiana de Milan. Deux premiers dessins du recueil seront gratuitement exposés du 18 juillet au 31 août au Palazzo Marino de Milan.

Website : Léonard de Vinci via Wikipedia

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Bron/Source : Le Soir - Culture